Marvel’s Deadpool VR, desarrollado por Twisted Pixel Games y distribuido por Oculus Studios, promete acción sin frenos, humor salvaje y violencia creativa al más puro estilo del personaje. Exclusivo para Meta Quest 3 y 3S, el juego te mete literalmente en la piel (y en la mente) de Wade Wilson. Y sí, eso incluye escuchar la voz de Neil Patrick Harris como tu nueva conciencia desquiciada.
La trama gira en torno a una misión interdimensional firmada con Mojo (sí, ese villano que parece un cruce entre Jabba el Hutt y un programa de telerrealidad). ¿El objetivo? Convertirse en la estrella más popular del Mojoverso cazando villanos de Marvel por todo el multiverso. Pero como era de esperar, Deadpool no ha leído la letra pequeña del contrato. Spoiler: probablemente implique amputaciones, helicópteros y muchas explosiones.
Lo interesante aquí no es solo el relevo actoral, sino lo que podría significar. Con Marvel cada vez más cómodo en los juegos del multiverso, no es descabellado imaginar que este Deadpool de VR sea una variante más del personaje, y que la elección de Neil Patrick Harris no sea un reemplazo definitivo, sino una excusa perfecta para más cameos locos y metahumor. ¿Te imaginas un encuentro en VR entre el Deadpool de Reynolds y el de Harris? Solo con eso ya nos han vendido el DLC.
Este tipo de bromas cruzadas entre actores y personajes refuerzan ese ecosistema de Deadpool como figura cultural, más allá del cine o los videojuegos. Es un personaje que se alimenta del caos, de romper la cuarta pared, y de jugar con nuestras expectativas.
“Recibimos muchas críticas diciendo que no daba miedo, que no tenía sangre ni escenas fuertes. Hemos decidido incluir todo eso en la secuela”, dijo Blum entre aplausos del público.
La primera película, dirigida por Emma Tammi y estrenada en 2023, fue un éxito rotundo en taquilla, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia de Blumhouse, con más de 297 millones de dólares recaudados en todo el mundo. Sin embargo, la crítica fue menos amable, tachándola de poco terrorífica y demasiado “familiar” para un público que esperaba una experiencia más cercana al videojuego original.
La secuela de five nights at freddy’s sube el nivel
La secuela no solo recupera a los protagonistas del primer film, sino que incorpora nuevas caras: la talentosa Mckenna Grace, vista en Cazafantasmas: Más allá, y Wayne Knight, a quien recordarás por su papel como Dennis Nedry en Jurassic Park. Aún no se han revelado detalles sobre sus personajes, pero las filtraciones del set apuntan a un salto temporal importante que podría abrir la puerta a nuevas versiones de los icónicos animatrónicos.
Más animatrónicos, más locura y más tensión emocional
Eso es lo que ha prometido Josh Hutcherson en declaraciones recientes, asegurando que esta segunda parte tendrá una escala mayor y una narrativa más ambiciosa:
“Es mucho más grande; las apuestas son más altas. Hay más animatrónicos, diferentes animatrónicos, y el mundo se expande de una forma brutal”, explicó. “Lo importante es mantener a los personajes con los pies en la tierra, aunque el mundo sea tan disparatado. Esa es la clave para que todo funcione emocionalmente.”
Esta conexión emocional, según el actor, fue una de las prioridades del primer filme y seguirá siendo fundamental en la secuela, incluso con el aumento de sustos y violencia. FNaF 2 no solo quiere asustar, sino que busca también tocar fibras sensibles en su historia.
El regreso de estos personajes (y la inclusión de nuevos animatrónicos aún no revelados) abre muchas posibilidades para homenajear más entregas del videojuego. Y con la incorporación de más sangre, tensión y horror psicológico, esta segunda parte podría al fin dar con la fórmula que equilibre éxito comercial con reconocimiento crítico.
War for Westeros no es el típico juego de aventuras narrativas que ya hemos visto antes con la franquicia. Esta vez, hablamos de un juego de estrategia en tiempo real, donde cada facción tiene su propio ejército, héroes únicos y estilo de combate. Por supuesto, las casas clásicas como Stark, Lannister, Targaryen y Baratheon están presentes, pero la gran novedad es que también podrás jugar como los temibles Caminantes Blancos, liderados por el enigmático Rey de la Noche.
¿Te imaginabas un ejército de espectros congelando Desembarco del Rey? ¿O ver a los dragones de Daenerys enfrentarse a un Viserion resucitado y controlado por el hielo? Pues aquí puedes hacerlo. Además, cada casa cuenta con unidades especiales y habilidades propias, desde los lobos huargos del Norte hasta los imponentes dragones de Essos.
Lo interesante es que el juego no se limita al canon televisivo. También bebe de las novelas originales, permitiendo escenarios alternativos sacados de teorías fan o eventos que nunca se adaptaron. Por ejemplo, podrás simular qué habría pasado si Jon Snow hubiera reclamado el trono, o si los hijos del bosque aún controlaran el bosque de los lobos.
Una segunda oportunidad para el Rey de la noche
Más allá de las casas principales, War for Westeros también ofrece un hueco para personajes infravalorados o olvidados por la narrativa oficial. Uno de los más comentados por los fans es Edmure Tully, ese pobre señor de Aguasdulces que, entre rehenes y flechas fallidas, nunca tuvo su momento de gloria. En el juego, puedes tomar el control de su casa y forjar un destino muy distinto, liderando una rebelión inesperada desde el Tridente. ¿Y si fuera él quien uniera el Norte y el Sur bajo un solo estandarte?
A nivel visual, War for Westeros busca capturar la épica y la escala masiva de las batallas vistas en la serie de HBO. El tráiler mostrado durante el Summer Games Fest revela paisajes icónicos como Invernalia, el Nido de Águilas y, por supuesto, el Trono de Hierro, esperando a su próximo conquistador. Todo ello con gráficos estilizados y cinemáticas que recuerdan los mejores momentos de la serie… pero con finales muy diferentes.
Y si bien es cierto que Marvel suele reunirse con múltiples actores sin tener aún un papel concreto definido, el hecho de que se hable de un rol “grande” invita a especular: ¿veremos a Bella como Kitty Pryde en los nuevos X-Men? ¿Como Magik, hermana de Coloso? ¿O quizás algo totalmente inesperado?
Su historial actoral, lleno de personajes fuertes y complejos, cuadra perfectamente con figuras del universo mutante o incluso del lado mágico del UCM.
Su versatilidad la hace candidata ideal para papeles exigentes, como los que Marvel suele reservar para actores jóvenes con gran proyección. Recordemos cómo el estudio ha apostado en el pasado por jóvenes promesas como Tom Holland o Hailee Steinfeld, dándoles papeles fundamentales en la nueva generación de héroes.
¿Qué personaje podría interpretar en Marvel?
Aunque todavía estamos en el terreno de la especulación, algunas de las candidatas más mencionadas entre los fans para Ramsey son:
Kitty Pryde (Gata sombra): una mutante con la habilidad de atravesar materia sólida y una de las líderes más carismáticas de los X-Men.
Illyana Rasputin (Magik): una poderosa hechicera mutante con conexiones al Limbo, que combina magia y ciencia ficción.
Sera, una heroína transgénero del universo de Thor, que sería un hito de representación si Marvel decide llevarla a la gran pantalla.
Una intérprete con alma rebelde y carisma imbatible
La fuerza interpretativa de Bella Ramsey reside en su capacidad para combinar ternura e intensidad en pantalla, algo que no todas las jóvenes actrices logran transmitir con tanta naturalidad. Su Ellie en The Last of Us no solo le valió el respeto de la crítica, sino que la consolidó como un rostro icónico para una nueva generación de fans. Si Marvel quiere construir héroes más humanos, vulnerables y emocionalmente complejos, Ramsey tiene todas las papeletas para marcar una nueva era en el UCM.
La entrada de Ramsey al UCM coincidiría con una etapa de cambios profundos. Con proyectos como Avengers: Secret Wars en el horizonte y un reboot mutante cada vez más inminente, Marvel necesita sangre fresca, pero también con el talento y carisma suficiente para liderar nuevas sagas.
Ramsey ya ha demostrado que puede cargar con el peso emocional de una serie tan intensa como The Last of Us, así que no sería descabellado pensar que Kevin Feige quiera apostar por ella para un papel protagonista o secundario con peso narrativo.
En palabras del propio Gunn: “Había escrito una versión más atrevida, dirigida a un público más adulto, pero el estudio la convirtió en una peli para críos”. Y lo que eliminaron no fue poco: bromas subidas de tono, lenguaje fuerte, situaciones sexuales e incluso el escote de las protagonistas, que fue tapado digitalmente. Eso sí, el humor escatológico a base de pedos sobrevivió al tijeretazo. Clásico.
Entre los momentos más sonados del guion censurado estaba una relación con tensión romántica entre Velma (Linda Cardellini) y Daphne (Sarah Michelle Gellar), que dejaba atrás la clásica dinámica del grupo. Además, Fred (Freddie Prinze Jr.) y Daphne no eran pareja formal, sino algo más casual. Y cómo no, Shaggy (Matthew Lillard) era mucho más que un amante de los bocadillos gigantes: el guion de Gunn hacía explícitas las referencias al consumo de marihuana que siempre han flotado en torno al personaje.
¿Y qué habría pasado si Warner hubiera confiado en Gunn? Hoy lo sabemos: probablemente habríamos tenido una comedia de culto. Al estilo de 21 Jump Street o incluso Deadpool, el Scooby-Doo de James Gunn habría sido una rareza audaz que habría envejecido mucho mejor que los chistes infantiles que terminaron en pantalla. Además, con el auge de las versiones oscuras de franquicias infantiles —desde Transformers a Andor— parece claro que Gunn se adelantó a su tiempo.
Y hablando de redenciones, James Gunn ha terminado saliéndose con la suya. Hoy dirige el rumbo del universo DC con total libertad creativa, algo que en 2002 le fue negado por la propia Warner. Su carrera ha demostrado que sabe equilibrar como nadie el humor, el horror y el corazón. Quién sabe, tal vez algún día nos sorprenda con un reboot adulto de Scooby-Doo, porque si alguien puede hacerlo… es él.
Lionsgate, el estudio detrás de la saga Crepúsculo afirma que puede transformar cualquier película en anime con ayuda de la inteligencia artificial aunque nadie ha visto aún los resultados
Y mientras en Hollywood sueltan frases grandilocuentes, en Japón la cosa está más tensa. Algunos creadores de anime, como miembros del equipo detrás de JoJo’s Bizarre Adventure, han criticado abiertamente el uso de la IA, afirmando que están “luchando contra idiotas que no saben nada” del arte de la animación.
Entre el hype y el rechazo
La idea de reutilizar películas y series dándoles un lavado de cara con IA no es nueva, pero sigue siendo un territorio inexplorado lleno de interrogantes éticos, legales y artísticos. En el caso de Lionsgate, el plan parece claro: reconvertir su catálogo para públicos distintos, bajando la edad recomendada y cambiando el formato. Pero ¿puede una máquina captar el alma de una obra, su ritmo, su sensibilidad?
Además, hay que recordar la tendencia de hace unos meses en la que se viralizaban imágenes al estilo Studio Ghibli generadas por IA. Aquello provocó bastante indignación, hasta el punto de que Japón inició debates legales sobre si estas prácticas vulneran los derechos de autor.
¿Y si Crepúsculo tuviera opening de anime y Edward usara poderes mágicos?
Reimaginar The Twilight Saga como anime no solo sería un giro curioso, sino un reto estilístico inmenso. La saga, que popularizó los vampiros brillantes y los triángulos amorosos adolescentes, está tan arraigada en la estética live-action que imaginar a Bella, Edward y Jacob en una animación estilo shōjo o shōnen es casi surrealista. Adaptar sus emociones contenidas y sus diálogos cargados de drama romántico al lenguaje visual del anime requeriría algo más que un algoritmo: haría falta sensibilidad artística, dirección creativa y una comprensión profunda del medio.
Para que estas tecnologías funcionen como herramientas (y no como reemplazos), deben sumarse al proceso creativo, no ocuparlo por completo. Quizá en el futuro veamos algo interesante salir de esta fórmula híbrida. Pero por ahora, el anime en 3 horas suena más a un meme que a un modelo de negocio viable.
“Está dispuesto a pelear con todo el mundo”, asegura Reedus, hablando de su personaje. No lo dice como una amenaza gratuita, sino como una advertencia: Daniel ha llegado a su límite. Tras una vida de secretos, sangre y culpa, no piensa permitir que su hija sufra el mismo destino. En ese sentido, se convierte en un espejo de los protagonistas más icónicos de la saga.
“Es muy similar a lo que hacen Eve y John Wick”, explica el actor. “Ambos están empujados al límite por alguien a quien aman, y no tienen frenos. Para Ana, es venganza. Para Daniel, es salvar a su hija”. Esa conexión emocional es lo que da fuerza al personaje, y lo que podría convertirlo en una figura central de futuras entregas.
La apuesta por Ballerina es clara: expandir el universo Wick más allá de John. Con la presencia de Ana de Armas y la dirección de Len Wiseman, esta película no solo ofrece acción estilizada, sino también personajes con motivaciones más profundas. Daniel, con su mezcla de frialdad y ternura oculta, tiene potencial para convertirse en un nuevo icono de esta franquicia.
Y no olvidemos que Reedus es un rostro querido por los fans, con una enorme base gracias a su papel como Daryl en The Walking Dead. Su llegada a este universo no es solo una elección lógica desde el punto de vista comercial, sino una que puede dar mucho juego narrativo.
Además, su dinámica con Eve promete. Dos personajes que pelean por razones distintas, pero que se entienden en lo más profundo: la urgencia de proteger aquello que aman. Si la química en pantalla funciona, no sería extraño que su alianza se extienda más allá de esta película.
Jim Shooter estuvo a punto de crear una página para el Marvel Comics nº 100.
Jim Shooter, de quien ya hemos hablado en esta web en más de una ocasión, es un escritor estadounidense que ha llegado a destacar tanto en el campo de artista ocasional, como en los de editor y publicista de diversos cómics, ya que ha sabido dejar su huella en editoriales tan importantes como los son Marvel, en la que ejerció de jefe de redacción desde finales de la década de los 70 hasta gran parte de la de los 80, DC o Valiant.
No obstante, su carrera no ha estado exenta de todo tipo de anécdotas, algunas de ellas de peor gusto que otras, como la relacionada con La Casa de las Ideas, que pasamos a comentar en este artículo, tal y como puedes comprobar si continúas su lectura hasta el final.
En el año 2019, con motivo de celebrar el octogésimo aniversario de La Casa de las Ideas, se decidió lanzar el ejemplar Marvel Comics nº 1000, cuya portada puede verse bajo este párrafo, en el que se reunía a un gran número de autores de la historia de la editorial para contar nada menos que ochenta y tres historias protagonizadas por los superhéroes favoritos de los lectores, en un total de 90 páginas, por el módico precio de 9,99 dólares.
Todo empezó cuando Jim Shooter, pese a que ya no trabajaba para Marvel, fue requerido por el editor Tom Breevort para encargarse de una aventura de una sola página, protagonizada por el Doctor Muerte, que vería la luz en el cómic de aniversario citado en el párrafo anterior. En un principio, el escritor pareció no tener problemas en volver a trabajar para su antigua editorial. Y hay que reconocer que contar con él funcionaría como un interesante reclamo para un cómic en el que también colaboraban otras grandes espadas de la editorial, como son los casos de Al Ewing o Mark Waid.
Sabedor de la buena relación existente entre Jim Shooter y Jim Starlin, Tom Breevort pensó en el creador de Thanos para encargarse de dibujar la breve historieta protagonizada por el Doctor Muerte. Sin embargo, todo se truncó cuando el escritor se desvinculó del proyecto al no mostrarse de acuerdo con el dinero que le ofrecían por dicho trabajo. Aunque no hay constancia de cuánto le ofrecieron, lo que nos deja sin datos para especular, ya que tampoco sabemos lo que acostumbraba a cobrar Jim Shooter, la verdad es que ya hemos dejado claro que se trataba de una aventura de una sola página, dato que pudo influir en la cantidad de dinero que le ofrecieron.
No obstante, la verdad es que Tom Breevort lamentó no haber podido contar con Jim Shooter para un ejemplar tan señalado como lo era Marvel Comics nº 1000, además de que aseguró que él no tuvo nada que ver en dicho conflicto económico, ya que, por su parte, hubiera estado dispuesto a poner de su propio bolsillo la diferencia exigida por el escritor. Sin embargo, parece ser que, para cuando se enteró de que había existido un desacuerdo, ya era tarde para deshacer el entuerto, de modo que no le quedó mas remedio que aceptar el hecho de que Jim Shooter se quedaría fuera del proyecto.
Dado que a Tom Breevort no tuvo más opción que buscar a un sustituto para Jim Shooter, se llegó a pensar en Brian Michael Bendis para cubrir el hueco. No obstante, el candidato tuvo que rechazar el ofrecimiento porque ya había firmado en exclusiva con DC, por lo que no le estaba permitido escribir ni una sola página para Marvel sin caer en un incumplimiento de contrato.
Otro autor en el que se pensó como sustituto de Jim Shooter fue Mark Millar, pero la verdad es que tampoco pudo ser, ya que se encontraba trabajando para Netflix y su contrato, al igual que sucedía con el de Brian Michael Bendis, tampoco le permitía ningún tipo de exención. No obstante, parece ser que esas condiciones han debido sufrir modificaciones, ya que parece que Mark Millar regresará a Marvel este mismo año sin necesidad de dejar de trabajar para la plataforma.
Cabe destacar que en el puesto número setenta y siete del Marvel Comics nº 1000 hay una aventura de una sola páginas protagonizada por el enemigo principal de Los Cuatro Fantásticos, bajo el título Doom Alone, escrita y dibujada por Jason Latour, en la que se explora su solitaria grandeza, al igual que su relación con la muerte (al menos, todo lo que puede llegar a explorarse en una historieta de tan corta duración), que reproducimos al completo bajo este párrafo. Sin embargo, no podemos evitar hacernos la pregunta de si la aventura habría sido muy diferente de haber sido escrita por Jim Shooter. Por desgracia, nunca lo sabremos.
En una entrevista reciente con IGN, el director británico confirmó que, en vez de seguir el manual típico de “el virus se expande por todo el planeta”, él y el guionista Alex Garland han decidido dar un giro radical. “Alex llegó a escribir un guion en el que la infección era utilizada como arma por gobiernos o corporaciones. Pero no nos convencía nada”, confesó Boyle.
28 Años Después, una secuela contra las reglas del género
Este enfoque tiene un trasfondo potente: el Reino Unido de hoy no es el mismo que en 2002. Brexit, divisiones políticas y una identidad nacional fragmentada inspiran esta nueva historia. Boyle lo deja claro: “No se trata de dar lecciones, pero sí de reflejar lo que somos ahora, como individuos y como sociedad”.
La película cuenta con un reparto de lujo: Jodie Comer, Aaron Taylor-Johnson y Ralph Fiennes lideran esta nueva entrega, que promete ser más melancólica que explosiva, más inquietante que sangrienta.
Volver a empezar, aunque todo esté roto
El enfoque introspectivo no es casual. Según Boyle, el terror tiene el poder de servir como espejo de nuestros miedos más profundos. En esta ocasión, ese espejo apunta directamente a la identidad británica y a cómo se sobrevive —no físicamente, sino emocionalmente— a un mundo que ha cambiado sin pedir permiso.
Y si 28 Días Después revolucionó el género de zombis en los 2000 al convertirlos en veloces y aterradores portadores de rabia, su secuela quiere dar una nueva vuelta de tuerca: cambiar el miedo al contagio por el miedo a la soledad, al cambio y a la pérdida de identidad.
Además, se espera que 28 Años Después no solo conecte con los fans del original, sino que marque un nuevo estándar dentro del cine de terror postapocalíptico. Una evolución lógica para un mundo que también ha cambiado desde 2002. Porque hoy el miedo ya no está en la infección… sino en lo que dejamos atrás al sobrevivir.
La película más personal del director mexicano llega con calificación R y un reparto de lujo
No todas las pesadillas nacen de la oscuridad. Algunas, como la que prepara Guillermo del Toro, llevan años gestándose con mimo, como un sueño de infancia convertido en cine. Su esperada adaptación de Frankenstein para Netflix no solo ha levantado pasiones con su primer tráiler, sino que ahora sabemos que ha sido calificada como R por “violencia sangrienta e imágenes macabras”. Y, seamos honestos… eso solo hace que la queramos ver aún más.
Este no será un Frankenstein de cartón piedra ni un homenaje superficial: será una obra visceral, estética y emocional, como todas las del maestro mexicano. Y el tráiler lo deja claro: criaturas imponentes, una ambientación gótica al detalle y una sensibilidad que combina lo grotesco con lo hermoso. ¿El responsable de devolver la vida al doctor Frankenstein? Oscar Isaac, que se une a un elenco cargado de talento.
El propio Del Toro lo expresó sin rodeos durante el evento TUDUM de Netflix: “Esta es, para mí, la culminación de un viaje que ha ocupado la mayor parte de mi vida. Leí Frankenstein de pequeño y ver a Boris Karloff me puso en un estado casi religioso. Los monstruos se han convertido en mi sistema de creencias”. Y sí, se nota.
Junto a Isaac y Elordi, el reparto se completa con nombres tan potentes como Mia Goth, Christoph Waltz, Lars Mikkelsen, Ralph Ineson, Felix Kammerer, David Bradley, Christian Convery y Charles Dance. Una alineación que parece salida de un sueño (o pesadilla) cinéfila.
Netflix planea estrenar la película en noviembre, una fecha ideal para abrazar el frío con una buena historia de terror clásico reinventado. Será entonces cuando descubramos si este Frankenstein se convierte en un nuevo referente del género o en otra adaptación olvidable. Pero conociendo al director de El laberinto del fauno, parece que el monstruo viene con todo.
Del papel al mito, por qué sigue fascinando Frankenstein
Publicada en 1818 por Mary Shelley, Frankenstein no ha dejado de inspirar adaptaciones, reinterpretaciones y debates desde entonces. ¿Qué significa realmente ser humano? ¿Dónde están los límites de la ciencia? ¿Quién es el verdadero monstruo, el creador o la criatura? Esta historia sigue tan vigente como hace dos siglos, y Del Toro lo sabe.
Por su parte, Jacob Elordi, conocido por Euphoria y Saltburn, asume un reto enorme: dotar de humanidad a una criatura que el mundo rechaza solo por su aspecto. Si lo logra, este Frankenstein puede convertirse en uno de los retratos más conmovedores del cine reciente.
