“Estoy muy orgullosa de lo que hemos logrado. De verdad, muy orgullosa… Pero no tengo una respuesta para eso”, afirmó Olsen. Ante la idea de que los fans la imaginen en Doomsday, añadió: “Bueno, no puedo. La verdad es que sí espero. Quiero verla regresar en este papel… y la verdad es que no tengo ni idea de cómo ni cuándo”.
La intérprete también dejó claro que su prioridad no es simplemente encadenar franquicias: “No me interesa simplemente saltar de franquicia en franquicia. Espero crear cosas que reflejen mejor la cultura y nuestra época”.
Elizabeth Olsen ya había señalado que, después de años centrada en Marvel, busca equilibrar su carrera con proyectos que reflejen sus propios gustos:
“Tus gustos te definen como artista… ahora quiero explorar papeles que reflejen mis propios gustos personales”.
El personaje de Wanda no aparece desde Doctor Strange en el Multiverso de la Locura, donde aparentemente murió tras destruir el Darkhold, un giro que generó debate entre los fans.
Doomsday llegará el 18 de diciembre de 2026 y Secret Wars el 17 de diciembre de 2027.
Estas sesiones adicionales servirán para perfeccionar la historia de Doomsday y reforzar la conexión entre ambas entregas, cuyo enlace argumental todavía está evolucionando. La estrategia recuerda a las escenas postcréditos de Thunderbolts* y Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos, grabadas directamente en el set de Doomsday, aunque esta vez no habrá películas intermedias que puedan integrar material de Secret Wars.
El elenco de Doomsday es uno de los más amplios del UCM, con Chris Hemsworth, Anthony Mackie, Tom Hiddleston, Paul Rudd, Letitia Wright, Sebastian Stan y Robert Downey Jr., además de las nuevas incorporaciones provenientes de Los Cuatro Fantásticos y veteranos del universo mutante como Patrick Stewart, Ian McKellen o James Marsden. También se suman rumores sobre la presencia de Tobey Maguire, Hugh Jackman y Elizabeth Olsen, mientras Josh Brolin ha insinuado que podría volver como Thanos si los Russo se lo piden.
Los directores vuelven a colaborar con Stephen McFeely, guionista de cintas clave de Los Vengadores y Capitán América, junto con Michael Waldron, conocido por Loki y Doctor Strange en el Multiverso de la Locura.
Con nuevas grabaciones en el horizonte, Marvel se prepara para definir los últimos detalles de Doomsday y encaminar directamente la producción de Secret Wars. Todo apunta a que el final del Multiverso será uno de los eventos más grandes en la historia del estudio.
El anuncio se realizó durante el Asia Pacific Originals Showcase de Disney en Hong Kong, donde el propio Kojima apareció por sorpresa para presentar el proyecto junto al estudio japonés E&H Productions, responsable de la animación.
Hideo Kojima y Disney+
Según el avance oficial, la historia retomará los temas clásicos del juego: aislamiento, conexiones humanas y la extinción de la civilización. “Hubo una explosión…”, dice la sinopsis, repitiendo la enigmática frase que abría el primer título. Esta vez, el relato se centrará en varios personajes que luchan por mantener la esperanza en un mundo devastado, mientras los ecos de Sam Porter Bridges —el protagonista interpretado por Norman Reedus— siguen resonando.
Entre ellos se menciona a un anciano que busca redención, una guerrera que defiende la violencia como salvación, un joven resentido con Bridges y una chica que abraza la soledad. Todos confluirán en una nueva catástrofe que promete redefinir el concepto del “Death Stranding”.
Death Stranding: Isolations
La serie estará dirigida por Takayuki Sano, de E&H Productions, y contará con el diseñador Ilya Kuvshinov (Ghost in the Shell: SAC_2045) al frente del arte conceptual. La animación será totalmente 2D y dibujada a mano, alejándose del fotorrealismo de los juegos. Kojima ejercerá como productor ejecutivo, garantizando que la visión filosófica y existencial del universo original se mantenga intacta.
“Queremos explorar qué significa conectar cuando el mundo entero está roto”, comentó el creador japonés durante la presentación. No es precisamente el argumento más alegre para una serie de Disney+, pero ya sabemos que Kojima nunca ha seguido el camino fácil.
Del videojuego al fenómeno multimedia
El salto a la animación llega en pleno renacimiento de la franquicia. En junio de 2025 se lanzó Death Stranding 2: On the Beach, una secuela que mantuvo el tono surrealista y, según la crítica, ofreció una narrativa más emocional y coherente.
Además, está en desarrollo una película de acción real producida por A24 y dirigida por Michael Sarnoski (Pig). Si a eso sumamos esta serie animada, parece que Kojima quiere que Death Stranding se convierta en su propio multiverso existencial.
Un juego amado y odiado a partes iguales
Desde su lanzamiento en 2019, el primer Death Stranding ha sido tan admirado como incomprendido. Su mezcla de mensajería postapocalíptica, filosofía de la conexión humana y largos paseos solitarios dividió a los jugadores. Algunos lo consideraron una obra maestra; otros, un simulador de reparto con delirios de grandeza.
Lo cierto es que, con un reparto encabezado por Norman Reedus, Mads Mikkelsen, Léa Seydoux y Guillermo del Toro, el juego se convirtió en un éxito comercial y en una de las obras más debatidas de la última década.
Una nueva oportunidad para entender Death Stranding
Disney+, por su parte, continúa ampliando su catálogo con proyectos alejados de su tradicional perfil familiar, apostando por contenidos más arriesgados y de autor en el mercado asiático. Y si alguien sabe de riesgo, es Hideo Kojima.
Porque cuando él dice “hubo una explosión”, ya sabemos que lo que viene después no será precisamente tranquilo.
Según informa el portal HeMania.com, el estudio organizó proyecciones de prueba en Nueva Jersey y California, mostrando una versión inacabada con efectos especiales aún por completar. Aun así, las impresiones iniciales parecen haber superado las expectativas.
El crítico John Campea compartió en su programa que una fuente que asistió al pase calificó la película de “asombrosa”. “No esperaba nada y salí completamente sorprendido”, comentó su contacto. Aunque se trata de un único testimonio, basta para encender la chispa entre los seguidores del universo de Eternia, ansiosos por ver cómo luce el héroe en carne y hueso.
Primer vistazo al tráiler y detalles del argumento
El primer teaser se espera para el mes que viene (quizás incluso antes) y, según filtraciones, mostrará a Prince Adam levantando su espada y pronunciando el legendario “¡Yo tengo el poder!”. El adelanto incluirá a personajes clásicos como Cringer, Teela, Skeletor y Evil-Lyn, además de los primeros planos de Eternia y su ambientación.
El elenco es tan llamativo como el propio universo que trae de vuelta. Nicholas Galitzine interpreta a Adam/He-Man, mientras que Camila Mendesencarna a Teela. El villano Skeletor cobra vida gracias a Jared Leto, cuya apariencia, según los testigos, recuerda a la versión animada clásica.
Completan el reparto Idris Elba como Man-At-Arms, Morena Baccarin como la Hechicera, y James Purefoy y Charlotte Riley como los reyes Randor y Marlena. Además, Alison Brie da vida a la poderosa Evil-Lyn, mientras que Sam C. Wilson (Trap Jaw), Kojo Attah (Tri-Klops) y Jon Xue Zhang (Ram-Man) aportan músculo al bando enemigo.
El largo camino hasta el estreno
El proyecto ha sufrido numerosos retrasos y cambios de estudio. En un principio, Netflix iba a producir la película en 2022, pero finalmente fue Amazon/MGM quien rescató la franquicia, confiando la dirección a Travis Knight, conocido por Bumblebee. El guion corre a cargo de Chris Butler, sobre un borrador original de David Callaham (Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos).
Los productores Todd Black, Jason Blumenthal, Steve Tisch y DeVon Franklin respaldan el proyecto, que promete una historia de origen fiel pero renovada. Según la sinopsis oficial, un joven príncipe Adam llega a la Tierra tras un accidente espacial, separado de su mítica Espada del Poder. Años después, el destino lo lleva de regreso a Eternia, donde deberá reunir el valor necesario para enfrentarse a Skeletor y reclamar su lugar como el héroe más poderoso del universo.
El poder del regreso de He-Man
Con un estreno fijado para el 5 de junio de 2026, el regreso de He-Man a la gran pantalla apunta a combinar nostalgia, épica y espectáculo visual. Tras décadas de intentos fallidos, parece que esta vez Eternia tiene la oportunidad de brillar con toda su gloria cinematográfica.
Los fans solo esperan una cosa: que cuando Adam levante la espada y pronuncie las palabras mágicas, el cine vuelva a vibrar con el eco de su poder.
Pierre-Loup Griffais, ingeniero de software de Valve, explicó a IGN que la compañía prefiere esperar a que el salto técnico sea realmente significativo antes de sacar una nueva versión: “Queremos asegurarnos de que la mejora de rendimiento merezca la pena como producto independiente”. En otras palabras, nada de sacar una revisión con un 20, 30 o incluso 50% más de potencia si no se siente verdaderamente “de nueva generación”.
Griffais dejó claro que el problema no es de diseño, sino de tecnología: “Estamos trabajando a partir de los avances en el silicio y las mejoras arquitectónicas, pero ahora mismo no existe ningún SoC (System on a Chip) que ofrezca el rendimiento que consideramos verdaderamente de próxima generación”. En resumen, Valve está esperando al chip adecuado para poder garantizar un salto real sin sacrificar autonomía.
Parece mentira, pero la Steam Deck original ya se acerca a su cuarto aniversario desde su lanzamiento en febrero de 2022. Desde entonces, Valve ha mantenido el dispositivo vivo mediante actualizaciones de software, versiones OLED y mejoras menores, pero los fans llevan tiempo pidiendo una verdadera sucesora.
Y aunque la espera se hace larga, las declaraciones de Griffais dejan entrever que Steam Deck 2 está más avanzada de lo que parece, solo pendiente de la evolución tecnológica que permita cumplir con los estándares que Valve se ha impuesto.
Si algo preocupa a los jugadores, más allá del rendimiento, es cuánto costará Steam Deck 2. El auge de modelos que superan fácilmente los 1.000 euros —como los de ASUS— ha encendido las alarmas. Griffais no comentó precios, pero los fans esperan que Valve mantenga su política de ofrecer una gama de modelos escalonada, con versiones más accesibles que el tope de gama.
De momento, los desarrolladores continúan optimizando juegos para la Deck original, y Valve no tiene prisa por cerrar ese ciclo. En un mercado cada vez más saturado de revisiones intergeneracionales, su decisión de esperar puede ser tan arriesgada como inteligente.
Un futuro que se cocina a fuego lento
Todo apunta a que Steam Deck 2 será el equivalente portátil de un salto generacional completo, no una simple mejora incremental. Valve no quiere un producto “más rápido”, sino uno que redefina lo que puede hacer un PC de bolsillo.
Y conociendo el historial de la compañía —que prefiere lanzar algo tarde pero revolucionario antes que precipitarse—, la espera podría valer la pena.
La noticia ha pillado por sorpresa a los fans. Apenas un mes después de presentar el tráiler de la nueva temporada —con las voces de Micah Abbey (Donatello), Shamon Brown Jr. (Michelangelo), Nicolas Cantu (Leonardo), Brady Noon (Raphael) y Ayo Edebiri (April O’Neil)—, Paramount ha decidido cerrar el proyecto. Y no será el único: la serie animada de Dora también ha sido víctima del mismo recorte.
Según fuentes internas, Paramount está explorando acuerdos con terceros para licenciar ambas producciones, igual que hizo anteriormente al permitir que Netflix emitiera contenido de Nickelodeon y no en su propia plataforma. Es decir, aún hay esperanza de que las Tortugas encuentren un nuevo hogar en otra plataforma.
Reestructuración y cambio de rumbo en Paramount
El contexto de esta decisión tiene nombre y apellido: David Ellison y su compañía Skydance, que tras fusionarse con Paramount están reestructurando el conglomerado. El nuevo rumbo parece centrarse en potenciar solo las marcas más rentables, dejando atrás proyectos que no encajen en esa estrategia.
En un reciente memorando, George Cheeks, presidente del área televisiva, explicó que las cadenas de la empresa buscarán “una programación más curada”, enfocándose en franquicias de éxito comprobado como SpongeBob, PAW Patrol, RuPaul’s Drag Race, South Park, Ms. Pat y The Daily Show. Llama la atención que las Tortugas Ninja ni siquiera fueran mencionadas en esa lista, a pesar de ser uno de los nombres más icónicos de Nickelodeon.
Un equipo creativo de lujo
La serie, producida por Nickelodeon Animation junto a Point Grey Pictures (la productora de Seth Rogen y Evan Goldberg), contaba con Chris Yost (The Mandalorian, Thor: Ragnarok) y Alan Wan (Blue Eye Samurai, Rise of the Teenage Mutant Ninja Turtles) como productores ejecutivos. En el área creativa de Nickelodeon estaban Claudia Spinelli, vicepresidenta de animación juvenil, y Nikki Price, directora de desarrollo y responsable de producción.
La cancelación llega en un momento delicado para el universo mutante. Tras el éxito cinematográfico de Caos Mutante, que recaudó más de 180 millones de dólares y fue aclamada por su estilo visual innovador, se esperaba que Tales of the Teenage Mutant Ninja Turtles sirviera como puente hacia futuras películas. El plan original era consolidar una continuidad animada, similar a lo que hace Sony con Spider-Verse.
Un futuro incierto para los héroes del caparazón
Sin embargo, el cambio de estrategia de Paramount podría dejar ese proyecto en el limbo. Los fans, que han apoyado la franquicia desde los años 80, no han tardado en mostrar su descontento en redes sociales. Muchos consideran que, una vez más, la empresa subestima el potencial de los héroes del alcantarillado, una de las IP más reconocibles del catálogo de Nickelodeon.
Aun así, algunos analistas ven posible que otra compañía —quizá Netflix o incluso Amazon MGM Studios— adquiera los derechos para continuar la historia. La nostalgia sigue siendo un negocio rentable, y pocas marcas la despiertan tanto como las Tortugas Ninja.
Sea como sea, el mensaje está claro: Leonardo, Donatello, Raphael y Michelangelotendrán que volver a luchar, no contra Shredder o Krang, sino contra las decisiones corporativas que amenazan con borrarlos de la pantalla.
Según la profesora Julie Carlson, experta en literatura romántica británica de la Universidad de California, esta versión es “una carta de amor al genio de Shelley”. En su conversación con Variety, destacó que el filme “mantiene el espíritu del relato original, sobre todo en el modo en que Victor y la Criatura cuentan su historia y en cómo del Toro recupera la lírica del lenguaje de Shelley”.
El propio director ha insistido en que suFrankenstein no es una advertencia sobre la ciencia descontrolada, sino sobre el corazón humano: “Trata del perdón, de la empatía y de escucharnos unos a otros”, afirmó. Y esa intención se nota. El terror deja paso a una tristeza poética, a una humanidad que vibra incluso en la oscuridad.
Victor Frankenstein, del orgullo al trauma
En esta versión, Victor no es solo un científico arrogante, sino un hombre marcado por un pasado familiar devastador. Del Toro reimagina a su padre como un médico abusivo que llega a sacrificar a su esposa en un experimento fallido. Carlson subraya que este cambio transforma el motor del personaje: “Aquí el tema no es tanto la soberbia, sino la vergüenza y el miedo a no estar a la altura del legado familiar”.
Este enfoque da una nueva dimensión al clásico conflicto entre creador y creación. Victor ya no juega a ser Dios, sino que busca redención por los pecados heredados, atrapado entre la ambición y la culpa.
Elizabeth, la nueva conciencia de la historia
El papel de Elizabeth, interpretada por Mia Goth, es uno de los mayores aciertos. En lugar de ser la novia pasiva que aparece en la novela, aquí es una científica entomóloga, comprometida con el conocimiento y crítica con las decisiones de Victor.
Carlson lo resume así: “En la novela, Elizabeth apenas tiene voz; en la película,se convierte en el corazón moral del relato. Del Toro rescata una frase del libro en la que Victor la describe como ‘juguetona como un insecto’ y la convierte en su pasión por la entomología. Es brillante”.
La Criatura, el monstruo más humano
Del Toro, fiel a su obsesión por los marginados, ofrece una Criatura empática y filosófica, más víctima que villano. “El director la humaniza —explica Carlson—. Es casi levinasiano: cuando miras el rostro del otro, no puedes matarlo.”
Esta versión subraya el dolor de la soledad y la necesidad de reconocimiento, más que el miedo al monstruo. Elordi ofrece un ser trágico y lúcido, capaz de conmover y hacer pensar, y su conexión con Elizabeth aporta ternura sin caer en el melodrama.
Entre Shelley y Del Toro
Aunque el filme suaviza el componente de crítica social presente en la obra original —donde Shelley abordaba el rechazo por la apariencia y la exclusión—, del Toro lo sustituye por una introspección emocional más íntima. La profesora Carlson matiza: “Shelley hablaba de cómo el mundo juzga lo que ve; del Toro prefiere mirar hacia dentro, hacia el peso de la vergüenza y la necesidad de perdón”.
La película conserva, sin embargo, la estructura de narración enmarcada que caracteriza al libro, lo que refuerza su fidelidad espiritual. Y sobre todo, del Toro logra que su historia respire ese aire de tragedia romántica que Shelley y su círculo literario (Byron, Percy Shelley…) infundieron en su época.
Un homenaje gótico más que una película de terror
Para Carlson, Frankenstein de Guillermo del Toro “no es una película de terror, sino una obra gótica, una meditación sobre la creación, el dolor y la compasión”. Y tiene razón. En lugar de gritos y relámpagos, hay susurros y heridas abiertas; en lugar de miedo, comprensión.
El resultado es una de las adaptaciones más fieles en espíritu al clásico de Shelley: una historia que no busca repetir la leyenda, sino continuarla, desde una mirada contemporánea, visualmente exquisita y emocionalmente demoledora.
Guillermo del Toro, una vez más, demuestra que los monstruos más aterradores no siempre tienen colmillos ni costuras: a veces, llevan el rostro del hombre que no sabe perdonarse a sí mismo.
Desde que el estudio tomó el control creativo de la franquicia, los planes parecían prometedores: Denis Villeneuve, el visionario detrás de Dune, sería el encargado de dirigir la nueva entrega, con Steven Knight (Peaky Blinders) escribiendo el guion. Pero hay un pequeño problema… Bond está muerto. Y no metafóricamente: Sin tiempo para morir dejó a Daniel Craig hecho literalmente pedazos.
Fuentes citadas por Radar Online aseguran que el equipo creativo “se está arrancando los pelos” intentando encontrar una forma creíble de traer de vuelta al agente secreto más famoso del mundo. “Bond no fingió su muerte ni cayó por un acantilado: fue volado en pedazos en pantalla”, comenta un informante anónimo. “Todos coinciden en que fue un error enorme, porque Bond se supone que es eterno. Ahora están atascados intentando resucitarlo, y está resultando casi imposible.”
El peso del legado de Daniel Craig
Craig dejó el listón muy alto tras cinco películas que redefinieron al personaje con un tono más humano y trágico. Su muerte, sin embargo, rompió una tradición inquebrantable: Bond siempre vuelve. Durante décadas, cada cambio de actor (Sean Connery, Roger Moore, Pierce Brosnan…) se aceptó sin demasiadas explicaciones. Pero matar al personaje de forma tan literal ha creado un vacío narrativo del queAmazon MGM Studiosparece no saber cómo salir.
Algunos fans creen que el nuevo Bond simplemente debería comenzar desde cero, como ha ocurrido antes. Otros esperan una especie de “reseteo elegante” que respete lo ocurrido pero permita avanzar. En cualquier caso, la incertidumbre ha abierto un debate sobre el futuro de la franquicia más longeva del cine de espionaje.
El fantasma de Sin tiempo para morir
Por ahora, no hay casting confirmado, y Villeneuve continúa centrado en Dune: Part Three, lo que deja el proyecto de Bond en una especie de limbo. Mientras tanto, los rumores crecen y las redes hierven con teorías: ¿veremos un reinicio total, una precuela o incluso un giro de ciencia ficción al estilo Tenet para justificar su regreso?
El escritor Anthony Horowitz, autor de tres novelas de 007, también ha sido crítico con el final de la etapa de Craig. En declaraciones a Radio Times, dijo: “La última vez que vimos a Bond, fue envenenado y volado en pedazos. ¿Cómo van a superar el hecho de que está muerto con D mayúscula? Creo que fue un error, porque Bond es una leyenda. Pertenece a todos, es eterno… salvo en esa película.”
¿Resurrección o reinicio?
Las opciones sobre la mesa no son muchas: o se ignora el final y se elige a un nuevo actor sin dar explicaciones —como ha sido habitual—, o se busca una forma rocambolesca de devolverlo a la vida. Lo segundo suena arriesgado, lo primero, predecible. Y mientras tanto, los fans esperan impacientes noticias oficiales.
En escena, Felton despliega un control absoluto del personaje, incorporando una madurez que conecta de inmediato con el público. La emoción estaba ahí, flotando en el ambiente, como si todos entendieran que no estaban viendo simplemente a un actor, sino a alguien que regresa a una parte esencial de su vida.
Broadway se convierte en Hogwarts por una noche
El perfil oficial de la obra en Instagram no tardó en aprovechar el momento. El vídeo del debut apareció fijado en la parte superior del feed con una frase sacada directamente de la saga: “Es verdad entonces, lo que dicen en el tren”. Desde ahí, todo fue una avalancha de comentarios, emojis y gritos virtuales que parecían competir por ver quién entraba más fuerte en la emoción colectiva.
La escena captada en vídeo es sencilla: Felton cruza el escenario, la luz le cae encima, la platea estalla… y él, intentando mantenerse serio, claramente está vibrando por dentro. Los fans lo notaron todo, como siempre.
Además, la idea de verlo encarnar a un Draco adulto, más vulnerable, más complejo, ha enamorado a muchos espectadores que no esperaban sentir tanto impacto al reencontrarse con el personaje.
Cuando cae el telón… y cae también la defensa emocional
Para alguien que creció dentro de la saga, reencontrarse con ese cariño, 14 años después del último rodaje, es un golpe directo al corazón. Y sí, la gente lo notó. Nadie salió de allí indiferente.
Una vuelta que abre puertas… y quizá nuevas ilusiones
Lo que está claro es que, en esta ocasión, Broadway ha sido testigo de algo muy parecido a un hechizo: rápido, poderoso y capaz de reavivar viejos recuerdos. Y Tom Felton, sin necesidad de varita, ha demostrado que sigue sabiendo conjurar emociones como pocos.
En una charla con SiriusXM, Teller confesó que el ambiente en la promoción era… digamos… un festival de sonrisas tensas. Según él, era imposible no sentir que algo iba mal. Y sí, confirmó que la responsabilidad principal recaía en “una persona muy importante” que, en sus palabras, “la fastidió por completo”. Ahí lo dejó. Sin nombres, sin apellidos. Pero todos sabemos leer entre líneas.
El actor también admitió que aceptó el papel porque quería consolidarse como protagonista. Su razonamiento era simple: “si quieres que te tomen en serio, súbete al tren de los superhéroes”. Ese tren, por desgracia, descarriló antes de salir de la estación.
Pero aquí es donde se enciende la sirena roja: todo apunta a que el “responsable” que menciona es Josh Trank, el director. La relación entre ambos fue un polvorín, según múltiples reportes. Se habló de discusiones subidas de tono, tensión constante y un choque de egos que habría acabado en un enfrentamiento físico si nadie los separa. Todo muy Los Cuatro Fantásticos, pero sin superpoderes para arreglarlo.
La prensa denunciaba los problemas
Entertainment Weekly recogió en su día que Trank fue “abrupto” y hasta “insultante” con parte del equipo. También que Teller no era el actor que FOX quería para Reed Richards, pero Trank luchó por él… hasta que dejaron de luchar juntos y empezaron a pelear entre sí. La cosa se torció tanto que ambos quedaron literalmente pecho con pecho, como si fueran a arrancar un combate final digno de la WWE.
La tormenta no afectó solo a Teller. Kate Mara, que interpretó a Sue Storm, sufrió el descontento del director desde el primer día: FOX la impuso, Trank no la quería, y el ambiente se volvió un congelador emocional. Años después, Mara confesó que su experiencia fue “horrible”, lo cual confirma que allí no reinaba precisamente el espíritu familiar del cómic.
Con todo esto sobre la mesa, no sorprende que Teller vuelva al tema años después. La película se convirtió en una especie de fantasma que sigue apareciendo cada vez que Marvel anuncia algo de la franquicia. La diferencia es que ahora el reboot del MCU está en camino, con un tono completamente distinto y sin rastro de aquel pasado desastroso.
¿Veremos algún día la versión “fantástica” que Trank juraba haber hecho? Lo más probable es que siga enterrada en el mismo lugar donde se guardan los contratos, las decisiones creativas y los efectos especiales que nunca se terminaron.
Mientras tanto, The Fantastic Four: First Steps está disponible en Disney+, y Marvel se prepara para limpiar la reputación del equipo con una nueva adaptación. Ya es hora de que la Primera Familia tenga una película que no dé ganas de desintegrarse como si hubieras tocado a Doom sin guantes.
