La plataforma confirmó que la temporada 5 llegará el 8 de abril de 2026, arrancará con dos episodios de golpe y cerrará todo el invento el 20 de mayo de 2026. Sí, queda tiempo… pero viendo lo que enseña el teaser, igual es tiempo suficiente para mentalizarnos.
Al otro lado del tablero, Annie/Starlight lidera una resistencia cada vez más agotada, intentando mantener viva una chispa que parece consumirse más rápido que un meme. Kimiko está desaparecida, lo cual nunca es buena señal en esta franquicia, normalmente sinónimo de que alguien va a sufrir… y no poco.
Kripke, presente en el escenario de CCXP, avisó de que esta última tanda trae “cosas muy grandes”. Con él nunca sabes si eso significa explosiones, traiciones, muertes o todo a la vez. Probablemente lo último.
Además, A-Train confirma en el teaser que ahora está con la rebelión, un giro que huele a redención… o a traición futura. Con él nunca se sabe.
El tráiler no muestra a Misha Collins, aunque sí está confirmado para la temporada. Y mientras todo esto ocurre, la franquicia crece sin descanso con The Boys Presents: Diabolical, el spin-off Vought Rising y la recién anunciada The Boys: Mexico. Vamos, que cuando esta serie diga adiós, el universo seguirá explotando —literal y figuradamente.
Desde hace meses había teorías para todos los gustos: que si el show iba a elegir un bando, que si la trama obligaría a confirmar quién ganó Hoover Dam… Pues no. Y la co-showrunner Geneva Robertson-Dworet lo ha explicado sin rodeos: “Queríamos evitar que un final concreto fuera el correcto”. Vamos, que cada jugador puede seguir aferrado a su versión de la historia sin que la serie la haga pedazos.
Aun así, Robertson-Dworet lo matiza: el objetivo es que cualquier elección que hicieras en el juego pudiera haber ocurrido antes de la serie. Eso sí, reconoce que algún detalle podrá chocar con tu partida perfecta de 300 horas. Nada grave: “Esa era nuestra intención: no contradecir lo que cada jugador vivió en los juegos”.
Desde el final de Fallout: New Vegas, cualquier cosa podría haber pasado. Recordemos que el juego permitía al Courier aliarse con la NCR, con la Legión de César, con Mr. House… o mandar a todos al garete con Yes Man y su final independiente. Una ensalada de posibilidades que los guionistas han preferido respetar en lugar de triturar.
Y sí, la showrunner lanza un guiñito: cuando los fans detecten esos cambios respecto al juego, deberían intuir que “hay una historia implícita ahí que esperamos que les parezca deliciosa y divertida”. Traducción: van a dejar miguitas para que la comunidad teorice como si fuera su trabajo.
Una Vegas cambiante, una serie que no quiere romper corazones
El mensaje es claro: la serie no quiere romper las partidas de nadie. Si tu New Vegas la gobernó Yes Man a ritmo de independencia anarquista, perfecto. Si te casaste con la NCR y su eterno papeleo, también. Y si tiraste por la vía ultraviolenta con César… bueno, alguien tenía que hacerlo.
Lo que sí está confirmado es que Fallout temporada 2 regresará a uno de los escenarios más queridos de toda la saga. Y aunque no vaya a dar respuestas cerradas, lo que promete es mucho mejor: un New Vegas vivo, cambiante, impredecible… como siempre debió ser.
Durante el podcast SmartLess, le preguntaron directamente por esa posibilidad y el showrunner fue cristalino: “No, no creo”. Nada de planes secretos ni crossover soñado. Hawley incluso reconoció que admira lo que Dan Trachtenberg ha hecho con Prey y Badlands, pero añadió que no están coordinando absolutamente nada. Vamos, que cada uno en su casa y Weyland-Yutani en la de todos.
Hawley explicó que esa escena final tan empoderada de Wendy no era el final feliz, sino el principio de un marrón monumental. “Ese momento de ‘Ahora mandamos nosotras’ es emocionante… pero lo realmente interesante es lo que viene después”, comentó. Porque claro, cuando sueltas un grito de victoria, los barcos de Weyland-Yutani no tardan ni medio capítulo en aparecer para recordarte que aquí manda quien tiene la flota más grande.
“Todo lo que les viene encima son problemas”, afirmó Hawley. Sí, otra vez.
Hawley lo resume como una especie de Juego de Tronos corporativo, donde la lucha por el monopolio funciona como poder nuclear. Y lo que más le tienta es mostrar ese choque de intereses mientras seguimos la evolución de Wendy y su grupo, que siguen siendo el corazón emocional de la serie.
Porque Alien siempre ha ido de eso: del miedo a lo que no puedes contener.
La primera temporada jugaba con el concepto de “isla = contención”. En la segunda… ¿qué pasa cuando el desastre se expande por el mundo? Pues que el título Alien: Earth empieza a sonar mucho más literal. Y aunque Hawley aclara que no puede “volar la Tierra” por cuestiones de canon (una pena, la verdad), sí promete que mantener a raya la amenaza será un desafío casi imposible.
El reparto, liderado por Sydney Chandler, cuenta con un elenco enorme que incluye a Alex Lawther, Samuel Blenkin, Essie Davis, Adarsh Gourav, Kit Young, Timothy Olyphant y medio Hollywood (o eso parece). FX y Hulu apuestan fuerte, y la recepción de la primera temporada demuestra que el público está muy dentro del juego.
DC Comics lleva dos años viviendo una racha que Marvel mira con cejas levantadas y un leve sudor frío. Según Scott Snyder, uno de los cerebros tras el Universo Absolute, la fórmula del éxito no tiene misterio: dejar a los creadores hacer su trabajo
Marvel no está muerta, pero sigue corriendo con pesas
Ojo, Snyder no dice que Marvel esté creativamente en la UCI. La editorial sigue sacando grandes cómics cada año —solo hay que recordar House of X/Powers of X de Hickman o la etapa Avengers de Jed MacKay—, pero incluso los fans más fieles reconocen un patrón: mucho número uno, pocas series longevas.
Snyder lo explicaba sin nombrar a nadie, pero dejando las cartas sobre la mesa: la diferencia entre DC y Marvel ahora mismo no está en personajes, sino en filosofía. Crear desde la visión del autor frente a crear desde la checklist corporativa.
El enfoque de Absolute no nació en un vacío: Marvel ya hizo esta jugada hace décadas con su Universo Ultimate, que reescribió a Spider-Man, los X-Men y compañía desde cero. La diferencia está en el impacto. En DC, este movimiento llega como una bocanada de aire fresco. Para muchos lectores más casuales, es un “reset” atractivo que no exige estudiar 80 años de continuidad.
Curiosamente, Marvel también está disfrutando de un impulso creativo gracias a su nuevo Universo Ultimate desde 2022, pero no ha generado el mismo fenómeno que Absolute. ¿Quizás el branding? ¿Tal vez la saturación previa? Snyder, desde luego, cree que DC ha dado con el momento perfecto.
Si Marvel toma nota o no, ya será otro cantar. Pero, de momento, DC está disfrutando de la ventaja de algo tan simple como… dejar trabajar a quien sabe trabajar. Qué locura, ¿eh?
El regalo no era una simple “cortinita mona”, no. El arte mostraba a un Jack Sparrow con toda la estética shonen, pose chulesca incluida, y un toque pícaro digno de un pirata que solo sabe meterse en líos. Depp no pudo contener la emoción, asegurando medio en broma que quería envolverse con el noren. Normal: no te convierten en personaje de One Piece todos los días.
Hirata, con tono divertido, presentó el regalo diciendo: “Conozco a un tipo que suele dibujar cómics sobre piratas.” Vamos, como si Oda fuese un señor cualquiera que hace garabatos en su casa. La sutileza japonesa funcionando a pleno rendimiento.
El guiño perfecto
Aunque Jack Sparrow jamás haya aparecido en el manga (al menos de momento), su energía encajaría demasiado bien en el universo de Oda. One Piece siempre ha jugado con mitos marinos, leyendas, barcos malditos y piratas con más carisma que higiene personal. Sparrow, por supuesto, parece hecho a mano para navegar con Luffy… o robarle algo y salir corriendo.
Todavía no sabemos quién es —algunos fans apuntan a Dragon, porque por apuntar que no quede—, pero este pequeño homenaje a Piratas del Caribe solo ha echado más gasolina al fuego de las especulaciones. Ahora nadie podrá culpar a los fans por buscar referencias a Jack Sparrow hasta en el menú del Sunny.
Otra mangaka cayó rendida y se sonrojó hasta la máscara
Pero la jornada de Depp en Tokio no se quedó en ese regalo tan mediático. Durante el evento también protagonizó otra escena viral: una foto con Paru Itagaki, la creadora de Beastars, Sanda y Taika’s Reason. Itagaki, fiel a su estilo, posó con su máscara de gallina, pero esta vez dibujada con unas megasombrillas de rubor que parecían gritar: “sí, estoy fangirleando.”
Quién sabe: quizá este cruce no sea una simple anécdota. Tal vez sea un guiño. O una tentación. Oda ya ha metido en One Piece cosas mucho más locas que Johnny Depp dibujado al estilo manga. Por ahora, solo podemos decir que Jack Sparrow sigue siendo el peor pirata del que han oído hablar… pero sí que han oído hablar de él.
Más allá de la cortesía en redes, el contexto importa. Scott Snyder lleva años siendo uno de los nombres clave en la línea de Batman, y ver un número como Absolute Batman #1 agotarse una y otra vez es la confirmación de que su apuesta oscura y extrema sigue conectando con los lectores. Que ese éxito llame la atención de Gunn no es casual: el guionista y director sabe que, si la base está fuerte en el cómic, el universo expandido en cine y televisión tiene mucho más donde apoyarse.
Y mientras el nombre de Snyder sigue asociado a Batman, su carrera está mutando hacia otro frente igual de potente: la pantalla pequeña y la animación para adultos. Cada vez está más cerca ese escenario en el que, cuando alguien oiga su nombre, piense tanto en series como en cómics.
Terror presente, salvaje y emocional
El siguiente gran paso es la adaptación animada de Wytches para Prime Video, basada en el cómic que creó junto a Jock. En una de sus newsletters en Substack, Snyder explicó con bastante detalle cómo funciona la writers’ room que está liderando para la serie, y aprovechó para definir qué tipo de terror quiere llevar a la pantalla.
Según el propio autor, no estamos ante un simple producto de género más, sino ante algo que mezcla influencias muy claras: terror extremo a lo Clive Barker, atmósfera opresiva digna de John Carpenter, toques incómodos que recuerdan a Paul Verhoeven y, sobre todo, una apuesta por el body horror cargado de emoción. Él mismo lo describía como una ficción donde lo «hiper-violento» convive con lo «hiper-emocional», acercándolo a la línea de lo que hemos visto en Invincible: escenas durísimas, pero apoyadas en personajes que importan de verdad.
El sueño de American Vampire y el futuro en pantalla
Por si fuera poco, Snyder no esconde que estaría encantado de seguir llevando su obra al audiovisual. De hecho, ha llegado a decir que «lo dejaría todo» por adaptar American Vampire, la serie de terror que firmó junto a Rafael Albuquerque y que le valió premios y reconocimiento bajo el sello Vertigo. Una mezcla de historia estadounidense retorcida, vampiros y crítica social que, bien llevada a serie, podría encajar como un guante en la ola actual de ficción adulta.
Esa ambición deja claro que su relación con DC y con DC Studios está lejos de limitarse al papel. Hoy se encuentra centrado en Wytches, pero el cariño público hacia la gestión de Gunn suena, casi, como una forma de decir: “si queréis más, yo estoy aquí”. Y viendo el tirón de Absolute Batman #1 y el prestigio de American Vampire, sería raro que en algún momento no haya más movimientos.
Sinergia entre viñetas y pantalla para los fans de DC
Si Wytches consigue ser tan rompedora como promete, si Absolute Batman continúa reventando las librerías y si DC Studios mantiene la línea que Snyder ha alabado, los próximos años pueden ser especialmente dulces para quienes aman este universo, ya sea pasando páginas, haciendo maratones de series o llenando la sala de cine. Y con nombres como James Gunn al mando y Scott Snyder dispuesto a seguir cruzando la frontera entre medios, todo apunta a que el diálogo entre cómic y pantalla solo acaba de empezar.
La dibujante italiana ha tenido que salir a frenar el huracán desde su propia cuenta de Instagram, dejando claro que la supuesta polémica nació de una interpretación retorcida y bastante descarada de una charla informal en CCXP Brasil. Vamos, que ni denuncia, ni enfado, ni drama: solo clickbait barato.
Aun así, el episodio deja sobre la mesa un debate que en el mundo del cómic nunca termina de apagarse: la eterna discusión sobre cómo se compensa a los creadores cuando sus personajes saltan a otros formatos y generan millones. Y ahí, aunque el caso de Pichelli haya sido malinterpretado, el foco vuelve inevitablemente a un problema sistémico.
Es precisamente ese fulgor lo que hace que muchos fans esperen que quienes lo crearon participen también en el éxito económico del personaje. Pero la industria del cómic —especialmente en compañías como Marvel y DC— no funciona así desde hace décadas.
Un debate que viene de lejos
Aunque la historia de Pichelli se haya sacado fuera de contexto, otras voces del sector sí han manifestado su frustración abiertamente. El informe de The Hollywood Reporter de 2021 ya expuso los casos de Siegel y Shuster (Superman), Jim Starlin (Thanos) o Len Wein (Wolverine), todos con compensaciones mínimas pese a crear personajes valorados hoy en miles de millones.
Autores contemporáneos como Ed Brubaker, co-creador del Soldado de Invierno, también se han mostrado incómodos con recibir “céntimos” mientras ven a sus personajes llenar salas de cine y plataformas. Ta-Nehisi Coates fue incluso más directo, recordando que gran parte del talento vive únicamente del cómic y debería ser tratado con más dignidad por la parte corporativa.
Eso sí: si alguien buscaba guerra, aquí no la hay. Pichelli no está peleada con Marvel ni está reclamando millones, simplemente se encontró atrapada en un mal titular durante la vorágine de una convención gigantesca. Y lo dejó claro con un cierre lapidario: “Be better, do better”.
Miles Morales regresará a los cines con Spider-Man: Beyond the Spider-Verse el 18 de junio de 2027. Y esperemos que esta vez los titulares sean más fieles a la realidad.
En Doomwar (2010), la historia arranca con un panorama nada halagüeño: Wakanda ha caído, su vibranium saqueado y Storm está a punto de ser ejecutada. ¿El responsable? Cómo no, Victor von Doom, que lidera una brutal invasión desde Latveria. Para detenerle, se forma una alianza épica entre los X-Men, los Cuatro Fantásticos y dos versiones de Black Panther.
Aunque la películaAvengers: Infinity War ya jugó con la idea de una batalla en Wakanda, el paralelismo con esta historia no pasa desapercibido. ¿Veremos a Doom enfrentarse cara a cara con Shuri? Con la llegada de los mutantes y los Cuatro Fantásticos al UCM, la posibilidad no suena tan loca.
Wright lo suelta… y luego se corrige (mal)
En una entrevista reciente, Letitia Wright metió la pata al hablar sobre sus proyectos. “Acabamos de terminar Secret Wars… perdón, Doomsday. Me confundí. Secret Wars es lo próximo que tengo que rodar. Pero Doomsday ya lo acabamos, y fue genial”, dijo entre risas. ¿Un despiste inocente? Tal vez. ¿Un spoiler encubierto? También muy probable.
Además, dejó claro que el crecimiento de Shuri será importante en las próximas películas, dejando caer que la veremos en acción más allá de Wakanda.
Shuri vs Doom: un choque inevitable
La posible conexión entre Doomwar y Avengers: Doomsday no es casual. Ya hay rumores de que Doctor Doom será el gran antagonista, y este tipo de historia —con intriga política, robo de recursos y conflictos entre superpotencias— encajaría perfectamente en el tono épico que los Russo Brothers quieren imprimir a su nueva saga.
La tensión entre Wakanda y Latveriapodría ser el eje de la película, con Shuri al frente de una resistencia desesperada y aliados de todo el multiverso llegando al rescate.
Un reparto que da vértigo
Marvel ha tirado la casa por la ventana con el elenco. A los ya conocidos Chris Hemsworth, Anthony Mackie, Letitia Wright, Paul Rudd y compañía se suman los esperadísimos debuts de personajes de los X-Men y los Cuatro Fantásticos. Estrellas como Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Patrick Stewart, Ian McKellen, Channing Tatum, y hasta Robert Downey Jr. y Chris Evans estarían de vuelta. Sí, leíste bien.
¿Y qué hay de los rumores más locos? Tobey Maguire, Hugh Jackman, Brie Larson, Elizabeth Olsen… La lista de cameos potenciales parece salida de un sueño húmedo del fandom.
Los Russo vuelven con artillería pesada
Con guion de Stephen McFeely (Avengers, Capitán América) y aportes de Michael Waldron (Loki, Doctor Strange 2), Avengers: Doomsday promete ser una mezcla de nostalgia, locura multiversal y épica desmedida.
La fecha elegida no es cualquier día: 18 de diciembre de 2026. Justo un año antes del cierre con Secret Wars (17 de diciembre de 2027). Vamos, que el plan maestro está más que en marcha.
Absolute Batman #15 destapa el origen de Jack Grimm V, una versión del Joker que da más miedo por lo que oculta que por lo que muestra
Bruce Wayne por fin tiene respuestas. O al menos eso cree. En Absolute Batman #15, Alfred se sienta con su señor para desvelar la historia de uno de los enemigos más inquietantes que ha conocido Gotham: el enigmático Jack Grimm V, también conocido como el Joker del universo Absolute. Pero lo que empieza como un relato familiar casi respetable, termina convirtiéndose en una pesadilla tan retorcida que ni el propio Caballero Oscuro se la esperaba.
El origen de Jack Grimm V
Según Alfred, la familia Grimm no era una estirpe de locos ni criminales, sino un linaje de magnates y artistas, con profundas raíces en la filantropía. Sí, has leído bien. El hombre que ahora maneja los hilos del caos desde las sombras, solía pertenecer a un árbol genealógico que donaba millones a causas sociales. Y como toda fachada elegante, algo muy turbio se escondía debajo.
Lo escalofriante es justo eso: que este Joker no nació en el fango, sino entre alfombras de terciopelo. Lo que nos lleva a preguntarnos: ¿qué puede pudrir un alma criada entre lujos? La respuesta apunta a una corrupción más antigua y más profunda. Y si Alfred apenas rasca la superficie, queda claro que el verdadero horror aún no ha sido contado.
Un Joker sin risas… y siniestro como pocos
Olvídate del bufón de risa contagiosa. El Joker de Absolute Batman es un titán corporativo, un empresario que nunca ha soltado una carcajada y que prefiere mover piezas desde las sombras. Su primera aparición fue un simple cameo al final del número #1, pero desde entonces su influencia se ha hecho sentir en cada rincón de Gotham.
Uno de sus movimientos más perversos fue financiar Ark M, un oscuro proyecto que va más allá de la medicina o la reclusión criminal. Con esto no solo consolidó su estatus como magnate, sino que empezó a moldear el mundo a su imagen, como un villano que prefiere los contratos millonarios a las bombas con forma de payaso.
El lado monstruoso del villano
Aunque hasta ahora el Joker había mantenido un perfil sobrio,Scott Snyder ha ido dejando migas de pan sobre una faceta más… bestial. La portada de Nick Dragotta para este número lo dice todo: un ser con cuernos, espinas, y una sonrisa que parece partirle la cara en dos.
Y por si eso no fuera suficientemente perturbador, Glenn Fabry ha ilustrado una variante de portada que muestra con detalle este nuevo aspecto del Joker. Snyder incluso aclaró en redes sociales que las líneas rojas sobre sus ojos no son maquillaje: “siguen siendo parte de su boca. Hay dientes ahí dentro”. Una frase digna de darte pesadillas.
Bane, Ark M y el control total
Detrás de esta nueva versión de Joker se esconde una mente tan metódica como cruel. Él fue quien facilitó la creación de amenazas como Bane en este universo, un enemigo que destrozó a los aliados de Batman antes de caer a manos del propio Caballero Oscuro. Pero lo que duele no es la fuerza bruta, sino la sensación constante de que el Joker lo había previsto todo desde el principio.
Y eso es lo más escalofriante de Jack Grimm V: su capacidad de mantenerse invisible mientras lo manipula todo. No necesita chistes ni explosivos para causar terror. Le basta con una mirada y una firma.
Un punto de inflexión
Este número, escrito porScott Snyder con arte de Jock y color de Frank Martin, es mucho más que una pieza del puzle. Es el primer vistazo claro al alma de este nuevo Joker, una criatura que nació entre aplausos y acabó reinando en el silencio. Saldrá a la venta el 10 de diciembre, y promete cambiar nuestra percepción del Príncipe Payaso del Crimen para siempre.
Con cada número, Absolute Batman se consolida como una de las versiones más densas, oscuras y atrevidas del universo del Hombre Murciélago, y el Joker que ha parido este mundo podría convertirse, sin exagerar, en su encarnación más terrorífica.
En medio de la resistencia contra Revelation, un detalle que parecía menor podría reescribir años de historia mutante o acabar con la unidad del equipo de Cíclope
La serie, escrita por Jed MacKay y dibujada por Mahmud Asrar, se sitúa en una distopía futura marcada por el dominio de Revelation, el nuevo y oscuro alter ego de Doug Ramsey. Tras un enfrentamiento brutal con sus temibles Serafines, los X-Men logran reagruparse bajo los restos de Filadelfia. En ese momento de tregua, Cíclope pregunta con insistencia cómo Magneto fue curado del síndrome degenerativo vinculado a la resurrección (R-LDS), esa dolencia que supuestamente arrasaba el cuerpo y mente de los mutantes tras múltiples resurrecciones en la era Krakoana.
Pero la respuesta de Wiz-Kid lo deja helado: Magneto nunca sufrió el R-LDS. ¿Perdona? ¿Entonces todo lo que presenciaron, los fallos en los poderes de Erik, su colapso físico y mental… fue mentira o algo más?
Una enfermedad que nunca existió… ¿o sí?
El síndrome R-LDS se convirtió en una explicación conveniente cuando los efectos secundarios de las resurrecciones comenzaron a notarse. Magneto, que se lanzaba a misiones suicidas confiando en volver como si nada, acabó colapsando en un momento clave, obligando a Cíclope a reducirlo con un disparo óptico para evitar una catástrofe. Fue en X-Men #7 (2024) cuando esta degeneración se presentó como una amenaza global para los mutantes. Pero ahora, todo ese relato queda en entredicho.
Mientras tanto, el futuro sigue siendo una pesadilla orwelliana con Doug Ramsey —sí, el antiguo New Mutant que leía lenguas— reconvertido en el heredero de Apocalipsis, ahora conocido como Revelation. Este líder mesiánico controla vastos territorios de Norteamérica con mano firme, vendiendo la utopía a través de la sumisión. Sus legiones de Serafines y Coristas imponen un nuevo orden, mientras que los Amazing X-Men encarnan una resistencia que se antoja casi romántica.
Pero este nuevo dato sobre Magneto podría ser justo lo que el equipo necesita para rearmarse, ideológicamente al menos. Si R-LDS no es real o se ha exagerado, todo el discurso que permitió a Revelation tomar el control pierde credibilidad. Es una grieta en el relato del poder… y los X-Men podrían aprovecharla.
¿Conspiración interna o manipulación genética?
Este giro abre múltiples posibilidades: desde una conspiración dentro del Consejo Silencioso de Krakoa antes de su caída, hasta la manipulación de los datos genéticos por parte de los propios científicos mutantes. Y no descartemos que Revelation haya reescrito la historia a su antojo. Si puede controlar mentes, cuerpos y narrativas… también puede crear enfermedades y curas ficticias.
En ese sentido, la historia recupera el aroma a los grandes arcos clásicos de los X-Men: identidad, manipulación, traición y poder, todo servido en un escenario postapocalíptico donde la verdad ya no es suficiente… pero puede ser el principio de algo.
Amazing X-Men #3 ya está disponible en tiendas, y promete ser una de las entregas clave para entender cómo el legado mutante se está reescribiendo en plena era de Revelation. Y, de paso, por qué Cíclope está más cerca que nunca de volverse contra todo lo que una vez defendió.
