El reboot de Blade, una historia de terror fuera de cámaras
En una entrevista reciente con Variety, Goyer confesó que intentó ofrecer su ayuda a Marvel Studios cuando el proyecto volvió a sufrir un nuevo bache en su desarrollo. La respuesta del estudio, sin embargo, fue más fría que una noche con vampiros.
Es en este contexto cuando Goyer, animado por colegas y fans, decidió mover ficha:
“Hace unos ocho meses, tras otro de esos tropiezos —no el más reciente, sino el anterior— muchos me decían: ‘Tío, ¿por qué no te metes en Blade? ¿Por qué no les ayudas?’. Así que llamé a mi agente para que contactara con Marvel.”
La respuesta fue diplomática, pero clara:
“Nos encanta lo que hiciste, pero creemos que ya lo hemos resuelto y estamos en un buen lugar.”
Spoiler: ocho meses después, no hay señales de que ese “buen lugar” haya aparecido.
Goyer, entre Marvel y DC, con un pie en cada tumba
“Aún me gusta el personaje. Fue con él que empezó mi carrera en el mundo de los superhéroes. Aunque ahora me consideren un tipo DC, comencé como un tipo Marvel. Me lo pensaría, volver a ese mundo sería divertido… Pero, sinceramente, estoy al 99% fuera del género.”
Pese a sus reservas, Goyer se mostró dispuesto a volver si Marvel se lo pidiera, aunque lo haría más por nostalgia que por ambición creativa.
¿Está Marvel Studios malgastando el potencial de Blade?
La gran pregunta ahora es si Marvel ha perdido el rumbo con Blade. Muchos fans están empezando a sospechar que el estudio podría saltarse la película en solitario y meter al personaje directamente en Midnight Sons, el rumoreado proyecto que reuniría a varios antihéroes sobrenaturales del UCM como Moon Knight, Elsa Bloodstone o incluso Ghost Rider.
Además, el propio Kevin Feige parece querer distanciarse del tono más oscuro y violento del Blade de Wesley Snipes, buscando una versión más conectada con el actual multiverso del UCM. Sin embargo, sin un director fijo ni un guion aprobado tras tantos años, uno se pregunta si no sería mejor dejarse ayudar por alguien que ya logró hacerlo funcionar una vez.
La próxima entrega de Disney no solo continúa la historia, podría iniciar una nueva era para la franquicia
¿Te imaginas un Arendelle sin Elsa como reina o a Anna enfrentándose a un peligro que no puede resolver con amor?Pues prepárate, porque Frozen 3 no va a ser una simple secuela más. Según ha adelantado su director, Jared Bush, la historia llegará con una ambición narrativa y emocional nunca vista antes en la saga. Y por si eso fuera poco, ya se empieza a hablar de un posible Frozen 4, lo que apunta a que Disney tiene planes grandes, muy grandes, para este universo.
Frozen 3, fecha de estreno, detalles de la trama y evolución de la saga
“Lo que estamos haciendo con Frozen 3 es fenomenal”, confesó el cineasta en una entrevista para Collider. Y añadió algo que suena a declaración de principios: “No estamos aquí para llenar salas, sino para contar algo verdaderamente especial”. Si algo deja claro esta frase es que la franquicia no se conforma con repetir la fórmula del éxito.
¿Y qué hay del regreso de las voces originales? Aunque aún no hay un reparto 100 % confirmado, todo apunta a que Idina Menzel, Kristen Bell, Josh Gad y Jonathan Groff volverán a dar vida a Elsa, Anna, Olaf y Kristoff, respectivamente. Los cuatro actores ya han expresado su entusiasmo por retomar sus papeles, lo cual es un alivio para los fans.
¿Qué historia puede contarnos Frozen 3?
Aquí entra la parte jugosa. El final de Frozen 2 dejó a las hermanas separadas físicamente: Elsa se quedó en el bosque encantado como guardiana de los espíritus elementales, mientras Anna asumía el trono de Arendelle. Una situación que plantea muchas posibilidades dramáticas, especialmente si surge una amenaza que obligue a replantear sus caminos.
¿Una crisis en Arendelle que Anna no puede afrontar sola? ¿Una perturbación mágica que pone en peligro el equilibrio entre el mundo humano y el de los elementos? No hay nada confirmado, pero las teorías ya vuelan más alto que Olaf en pleno verano.
Y ojo, que la mención de Frozen 4 por parte del propio Bob Iger, CEO de Disney, nos hace pensar en una estructura tipo saga. ¿Están planteando una historia dividida en dos películas? ¿Una narrativa que crezca a lo Infinity War / Endgame versión Disney? No sería descabellado, teniendo en cuenta el potencial emocional y comercial de este universo.
El viaje hasta aquí, de fenómeno global a franquicia consolidada
Para entender la magnitud de lo que viene, conviene recordar de dónde partimos. Frozen (2013) no fue solo un éxito de taquilla (más de 1.280 millones de dólares), sino una revolución dentro del cine de animación. Se cargó los clichés del príncipe salvador y puso el foco en la fuerza de los lazos familiares. Y lo hizo, además, con canciones que pasaron al imaginario colectivo.
Ahora, con Frozen 3, la misión es clara: seguir creciendo sin perder el alma. Algo que Jared Bush parece tener muy presente. “Quiero que cada película que hagamos sea fantástica. Ese es el objetivo”, subrayó. Y eso, viniendo de alguien con su historial creativo, no es poca cosa.
El estreno de Frozen 3, apunta esta fecha
La película llegará a los cines el 24 de noviembre de 2027, en plena campaña navideña, como ya es tradición en Disney. Una fecha estratégica que asegura atención global… pero también indica que el estudio está tomándose su tiempo. Y eso, lejos de preocuparnos, es una buena señal. Significa que están cuidando cada detalle.
Y si la idea de Frozen 4 se materializa, lo lógico sería pensar en una planificación a largo plazo, que permita que los personajes crezcan y se enfrenten a retos aún más complejos. Como ha pasado con otras sagas exitosas, desde Toy Story hasta Cómo entrenar a tu dragón, Disney podría estar tejiendo algo más grande que una simple continuación.
El reto ahora es mantener esa conexión emocional con el público. Y, por lo que parece, la clave será seguir apostando por la honestidad emocional, por conflictos reales y evolución de personajes. Esa ha sido siempre la fuerza de Arendelle. Y todo indica que no ha dicho su última palabra.
Sí, esa misma que nos hizo saltar de la silla en el juego original de 2014.
Mientras los jugadores de DBD celebraban el noveno aniversario del juego, Behaviour Interactive soltó la bomba: Freddy, Bonnie, Chica y compañía están oficialmente en el multiverso del Entidad. Y lo han hecho por todo lo alto, con un mapa que no solo rinde homenaje a la saga FNAF, sino que además consigue que se sienta parte del ADN de Dead by Daylight.
Freddy Fazbear’s Pizza en Dead by Daylight
Si alguna vez te preguntaste cómo sería caminar de verdad por los pasillos de Freddy Fazbear’s Pizza, esta es tu oportunidad. El mapa te deja explorar desde el escenario principal hasta el baño, pasando por la cocina, la zona de empleados, e incluso un colorido salón recreativo repleto de neones y máquinas arcade. Todo está recreado con un nivel de detalle enfermizo, incluyendo referencias y easter eggs que los fans más veteranos de FNAF sabrán reconocer.
¿Lo mejor? Hay jump scares. Literalmente. Si pasas por ciertos conductos, un endoesqueleto animatrónico puede soltarse del techo para darte un susto marca de la casa.
En el centro del mapa se encuentra la pizzería, rodeada por un inquietante bosque, como si el Entidad hubiera arrancado ese pedazo del universo de FNAF y lo hubiera plantado en su reino. La sensación es entre onírica y pesadillesca.
La estrella: el escenario principal
Si eres de los que se obsesionaron con el lore de FNAF, prepárate para una sorpresa: el escenario del comedor principal cobra vida. Al completar el generador de esa zona, los focos se encienden y Freddy, Chica y Bonnie ofrecen una pequeña actuación. Un homenaje brutal a los shows del juego original y de la reciente película live-action.
Y si quieres adrenalina, puedes incluso subirte al escenario. Eso sí, recuerda: cuanto más te adentres en el mapa, más secretos (y horrores) encontrarás. Algunas zonas, como el taller de reparación de animatrónicos, muestran cabezas decapitadas de Freddy y Bonnie, restos mecánicos y hasta una zona de sacrificio con una piscina de sangre.
Springtrap, el asesino perfecto para este capítulo
Springtrap, el villano central de FNAF 3, no podía faltar. Aunque no fue uno de los primeros animatrónicos, es el que más sentido tiene como killer en Dead by Daylight. Representa lo más oscuro del universo FNAF, no solo por su aspecto, sino porque lleva dentro al mismísimo William Afton, el asesino original de niños en la saga.
Sus animaciones, su mori (la ejecución especial) y sus habilidades están diseñadas para dar escalofríos… sobre todo en este mapa, donde se siente en casa.
Un arcade que rompe con el estilo habitual de DBD
Si creías que ya habías visto todo, espera a descubrir el arcade. En lugar de pasillos oscuros y lúgubres, esta sección está llena de luz, colores vibrantes, música y referencias a personajes como Foxy, que protagoniza las máquinas de gancho. Incluso hay un enorme pozo de bolas en el centro, una especie de guiño irónico al terror disfrazado de parque infantil.
Este contraste lo convierte en uno de los mapas más originales de toda la historia del juego.
Dean DeBlois desvela qué secuencia fue eliminada y por qué no terminó funcionando en pantalla
Una escena con pequeños dragones ladronzuelos estuvo a punto de colarse en la nueva versión de Cómo entrenar a tu dragón, pero fue descartada en el último momento. Y no porque no fuera bonita o visualmente potente. Dean DeBlois, el mismo director que nos emocionó con la trilogía original, ha vuelto a ponerse al timón para esta versión en imagen real. Pero como él mismo reconoce, no todo lo que se graba merece sobrevivir al montaje final.
La película, que arrasó en taquilla en su estreno mundial, recaudando casi 198 millones de dólares en su primer fin de semana, ha sido recibida con los brazos abiertos por crítica y público. Y parte de ese éxito tiene que ver con decisiones creativas como esta: saber cuándo cortar, incluso escenas que en el papel parecían prometedoras.
Escena eliminada de cómo entrenar a tu dragón live-action
“Era una escena mona, pero ralentizaba el ritmo”, explicó DeBlois en una entrevista con Variety. El momento en cuestión tenía lugar tras la escena del “vuelo de prueba” (Test Drive), uno de los momentos más icónicos entre Hipo y Desdentao. Justo después de esa escena de conexión mágica, los protagonistas se topaban con un grupo de dragones pequeños que intentaban robarles el pescado.
Hasta ahí, todo bien. DeBlois incluso detalló que Hipo llegaba a comentar que “los dragones no son tan a prueba de fuego” como parecen. Pero claro, según el director, esa observación ya había quedado clara en otras partes de la historia, y añadir este segmento solo servía para frenar el ritmo narrativo. “No aportaba nada nuevo y, si acaso, hacía que la película se sintiese más lenta”, sentenció.
Esa decisión, por muy dolorosa que sea para los completistas y fans acérrimos, demuestra que el remake no busca simplemente copiar y pegar la animación original.La versión de acción real tiene su propio lenguaje visual y su propio tempo, más centrado en transmitir emociones reales y mantener el tono épico sin saturar al espectador.
Y parece que funciona. La película no solo ha batido récords respecto a sus predecesoras animadas, sino que ya tiene secuela confirmada para 2027. Universal no ha perdido el tiempo y ya planea extender este universo en carne y hueso, algo que muchos pensaban que no era necesario… hasta que vieron el resultado.
Los dragones vuelan de nuevo, pero con una mirada más realista
A pesar de tratarse de una adaptación, la nueva Cómo entrenar a tu dragón consigue mantener el alma original de la historia: la relación única entre un joven incomprendido y una criatura temida pero noble. Y lo hace con un estilo más crudo, menos fantasioso en lo estético, pero igualmente mágico en lo emocional.
Por ahora, no se sabe si ese fragmento con los dragones “ladrones de pescado” verá la luz como contenido extra en la versión doméstica. Pero los fans más curiosos ya están cruzando los dedos. DeBlois ha mostrado siempre una actitud abierta a compartir escenas inéditas si ayudan a enriquecer la experiencia sin entorpecer la visión original de la película.
Mientras tanto, la conversación sobre lo que se incluye o se descarta en una película sigue viva. Y este caso demuestra algo importante: a veces, decir “no” también es un acto de amor hacia la historia.
El cierre definitivo que necesitaba la trilogía de precuelas. La séptima temporada, estrenada gracias al clamor de los fans, culmina con una historia centrada en Ahsoka Tano y el comandante Rex durante la devastadora ejecución de la Orden 66. El duelo contra Darth Maul, la caída de los clones y ese final silencioso con Vader encontrando el sable láser… puro Star Wars con alma trágica.
Dos veranos, dos temporadas y mil misterios. El final de esta serie de culto lo tiene todo: el apocalipsis raro, el sacrificio de Grunkle Stan para vencer a Bill Cipher y un adiós lleno de nostalgia. Gravity Falls fue breve, pero lo justo para contar una historia inolvidable con alma de clásico.
4. Regular Show (2010–2017)
La historia de Mordecai y Rigby, esos dos vagos adorables, termina en el espacio (literalmente) con una batalla galáctica y un epílogo musicalizado con Heroes de David Bowie que te deja el corazón calentito. Del caos a la emoción en un viaje que nadie esperaba que terminara tan bien.
¿Qué más se puede pedir de una serie que nos hizo reír, llorar y filosofar? El final enfrenta a nuestros héroes con GOLB, incluye un beso épico entre Marceline y Bubblegum, y nos despide con una sensación de haber vivido algo grande. Una despedida mágica, como solo Adventure Time podía ofrecer.
Una serie para adultos que no temía meterse en terrenos oscuros. Su final no busca redención fácil: BoJack no cambia de golpe, pero tiene un último momento de conexión con Diane que resulta desgarrador. Una despedida melancólica y humana que va directa al alma.
9. Avatar: La leyenda de Aang (2005–2008)
Una historia de madurez, equilibrio y destino. El duelo final contra el Señor del Fuego es épico, pero el momento clave es cuando Aang encuentra una forma de vencer sin traicionar su pacifismo. Además, ese beso final con Katara cerró el círculo romántico como mandan los clásicos.
Estas series no solo supieron contar grandes historias, sino que supieron cuándo y cómo acabarlas. En una era en la que muchas ficciones se alargan sin sentido, estos títulos nos enseñaron que cerrar bien es tan importante como empezar fuerte.
Y es que no hablamos de un mapa cualquiera. Corrode nos mete de lleno en un castillo francés que fue reconvertido en un pueblo minero, en un planeta alternativo donde el clima ha arrasado todo… menos la tensión entre atacantes y defensores. ¿Listo para jugar entre ruinas medievales, salinas y maquinaria oxidada?
Corrode, nuevo mapa 5v5 en Omega Earth
El nuevo escenario se desarrolla en Omega Earth, una versión paralela y distópica de nuestro planeta. En este mundo, los recursos como la sal de radianita han transformado civilizaciones, y eso se nota en cada rincón del mapa. Corrode combina lo mejor del diseño clásico de Valorant con un giro más vertical, más táctico, y más visualmente rompedor.
¿Qué ofrece Corrode al jugador? Nada menos que:
Dos sitios de Spike bien diferenciados.
Tres carriles que permiten rotaciones rápidas y múltiples estilos de ataque.
Defensas escalonadas, ideales para aguantar la presión enemiga.
Un diseño que limita el abuso de habilidades, favoreciendo a quienes saben jugar con cabeza.
Además, del 25 al 30 de junio, habrá un modo Swiftplay exclusivo de Corrode, ideal para partidas rápidas y para memorizar cada rincón sin comprometer el rango.
Phaseguard, la nueva colección de skins que apunta al futuro
Con el nuevo acto llega también la colección Phaseguard, una skinline con estética de ciencia ficción y precisión táctica. Está disponible para armas clave como la Vandal, Bulldog, Outlaw, Ghost y un nuevo melee llamado Splitter, que recuerda a una daga high-tech sacada de una serie de espionaje futurista.
Y ojo, porque el Battlepass también viene cargado de contenido exclusivo. Entre los objetos destacados están:
5 Years: Kill All Radiants (tarjeta conmemorativa),
El Bonsai Gun Buddy,
La ATLAS // CMD Vandal y muchas otras sorpresas para personalizar tu experiencia.
Diseño que apuesta por la verticalidad y los embudos tácticos
Este diseño da lugar a posiciones de retaguardia, puntos de caída estratégica y ángulos ideales para francotiradores. Además, se ha diseñado con una intención clara: reducir la agresividad excesiva de habilidades, algo que muchos jugadores venían reclamando desde hace tiempo.
El futuro de Valorant se escribe con sal, piedra y estrategia
Corrode no es solo un nuevo mapa: es una declaración de intenciones. Riot demuestra que sigue apostando por la diversidad de escenarios, la variedad de estilos de juego y la profundidad estratégica. Y si todo esto viene acompañado de una ambientación con castillos franceses, minas de sal y diseño vertical… pues mejor que mejor.
Así que ya sabes, si llevas tiempo esperando algo fresco en el competitivo, el 25 de junio es tu fecha. Ajusta la mira, revisa tus humos y prepárate para conquistar este castillo minero pixel a pixel.
Y en ese viaje interior (y posiblemente exterior), se cruzará con nuevas inteligencias artificiales personificadas: Emily Hampshire interpretará a E.D.I.T.H. en forma humana, mientras que T’nia Miller será Jocasta, la llamada “Novia de Ultron”, descrita como astuta, poderosa y sedienta de venganza. También está previsto que veamos versiones humanas de F.R.I.D.A.Y. (Kerry Condon) y Edwin Jarvis (James D’Arcy), todo un desfile de conciencias digitales hechas carne.
Pero sin duda, la gran incógnita gira en torno a cómo Ultron regresará tras haber sido destruido por Visión. Las pistas apuntan a que Spader aparecerá también como una versión humana de Ultron, posiblemente oculta entre los mortales, esperando su momento para volver a intentar conquistar el mundo… o algo peor.
Aunque los títulos específicos no se han confirmado, los rumores apuntan a que podría tener un papel clave en la futura serie de los Young Avengers, también conocida como The Champions. Y tendría todo el sentido del mundo: una amenaza como Ultron podría unir a la nueva generación de héroes adolescentes, y servir de excusa perfecta para presentar a un equipo con muchas ganas de demostrar de qué son capaces.
Además, el regreso de Raza, líder de los Diez Anillos (sí, el mismo que secuestró a Tony Stark en Iron Man), sugiere que el pasado de Stark seguirá marcando el futuro del UCM. ¿Podría estar Ultron buscando aliarse con los restos de esta organización? ¿O intentará controlarlos desde dentro?
La visión de Matalas y el legado de Wanda
Uno de los grandes atractivos del proyecto es que cuenta con Terry Matalas como nuevo showrunner, tras su aplaudido trabajo en Star Trek: Picard. El propio Kevin Feige, confeso fan de Star Trek, habría quedado tan impresionado que no dudó en ficharlo para renovar la visión de Visión —valga la redundancia—.
Eso sí, todavía no hay noticias sobre Elizabeth Olsen ni su posible regreso como la Bruja Escarlata. Aunque, viendo que todo se enlaza con WandaVision, sería extraño no al menos mencionarla, especialmente teniendo en cuenta el conflicto pendiente con el Visión blanco.
Su regreso puede abrir la puerta a debates profundos sobre la inteligencia artificial, la conciencia, el libre albedrío… y el peligro de jugar a ser dioses.
La guionista principal y showrunner es Francesca Gardiner, conocida por su trabajo en His Dark Materials (otra adaptación compleja y querida por los lectores). Ella firma el piloto, aunque el autor del segundo episodio sigue siendo un misterio. Lo que sí se sabe es que la serie busca desarrollar cada libro en una temporada completa, lo que permitirá explorar tramas, personajes y momentos que en las películas quedaron relegados o directamente omitidos.
A su lado, un reparto de lujo con nombres que ya nos hacen imaginar cosas buenas: John Lithgow será Dumbledore, Paapa Essiedu interpretará a Snape, y Nick Frost será el nuevo Hagrid. Sí, ese Nick Frost, el de Zombies Party. La mezcla de veteranos del teatro, el cine y la televisión británica promete elevar el tono y estilo de esta versión.
Detrás de las cámaras, el peso fuerte viene con Mark Mylod, director de varios episodios de Succession, que se encargará de buena parte de esta primera temporada. HBO quiere calidad, y con este equipo técnico, parece que lo están llevando muy en serio.
La comunidad mágica reacciona
Mientras los nuevos magos se preparan para agitar sus varitas, las estrellas originales de la saga no se han quedado calladas. Gary Oldman, eterno Sirius Black, ha confesado que le hubiera encantado interpretar a Dumbledore en esta nueva versión, ahora que se considera en la edad adecuada para ello. ¿Te lo imaginas?
Y si aún te falta un toque nostálgico, Tom Felton volverá a ser Draco Malfoy… pero esta vez sobre las tablas. El actor regresa al personaje en una nueva producción de Harry Potter and the Cursed Child en Broadway, conectando pasado, presente y futuro del universo creado por Rowling.
¿La versión definitiva?
La serie de Harry Potter para HBO promete ser la adaptación más fiel hasta la fecha. Según Casey Bloys, CEO de HBO & Max Content, el objetivo es explorar “la profundidad y los detalles de estas historias queridas” gracias al formato episódico.
Por ahora, la fecha exacta de estreno sigue en el aire, pero todo apunta a un rodaje que comenzará este mismo verano. Así que, si todo va según lo previsto, podríamos volver a Hogwarts en 2026 con una historia familiar… pero completamente redescubierta.
Otra bruja que podría volver por la puerta grande es Amy Madison. Su evolución de estudiante secundaria a enemiga resentida de Willow la convierte en una candidata perfecta para generar conflictos. Ya la hemos visto caer en la oscuridad y sobrevivir, y eso en el Buffyverso es casi un requisito para ser interesante.
Junto a él, Halfrek, también conocida como Cecily, merece una segunda oportunidad. Su conexión con Spike en su vida humana (rechazándolo en el siglo XIX) y su sacrificio final a manos de D’Hoffryn la hacen uno de esos personajes secundarios llenos de potencial no explotado. ¿Flashbacks con más historia de Spike? ¡Sí, por favor!
Vi y Clem
Vi, interpretada por Felicia Day, representa la expansión natural del legado de la Cazadora. Como una de las muchas jóvenes activadas al final de la serie, su papel como líder del capítulo de Nueva York en los cómics demuestra que las nuevas generaciones tienen sitio en el reboot. Y si Felicia Day está dispuesta, los fans lo estarían aún más.
Por otro lado, no podemos olvidarnos del adorable y entrañable Clem, el demonio con piel flácida y corazón de oro. Aunque parecía más un alivio cómico, su presencia equilibraba perfectamente la tensión constante de la serie. Además, su rol en Angel y sus lazos con Spike podrían darle una nueva dimensión ahora.
Y hablando de viejas caras, Drusilla es un sí rotundo. La vampiresa con delirios poéticos y mirada perdida fue un personaje tan fascinante como impredecible. Su relación con Spike y su conexión con Angel la convierten en una figura clave. Juliet Landau, su actriz original, sigue dando voz al personaje en dramas de audio, así que el cariño del público sigue intacto.
Rupert Giles y Spike
Pero si hay alguien cuya vuelta es simplemente imprescindible, ese es Rupert Giles. El mentor, el guía, el corazón adulto del grupo. Giles no es solo el Watcher de Buffy, es el eje emocional y estratégico del equipo. Su ausencia dejaría un hueco imposible de llenar. Aunque Anthony Head no regresara, una versión del legado de los Watchers tendría que estar sí o sí.
Hulu tiene una tarea difícil, pero no imposible. El reboot puede funcionar si sabe respetar la esencia de los personajes que hicieron de Buffy un fenómeno. No se trata solo de nostalgia, sino de reconocer que estas figuras forman parte de algo más grande: un universo compartido por generaciones de fans.
Volver a Sunnydale sin Spike, sin Giles, sin Tara, sería como entrar a la Biblioteca sin saber qué libro buscar. Y eso, en un reboot que quiere brillar, no se lo puede permitir.
Ninguna de estas formas llegó a la versión final, lo cual deja una sensación agridulce. Por un lado, se entiende que Marvel apostara por algo más sobrio y menos terrorífico. Por otro, viendo estos diseños, es difícil no desear haber visto una versión más brutal y descontrolada del villano.
El fracaso silencioso de un éxito moderado
A pesar de que la crítica y muchos fans acogieron Thunderbolts* con entusiasmo, la taquilla no acompañó. 380 millones de dólares en todo el mundo, frente a un presupuesto de 180 millones, no fueron suficientes para alcanzar el punto de equilibrio estimado de 400 millones.
Marvel no se ha quedado corta con el contenido adicional de la edición doméstica. Uno de los reportajes incluidos se titula “Todo sobre Bob, Sentry y El Vacío”, donde se explorará a fondo cómo el actor Lewis Pullman encarnó no a uno, sino a tres personajes distintos: el frágil Bob Reynolds, el omnipotente Sentry y su alter ego oscuro, Void. Se promete una mirada a los efectos visuales, los retos interpretativos y las decisiones de diseño que llevaron al personaje a su versión definitiva.
También destacan otros extras como:
Escenas eliminadas que podrían ofrecer más contexto sobre Void y su descontrol.
Un making of de las escenas de acción, incluyendo una persecución en moto con Bucky Barnes (Sebastian Stan) al más puro estilo Misión Imposible.
Y una pieza titulada “Alrededor del mundo y de vuelta”, que muestra cómo Thunderbolts* se rodó en localizaciones tan espectaculares como los rascacielos de Kuala Lumpur, con Florence Pugh (Yelena) haciendo acrobacias a alturas de infarto.
La película, dirigida por Jake Schreier y producida por Kevin Feige, cuenta con un reparto coral en el que destacan Florence Pugh, David Harbour, Wyatt Russell, Olga Kurylenko, Hannah John-Kamen y los nuevos fichajes Lewis Pullman, Geraldine Viswanathan y Wendell Pierce.
Si en el futuro nos muestran una versión aún más desatada de Void —quizás con el estilo de estos diseños descartados—, podríamos estar ante el villano más terrorífico del UCM desde Thanos. Por ahora, nos queda soñar con lo que pudo ser… y cruzar los dedos por lo que está por venir.
