Los mejores del mundo del cómic se preparan para uno de los eventos más esperados en España, las Jornadas del Cómic de Avilés con sus Premios de la Crítica
La comunidad friki está en efervescencia, y no es para menos. Las Jornadas del Cómic de Avilés están a la vuelta de la esquina. Estamos a menos de dos semanas de esta cita ineludible para cualquier amante del Noveno Arte, que tendrá lugar entre el 12 y el 16 de septiembre. Pero la emoción no termina ahí. La organización del evento, hoy mismo, ha desvelado detalles que han puesto a la comunidad en vilo.
Si eres un fan del mundo del cómic, seguro que ya has marcado la fecha del 16 de septiembre en tu calendario. Este día no solo marca el cierre de las jornadas, sino que también es cuando se entregan los prestigiosos Premios de la Crítica, organizados por Dolmen Editorial.
Finalistas de los Premios de la Crítica 2023: La Crema de la Crema
Esta edición cuenta con nombres destacados tanto a nivel nacional como internacional. Por ejemplo, en la categoría de Mejor Dibujante Extranjero tenemos a Alex Ross con su obra Los 4 Fantásticos: círculo cerrado publicada por Panini, o a Bilquis Evely por Supergirl: la mujer del mañana de ECC.
Los guionistas también tienen su lugar en la competición. En la categoría de Mejor Guionista Extranjero, encontramos nombres como Ezra Claytan Daniels por Upgrade Soul de Norma Editorial o Naoki Urasawa por Asadora de Planeta Cómic.
Obras de alto calibre
Hablando de Mejor Obra Internacional, títulos como El departamento de la verdad de Norma Editorial y Genio de Dolmen Editorial están en la lucha. Por otro lado, en Mejor Obra Nacional, destacan El Fuego de Astiberri y Una tarde con Himmler de La Cúpula.
Toda una carrera en el Noveno Arte
Además de los finalistas en diversas categorías, se celebrará un reconocimiento especial para autores con toda una carrera dedicada al cómic. Entre los nominados extranjeros encontramos a leyendas como John Romita Sr. y Junji Ito. En el ámbito nacional, figuran nombres como Alfonso López y José Luis Martín.
Contexto histórico y obra teórica
Un apartado que no podemos olvidar es el de Mejor Obra Teórica con nominaciones como De los soviets a los pícaros, Tintín de Bartomeu Castells o La España del tebeo por Antonio Altarriba.
Para resumir, la 23ª Edición de los Premios de la Crítica en las Jornadas del Cómic de Avilés será un evento que ningún fan de los cómics querrá perderse. Con artistas de gran renombre y obras extraordinarias, esta entrega promete ser inolvidable. Así que, ¡apunta la fecha y prepárate para un día lleno de emociones y arte!
El impacto de los Premios de la Crítica en la industria
Es vital entender que los Premios de la Crítica no son solo un reconocimiento pasajero. Ganar o incluso ser nominado aquí puede impulsar carreras y poner obras en el foco de atención internacional. No es raro ver a ganadores anteriores cuyas ventas y reconocimientos se disparan después del evento. Además, este tipo de premios abren la puerta a colaboraciones y proyectos futuros, permitiendo a los artistas explorar nuevas dimensiones en su trabajo.
La importancia de las votaciones públicas
Una de las características más destacadas de estos premios es que las votaciones son públicas, lo cual añade una capa de autenticidad y democracia al proceso. Aquí, los fans tienen una voz activa en decidir qué obras y artistas merecen el mayor reconocimiento. Esta interacción entre el público y el arte eleva la importancia de la ceremonia y refuerza la conexión entre los creadores y su audiencia.
La diversidad en las categorías
Este año también destaca por la diversidad en las categorías. Desde obras teóricas hasta reconocimientos a toda una carrera, los Premios de la Crítica abarcan todo el espectro del Noveno Arte. No se trata solo de aplaudir la destreza en el dibujo o la narrativa, sino también de valorar la profundidad teórica y el impacto cultural que las obras y sus creadores han tenido en la sociedad.
Con todo esto en mente, la 23ª Edición de los Premios de la Crítica en las Jornadas del Cómic de Avilés promete no solo ser un evento de entrega de premios, sino una celebración de todo lo que el mundo del cómic tiene para ofrecer. Es un espacio donde el talento, la creatividad y la pasión se encuentran, y donde los fans y creadores comparten un amor común por este maravilloso arte. ¿Estás listo para ser parte de la historia?
Suzanne Collins nos lleva a los décimos Juegos del Hambre con un joven Snow que hará todo lo posible por convertirse en alguien importante para la historia de Panem
Hace ya quince años del lanzamiento de la primera entrega de Los Juegos del Hambre, una de las trilogías más importantes de ciencia ficción juvenil y que consiguió un gran reconocimiento por parte de público gracias a las adaptaciones cinematográficas protagonizadas por Jennifer Lawrence. Ahora va a llegar a nuestros cines la nueva adaptación de la última entrega literaria de este universo, Balada de Pájaros Cantores y Serpientes, por lo que para celebrar este aniversario y el próximo estreno de la película vamos a aprovechar para hablaros del libro y sus puntos más fuertes y algunos flojos.
Suzanne Collins llevaba diez años sin escribir una novela sobre el universo de Panem, hasta que llegó Balada de Pájaros Cantores y Serpientes en 2020, por lo que tras una espera tan larga, la aparición de una nueva novela fue una sorpresa para todos los fanáticos. El libro también vino con sorpresa, al poco tiempo se confirmó la adaptación de la novela al cine, hecho que para muchos era obvio, ya que el universo de Panem es de los más interesantes que se han escrito en los últimos años y ha sido una saga que ha conseguido conectar con muchísimo público joven gracias al romance principal, la distopia que se presenta y la acción de los Juegos.
Para los que no sepan mucho de la obra, Balada de Pájaros Cantores y Serpientes nos sitúa en los décimos Juegos del Hambre, más de sesenta años antes de los acontecimientos narrados en Los Juegos del Hambre. La novela estará contada desde un joven Snow, el cual tiene 18 años y está sediento de poder, por lo que intentará hacer todo lo posible por convertirse en el personaje que conocimos en la trilogía. Para ello participará como mentor de uno de los tributos seleccionados, pero todo parece estar en su contra cuando le toca la tributo del distrito 12, Lucy Gray Baird, que podría acabar cambiando su vida.
La novela llega a las 592 páginas, muy por encima de las otras tres entregas, pero parece algo necesario para Suzanne Collins, ya que el Panem que se nos presenta en esta novela es uno totalmente desconocido, uno más nuevo que acaba de pasar por una guerra de la que todavía se está recuperando, pero que refuerza todavía más las diferencias de clase. Por lo que Collins se da el permiso de dividir la obra en tres partes, la primera, la más larga centrada en toda la construcción de sus personajes y sus objetivos y la descripción de la situación política y social; la segunda más centrada en los Juegos; y la tercera más “experimental”.
Algunos personajes que conforman Balada de Pájaros Cantores y Serpientes
Pero antes de profundizar en las tres partes de la novelanecesitamos centrarnos en sus personajes, ya que hay un abanico interesante de personajes con distintas ambiciones y objetivos. Collins como ya ha llevado a cabo en sus otras entregas de los Juegos, sabe llevar muy bien el desarrollo de un gran elenco de personajes, algunos con menos profundización, pero los principales sabe llevarlos a la perfección y de forma natural por el camino que ella quiere. Entre los secundarios más llamativos nos encontramos a Casca Highbottom, la Doctora Volumnia Gaul, Lucretius Flickerman y Tigris Snow.
Casca Highbottom es el decano de la Academia en la que está Coriolanus Snow y cocreador de Los Juegos del Hambre, por lo que es una persona despiadada y sin miramientos, odia a Snow de todas las formas posibles y su único objetivo es destrozar a Snow psicológicamente, por lo que hará todo lo posible por hacer de su participación en los Juegos la más complicada con la posición de mentor de la tributo del Distrito 12.Volumnia Gaul es la directora de los decimos Juegos del Hambre, un personaje muy desagradable por su visión de los Juegos y el trato que tiene con los alumnos de la Academia llevándolos a sus límites con sus experimentos con animales.
De Lucretius Flickerman no se puede añadir mucho, pero resalta que es de las primeras referencias más claras a la trilogía original, ya que es uno de los antepasados de Caesar Flickerman y ambos son los presentadores de sus respectivos Juegos del Hambres. Tigris Snow es el otro personaje que se recupera de la trilogía, pero en esta precuela es alguien totalmente distintos al personaje que acabamos viendo en la secuela. Aquí descubrimos que es la prima de Snow y que es quien ayuda a mantener la casa, ya que el principal miedo de los Snow es perderlo todo y que su nombre acabe “desterrado” del Capitolio.
Un viaje por el mundo de Panem y el poder de los Snow
Una vez presentados los personajes secundarios más llamativos vamos a hablar más en concreto de Balada de Pájaros Cantores y Serpientes. Como ya se ha comentado la novela está dividida en tres partes claves, la primera es sobre la preparación de los Juegos, pero primero hay que resaltar que toda la historia está contada desde el punto de vista de Coriolanus Snow y su camino por conseguir la reputación que él cree que merece su familia y poder llegar a ser el presidente de Panem.
El objetivo de Snow es realmente ambicioso, teniendo en cuenta que los Snow ya no son lo que eran antes, su padre fue un gran militar, que lo perdió todo tras la destrucción del Distrito 13, donde tenía su mayor industria. Por lo que Snow choca con Sejanus, quien aun siendo “amigos” lo ve como un enemigo al venir del Distrito 2 y conseguir llegar al Capitolio gracias a la riqueza de la familia, hecho que todavía no está bien recibido, ya que los distritos eran los enemigos del Capitolio, pero que Snow acaba usando como medio para llegar a sus objetivos.
La codicia de Snow es evidente a lo largo de la novela, pero Collins acaba narrándolo de forma para que intentemos comprender a Snow y si a eso le añades un romance que parece imposible, la relación de Snow con el lector es “incomoda”, ya que sabemos lo que está haciendo y cual es su objetivo, pero el precio que decide pagar el personaje usando a otros es repulsivo en muchos momentos, sobre todo en la última parte de la novela cuando todo está cambiado y de la que no queremos hablar mucho para que os sorprende lo máximo posible tanto a los espectadores de la película como a los nuevos lectores.
La llegada al Capitolio y los recuerdos de una guerra reciente
En la primera parte de la novela también nos encontramos con la llegada de los tributos y el encuentro con sus mentores, algunos tienen una relación más cercana como el caso de Snow y Lucy Gray Baird, pero otros no consiguen entablar buenos contactos, ya que entre el reciente final de la guerra y el surgimiento de los Juegos, el malestar social es mucho más palpable, la gente no lo tiene tan asumido como sucede en el primer Juegos del Hambre de Katniss, donde hay distritos que incluso se entrenan para ello.
Las diferencias sociales son incluso más evidentes en esta entrega que en las otras y eso se destaca en la interacción de los personajes y la percepción de Snow, al cual le toca ser mentor de la chica del Distrito 12, pero lo que no saben es que entre ellos dos acabará creándose un vínculo mucho más fuerte que podría estar destinado a un trágico final si Snow no hace todo lo posible para que su protegida gane los Juegos. Los encuentros entre ambos parecen muy tiernos, pero debemos de entender que realmente Snow ve a Lucy Gray como un medio para conseguir lo que él quiere, al menos es lo que podemos ver en la primera parte.
Poco a poco ambos personajes acaban llevando su relación un paso más allá, pero teniendo en cuenta el poder de Snow sobre ello, podemos llegar a ver que la ambición y la búsqueda de poder de él parece mayor que lo que siente por ella. En los encuentros y las charlas siempre tendremos la visión de él, de cómo sacarle el máximo beneficio a su relación con ella y cómo poder conseguir su objetivo principal por mucho que le haya tocado al tributo que fue impuesto por uno de sus enemigos, Casca Highbottom. Esto se refuerza mucho más durante la segunda parte del libro, dedicada a los Juegos del Hambre y donde lo que ha planeado Snow va como deseaba.
Pero antes no podemos olvidarnos de Sejanus, personaje con el que la mayoría de lectores podría empatizar más fácilmente, su posición durante todo el libro es casi la misma, el amigo de Snow con el que tiene varios choques ideológicos, pero que aun así él siente bastante aprecio, por ser el único que se ha “preocupado” por su familia y su relación con el Capitolio. Los ideales de Sejanus acaban siendo una complicación para el desarrollo de los Juegos, ya que él no es partidario de este evento atroz y buscará las formas de estar en contra de todo esto.
Por lo que supondrá más de un conflicto interno para Snow, con quien todo el Capitolio sabe que tiene más relación y podrían suponer que los ideales de Coriolanus puedan ser los mismos que los de su “amigo”. Así vemos que el protagonista es un personaje muy meticuloso, que lo tiene todo controlado, pero que a la vez su sed de poder puede suponerle un problema, ya que al usar a otras personas debe de tener muy en cuenta cual es verdadera relación con ellos y lo que debe de sacarles a estos para desarrollar su potencial.
Collins no nos hace empatizar con él, sabemos su destino y parte de su camino, así que no cambiar la percepción del personaje es lo mejor que podía hacer la escritora, aunque en ocasiones nos pone a prueba con momentos tensos para el personaje en los que nuestra moral también se pone en juego, ya que el personaje en ciertos momentos parece querer expresar sus verdaderos sentimientos en sus actos. La escritora busca arriesgarse un poco en sus personajes, Lucy Gray es muy parecida a Katniss y no necesita tanto desarrollo, se nota en su enfoque y en las apariciones, pero el uso que hace del resto de personajes para desarrollar la sociedad y la política de Panem es impecable.
Comienzan los 10º Juegos del Hambre
Durante la segunda parte del libro que está formada sobre todo por los Juegos, supondrán el verdadero nudo del protagonista y aquí será cuando todo por lo que ha trabajado de sus frutos, algunos buenos y otros malos. Principalmente lo que más resalta en este momento es la visión de los mentores y el como ven a los tributos como medios para disfrutar de su entretenimiento, algunos intentan cuidar más de ellos, pero otros solo lo ven como “juguetes” que puede que le den alguna alegría con algún premio o algo valioso, pero su nivel de vida es tan alto que no les preocupa la vida de sus tributos.
A partir de aquí Coriolanus también pone en juego su propia vida y reputación ya que lleva a cabo muchas estrategias de dudosa legalidad a vista de los mandatarios de los Juegos del Hambre, pero el precio a pagar por triunfar requiere jugar con todo y el protagonista es consciente de ello. Por lo que iremos viendo como se irá aprovechando de Lucy Gray Baird, pero Collins nos lo intenta enfocar como si fuera pareciera que el protagonista de la novela siente algo más por ella, cuando realmente y según iremos viendo a lo largo de la novela, se aprovecha de ella como si fuera un espectáculo, al igual que ocurría con Katniss y Peeta.
Collins nos tiene acostumbrado a unos buenos giros y a escenas de acción realmente violentas y crudas, donde cuenta con gran nivel de detalle alguna de las muertes de los personajes. Durante todo los Juegos se está con la sensación de que nadie es inmortal, todos pueden morir incluso Lucy Gray, aunque si tienes reciente la trilogía original, puede que sepas el desenlace de esta historia, en mi caso leí la precuela tras muchos años sin leer las otras entregas, entonces no sabía como se iba a desenvolver la historia.
Un desenlace acelerado
De la tercera parte del libro no queremos comentar mucho, ya que es la que más puede innovar en cuanto a la narrativa de Collins y su desarrollo del mundo de Panem, pero si que se debe de resaltar que a diferencia de la primera parte del libro, que es una clara introducción de cuales son las nuevas reglas en las que se establece este Panem más antiguo ocupan mucho más que la tercera parte de la obra, la cual podría necesitar mucho más desarrollo, sobre todo los dos últimos capítulos que quedan un poco atropellado y aunque el desenlace sea previsible, ese giro final necesita mucho más desarrollo.
Seguiremos contando con la visión de Snow, en esta ocasión en una situación que nunca hemos visto en la obra y que consigue darle mas profundidad y que entendamos como el protagonista se acaba convirtiendo en ese presidente tiránico que tenemos en la trilogía de Katniss. En esta parte de la obra tenemos una visión todavía más detallada de los distritos y sobre todo del funcionamiento de uno en concreto tras las revueltas de los distritos contra el Capitolio.
Al igual que ocurre no vamos a contar mucho de lo que ocurre, para que os llevéis las sorpresa de todo lo que va pasando en esta parte de la novela. Hay algo muy positivo de este acto y es que al ser el más corto también es muy adictivo de leer, ya que funciona casi como una historia auto conclusiva que podría contarse en una película propia como ya ocurrió con Sinsajo que fue divido en dos películas. Es decir, podrían haber aprovechado que la novela es muy larga para contar los Juegos del Hambre y la introducción en una película y una segunda parte que desarrolle más en profundidad lo que le falta al tercer acto del libro.
Panem y Los Juegos del Hambre siguen en su mejor forma
Suzanne Collins ha conseguido expandir todavía más el universo de su trilogía con una entrega que visita los orígenes de los Juegos y nos desarrolla personajes muy interesantes e incluso trayendo personajes que no conocíamos y dándonos la sensación de querer conocer más de ellos. Por ejemplo la familia de Sejanus es muy interesante por esa lucha y repudio que acabaron viviendo por conseguir una mejor vida fuera de los Distritos, la historia de Casca con el padre de Snow o los siguientes Juegos del Hambre como el de la victoria de Haymitch que profundicen todavía más en la tiranía de Snow y su cambio de personalidad.
Pero, sobre todo, uno de los eventos más importantes en la historia de Panem es la guerra que provocó el surgimiento de los Juegos y que los pequeños detalles que vamos conociendo a lo largo de esta novela nos hace querer saber más de este mundo, de como se fundaron oficialmente los distritos y de como se llevó a cabo la guerra y la rebelión. Este hecho histórico podría darnos una buena historia que nos recuerde a Sinsajo y Collins sabe llevar muy bien este tipo de historias más bélicas y centradas en la continua lucha de clases que se vive en esta distopía.
Por lo que ojala Suzanne Collins siga expandiendo este universo con nuevas historias sobre personajes tan interesantes y grises como Snow pero llevados a esa guerra tan cruenta. Esperamos que la película también cumpla con las expectativas y que adapte tan bien la novela como ha sucedido con las otras entregas de Los Juegos del Hambre y podemos fiarnos ya quecuenta con la dirección de Francis Lawrence, mismo director de las tres últimas entregas, menos de la primera y que consiguió darle una visión muy cinematográfica y fiel a la novela.
Un viaje pirata que vale la pena: One Piece en acción real se lleva el tesoro en Rotten Tomatoes
Si alguna vez dudaste del potencial de adaptar un manga al formato live action, el nuevo lanzamiento de One Piece viene a echar esos temores por la borda. La serie, que ha sido un fenómeno en el mundo del manga y el anime durante más de dos décadas, ahora se ha adentrado en el territorio del live action y los resultados son impresionantes.
Estamos hablando de unas cifras de calificación que no pueden ser ignoradas: 82% de aprobación por parte de la crítica y un abrumador 94% de la audiencia en Rotten Tomatoes. Así es, parece que este barco va viento en popa.
One Piece Live Action: Un mar de aprobación
Es raro ver una adaptación que logre agradar tanto a los críticos como a los fans, especialmente cuando se trata de un material tan querido como One Piece. Pero aquí estamos, y parece que tanto los recién llegados como los veteranos de la serie se encuentran satisfechos.
Antes de adentrarnos más en la adaptación live action, vale la pena destacar el impacto global del anime de One Piece. Desde su debut en 1999, esta adaptación animada del manga de Eiichiro Oda ha establecido numerosos récords. Se ha emitido en más de 40 países, y ha inspirado todo tipo de merchandising, desde figuras de acción hasta videojuegos. Con más de 1000 episodios, su longevidad es un testimonio de su calidad y aceptación.
La serie ha creado un universo tan rico y diverso que ha sido la base sobre la que se ha construido esta nueva versión en live action. El amplio impacto cultural de One Piece en todo el mundo ha establecido una alta expectativa para cualquier formato que busque adaptarlo, y el live action ha sabido estar a la altura.
One Piece se publicó por primera vez en 1997 en la revista Weekly Shōnen Jump y fue creado por Eiichiro Oda. La tarea de llevar esta rica narrativa y estos personajes carismáticos al formato live action no era para nada sencilla, pero los creadores del proyecto han logrado un equilibrio perfecto entre fidelidad al material original y una nueva interpretación que atrae a una amplia audiencia.
¿Qué dice la crítica y los fans?
Los críticos han elogiado especialmente la forma en que la serie ha sabido capturar la esencia de One Piece sin perderse en los detalles. La aventura, el compañerismo y, por supuesto, la búsqueda del tesoro, son elementos que se han mantenido intactos, entregando un producto final que es tan divertido como emocionante.
Y si hablar de un 82% de aprobación por parte de la crítica ya es suficiente para llamar la atención, el 94% de satisfacción de la audiencia es la guinda del pastel. Es evidente que el live action de One Piece ha logrado calar hondo en los fans, tanto nuevos como antiguos.
Es imposible no comparar esta adaptación con otros intentos anteriores de llevar mangas y animes al formato live action, como Death Note o Dragon Ball Evolution, que no fueron muy bien recibidos, ni por crítica ni por público. Aquí, sin embargo, los responsables han sabido mantener la magia y respetar la fuente original, entregando algo que incluso podría calificarse como un nuevo estándar en adaptaciones.
Con cifras como estas, está claro que el live action de One Piece ha izado su bandera pirata muy alto, y seguramente seguirá navegando hacia nuevos horizontes exitosos. No cabe duda de que este es un barco en el que vale la pena embarcar. ¿Te lo vas a perder?
Con la maraña de estrenos veraniegos seguramente pase bastante inadvertida esta divertida película titulada Me he tragado un extraterrrestre ¡pero para evitarlo estamos nosotros aquí!
¡Los extraterrestres están entre nosotros!
En esta película de un estudio sudafricano, sus directores reivindican el talento que hay en su país para invitarnos a poner la mirada en un lugar distinto al que estamos acostumbrados. Y eso es porque está planteada desde un lugar bastante original: ¿y si los extraterrestres son tan diminutos que no los podemos ver y resulta que ya están entre nosotros?
No estamos solos en el universo. Norman lo tiene claro, pero no sabe muy bien cómo demostrarlo… Aunque, ¿y si los extraterrestres ya están entre nosotros? ¿Y si no son cómo nos imaginamos? ¿Y si son tan diminutos que para verlos necesitásemos tirar de microscopio? Me he tragado un extraterrestre va todavía un paso más allá.
Gus, Sophie y Max, integrantes del equipo de la Fuerza de Protección Espacial que lucha contra el crimen en el universo, sufren un accidente en su nave microscópica y acaban en la Tierra, más concretamente la cabeza de Norman, de 16 años.
No toda la (buena) animación viene de Hollywood
Cada vez son más los ejemplos de cine de animación de gran calidad (técnica y argumental) que nos llega desde diferentes países: Belle(2022), Wolfwalkers (2020) o Klaus (2019), entre otros muchos ejemplos.
Me he tragado un extraterrestre (Headspace) es una historia que llega desde Sudáfrica, de la mano de Luma Animation, un estudio de animación con sede en Johannesburgo. Los directores del film, Paul Meyer y Gerhard Painter, reivindican con esta animación el talento sudafricano en el género, por el que llevan apostando 20 años.
Para desarrollar este proyecto se han inspirado en Pixar, y para pulir la técnica y el resultado han contado con el apoyo de The Ergo Company como productores, el respaldo de la Corporación de Desarrollo Industrial de Sudáfrica y la financiación y distribución de Indigenous Film Distribution.
Extraterrestres en un viaje alucinante
Escrita por Daniel Buckland, Ronald Henry, Paul Meyer y Gerhard Painter, trata sobre un grupo de adolescentes con sus intereses y gustos propios: desde la tecnología hasta las redes sociales, etc. Son personajes que, a pesar de estar envueltos en un viaje alucinante (Era inevitable el guiño a la clásica película), son creíbles y reconocibles. Es un buen trabajo de caracterización.
Si bien es cierto que son algunos de estos personajes son estereotipos (sobre todo los malvados), también es cierto que han conseguido crear unos protagonistas diferentes en muchos aspectos.
Norman, el protagonista, parece el típico escolar de dieciséis años obsesionado con los extraterrestres. La ciencia ficción es lo suyo. Es socialmente torpe, pero inteligente e ingenioso, una combinación que a menudo lo lleva a situaciones de las que necesita ser rescatado por uno de sus amigos. Incluso es un visitante asiduo a la librería de cómics 🙂
Pero Norman no es el típico “rarito”, sino que es un personaje inteligente, consciente de sus limitaciones y de sus virtudes. Eso sí, es feliz cuando finalmente ha podido “probar” la existencia de extraterrestres, pero al mismo tiempo es consciente de que debe mantener su existencia en secreto, algo que a menudo olvida. Aunque, ¿quién le va a creer de todos modos? Y él es consciente de ello.
Todos los personajes (del lado de los héroes) son inteligentes y decididos, tanto los hombres como las mujeres. Eso sí, son valientes porque tienen que serlo, no temerarios: no son chavales de instituto que se convierten en superhéroes, son chavales que reaccionan como lo haría cualquiera de su edad (Alejandro es un claro exponente: cinéfilo, y amante de las redes sociales).
Incluso el villano, siendo un “típico” megalómano emperador intergaláctico tiene un gran punto de originalidad tanto en su manera de conseguir secuaces como, sobre todo, al mezclarse con cierto terrestre para conseguir sus fines y llevar la batalla intergaláctica al patio del instituto. Esto, además, es algo que muchos niños verán con agrado, al ser una de sus “mayores” pesadillas.
Del resto de personajes quiero destacar a Frankie, la joven hacker autodidacta, a la que me hubiera gustado ver mucho más en pantalla por su personalidad y sus reacciones a los que la rodean. Y me recuerda mucho, tanto en aspecto como en pesonalidad, a Sabine Wren.
En general, tenemos una historia donde se valora la amistad y el trabajo en equipo: ninguno habría conseguido salvar al planeta del malvado Zolthard de forma individual. Hacen falta los valores y los conocimientos de cada uno de ellos para vencer al villano.
Visualmente espectacular
Pero más allá de una buena y divertida historia, Me he tragado un extraterrestre nos ofrece una magnífica técnica. Los directores vieron una película inacabada en 2017 iniciada por otro estudio de animación y que, por diferentes motivos, nunca completaron.
Se hicieron cargo de “recuperar” esa historia, reconstruyéndola desde cero y modernizándola con los últimos adelantos en cine de animación. Cogiendo como base esa primigenia película, actualizaron “los sombreadores y las texturas, mejoramos las mallas para una mejor definición e iluminación para mejorar la configuración. Tuvimos que renderizar de manera eficiente, pero con mejoras, cambiando gran parte de la película. Esto nos enseñó a ser brutales en nuestro enfoque, manteniendo solo lo que era valioso y cortando y cambiando el resto”, proceso que les llevó más de cuatro años.
Además de unos excelentes diseños de personajes (todos) y de los maravillosos fondos y paisajes, la animación es espectacular: la fluidez de los movimientos, los movimientos (aceleraciones y frenazos incluidos) y las reacciones de los protagonistas con el entorno, dan como resultado una de las mejores animaciones “tradicionales” (es decir, no experimentales) que hemos visto últimamente.
En resumen, Me he tragado un extraterrestre es una divertida historia que tiene buenos personajes, un guion entretenido y bien escrito y, sobre todo, una técnica de animación perfecta. Ideal para llevar a nuestros peques estos días.
Me he tragado un extraterrestre (Headspace) llega a España de la mano de Vercine, que la estrena en salas el 1 de septiembre de 2023.
El final de la etapa de Jason Aaron en Punisher llega a Panini Comics entre las novedades de septiembre
Arrancamos el curso con una celebración por todo lo alto: LOS 4 FANTÁSTICOS alcanzan Fantastic Four #700 USA de Legado, en un momento en que la primera y más importante colección del Universo Marvel atraviesa una época extraordinariamente dulce.
Acompáñanos en esta fiesta, con Ryan North e Iban Coello al frente, en una de las más originales aventuras con el Doctor Muerte que hayas leído nunca. En EL ASOMBROSO SPIDERMAN 16, arranca la saga que explicará lo que ha ocurrido con Mary Jane y Peter Parker entre el final de Beyond y el comienzo de la actual etapa, con una muerte en la familia que sacudirá el entorno del Hombre Araña, pero también a todo el Universo Marvel, y que tendrá continuidad, el mes que viene, en el imprescindible especial AMIGA CAÍDA.
En terrenos mutantes, PATRULLA-X: ANTES DE LA CAÍDA arranca, en forma de miniserie de cuatro especiales que allanan el terreno para el más brutal cambio de escenario que ha tenido lugar en la franquicia desde el inicio de La Era de Krakoa. CAÍDA DE X se acerca, y tu corazón no está preparado para lo que encontrarás en ese cómic, por mucho que tratemos de advertirte.
Pasamos al terreno de LOS VENGADORES, que abren etapa, fabulosa etapa, con Jed MacKay, el más prometedor guionista de la actual Casa de las Ideas. Todavía no hemos leído un cómic de MacKay que baje de la categoría de divertido, y muchos de ellos alcanzan la de excelente. Prepárate para reencontrarte con la verdadera esencia de Los Héroes Más Poderosos de la Tierra, con una espectacular alineación que consigue equilibrar clasicismo con modernidad, y con una apasionante trama centrada sobre nada menos que Kang el Conquistador y los llamados Sucesos de Tribulación. Dibuja el espectacular C. F. Villa, que ya acompañará a MacKay en GATA NEGRA y que se convertirá en una de las grandes estrellas de Marvel.
Se cumplen sesenta años de la llegada de Nick Furia, y para ello lo celebramos con un especial en el que Al Ewing, junto a los dibujantes Scot Eaton, Tom Reilly, Adam Kubert y Ramón Rosanas, repasa la historia del agente secreto más importante de Marvel, desde sus misiones con Los Comandos Aulladores hasta la actualidad, pasando por los viejos tiempos en que se fundó SHIELD, al tiempo que nos devuelve un misterio, reinterpretado para el siglo XXI. Volverás a preguntarte: ¿Quién es Escorpio? Y la respuesta te dejará con la boca abierta.
La despedida a destacar del otoño la encontramos en EL CASTIGADOR 12, fin de la miniserie que aspira a narrar la última aventura de Frank Castle, que también supone la marcha de Jason Aaron de Marvel, después de más de una década de éxitos e historias irrepetibles. Jesús Saiz, el dibujante junto a Paul Azaceta de esta miniserie, afila ya su arte para regresar al mundo del CAPITÁN AMÉRICA, en una etapa que se adivina como uno de los grandes éxitos del 2024, ya que supone también el regreso triunfal a Marvel de J. Michael Straczynski, el autor que le devolviera el lustre a EL ASOMBROSO SPIDERMAN.
En tomo de tapa blanda, estrenamos colección de LA BRUJA ESCARLATA, con Sara Pichelli como dibujante, en un cómic escrito por Steve Orlando que examina el tumultuoso pasada de Wanda Maximoff, reordena la magia en el Universo Marvel y prepara todo para CONTIENDA DEL CAOS, el evento que supondrá el regreso del Darkhold, el libro oscuro de La Casa de las Ideas.
Pero en este mes hay un acontecimiento de gigantesca envergadura clásica alrededor de Los Héroes Más Poderosos de la Tierra. Estamos refiriéndonos a la publicación de LOS VENGADORES: ¡GUERRA A TRAVÉS DEL TIEMPO!, que supone la incursión en Marvel de nada menos que Paul Levitz, legendario autor del título de DC Comics que todo lector de La Casa de las ideas debe conocer y disfrutar, La Legión de Superhéroes, y que se alía con el no menos legendario Alan Davis para desarrollar una verdadera carta de amor a Los Vengadores, ambientada en los primeros tiempos de existencia del grupo, con una escrupulosidad en el encaje y un cariño hacia los personajes que convierte este cómic en un imprescindible absoluto.
Los tomos de tapa blanda relativos a Spiderman se alinean con el lado más Duende de la vida arácnida. Por un lado, DUENDE DORADO: PERDONA NUESTROS PECADOS examina la actual situación de Norman Osborn: ha dejado atrás sus crímenes como Duende Verde, pero estos no hacen sino perseguirle, en una historia de alto contenido psicológico, a cargo de Christopher Cantwell y Lan Medina.
Por el otro lado, en DUENDE ROJO 1, Normie, el nieto de Norman, se inicia en la tradición familiar, en un cómic que deriva de los hechos ocurridos durante la etapa de Donny Cates y Ryan Stegman en VENENO. Escribe Alex Paknadel y dibuja Jan Bazaldua, en un arranque de colección que precede a los acontecimientos de “El Reino de Matanza”, ahora en curso en las páginas de MILES MORALES: SPIDER-MAN.
Dejamos este formato con una recomendación especial, la de NAMOR – EL HOMBRE SUBMARINO: LITORALES CONQUISTADOS. Vuelve Christopher Cantwell, para un relato que transcurre un siglo en el futuro, cuando las aguas han inundado el planeta como consecuencia del cambio climático y de una devastadora guerra con los Kree. Namor se ha convertido en el gobernante del mundo entero, y es entonces cuando emprende la búsqueda de respuestas para salvar a sus antaño odiados habitantes de la superficie. Por si no fuera lo suficientemente interesante este argumento, añadimos la circunstancia de que el dibujante no es otro que Pasqual Ferry, uno de los más veteranos autores españoles que ha dejado huella en el mercado estadounidense, y que aquí entrega una obra de elevada inspiración y categoría.
Una circunstancia muy especial, que merece subrayarse: por primera vez en la historia, un cómic de Marvel se publicará en dos ediciones, en castellano y en catalán. Se trata de A MIGHTY MARVEL TEAM-UP. SPIDERMAN: ¡ANIMALES, REUNÍOS!, que en su edición en catalán tendrá por título A MIGHTY MARVEL TEAM-UP. SPIDERMAN: ANIMALS, REUNI-VOS! Es una divertidísima historia para todos los públicos, en la que Spidey cuida de las mascotas de sus compañeros, mientras Los Vengadores luchan contra una superamenaza. Escribe y dibuja Mike Maihack, dentro de la siguiente iniciativa que ha unido a Marvel con Abrams.
Nos hacemos fuertes en los clásicos, en un mes en que a BIBLIOTECA MARVEL. LOS VENGADORES 3 llega “¡El viejo orden cambió!”, el cómic que redefine la leyenda del equipo y que alteró para siempre la manera en que Marvel se aproxima a sus superhéroes. En MARVEL GALLERY EDITION, te ofrecemos un imprescindible que, por mucho que conozcas, nunca has disfrutado con semejante grado de detalle. WARLOCK DE JIM STARLIN es una de las cumbres del cómic de los años setenta, en que tuvo lugar la primera reunión de las Gemas del Infinito o el desafío de Thanos a todos los superhéroes de la Tierra, además de los debuts de Gamora y Pip el Troll. ¡Starlin desatado, en su mejor momento y en la mejor de las ediciones! Si saltamos una década, llega el momento para MARVEL OMNIBUS. CONAN REY: LA ETAPA MARVEL ORIGINAL, primero de los volúmenes de uno de los títulos clásicos más representativos del bárbaro, ambientado después de que Conan subiera al trono de Aquilonia. Cada número es un gran espectáculo, a cargo de grandes nombres unidos a la leyenda, como los de Roy Thomas y John Buscema, y que incluye la llegada de la superestrella Marc Silvestri. A los ochenta pertenece también la miniserie que entonces protagonizara Sam Wilson, con James C. Owsley, Paul Smith y Mark Bright al frente, y que recuperamos en un tomo que se aproxima a sus aventuras clásicas y que responde al título de EL HALCÓN: GANADORES Y PERDEDORES.
Y si saltamos un par de décadas más, en MARVEL HÉROES nos encontramos con LOS VENGADORES: LA OBSESIÓN POR COLECCIONAR, el volumen con el que se inició la etapa del equipo compuesto por Bob Harras y Steve Epting. Ya llegando al siglo XXI, en MARVEL SAGA, arrancamos MARVEL KNIGHTS: SPIDERMAN, serie que lanzaron Mark Millar y Terry Dodson, pero que luego seguiría adelante, conformando una parte del mundo del trepamuros, mientras que en MARVEL MUST-HAVE llega a su final VENGADORES OSCUROS, una de las colecciones más aplaudidas de Brian Michael Bendis.
En terrenos independientes, colocamos en las estanterías VELVET OMNIBUS, con la obra completa del inigualable equipo creativo formado por Ed Brubaker y Steve Epting, que revitalizaran al Capitán América, crearan al Soldado de Invierno y enviaran a la muerte al Centinela de la Libertad, y lanzamos el segundo volumen de PATOMAS, que recopila las aventuras de esta singular encarnación del Pato Donald en orden cronológico. Y en manga, llegan los estrenos de LIQUOR AND CIGARETTES, COSMETIC PLAY LOVER, UNA MUERTE ASFIXIANTE Y SOLITARIA y HAPPY OF THE END, además de la precuela de BLAME, bajo el subtítulo de NOISE, en formato Master Edition.
¿Fue acertado dejar a Eobard Thawnem, Flash Reverso, fuera del Universo extendido de DC? Exploramos la decisión y sus implicaciones
La película de 2023, The Flash, que formaba parte del ya desmantelado Universo Extendido de DC (DCEU), ha estado sumida en retrasos y cambios en la dirección creativa. Entre las ideas que se descartaron, destaca la de incluir a Eobard Thawne, también conocido como el antagonista Reverse-Flash, como figura central en la película y en el universo en general. Pero ¿fue esta exclusión realmente un error o, quizás, un acierto?
El papel silente de Eobard Thawne en el DCEU
Según Jay Oliva, artista de storyboard, en las primeras fases de la producción se consideró incluir a Thawne como un personaje que operaría desde las sombras, algo parecido a Thanos en el MCU. En lugar de adoptar el arco de Flashpoint, la película se centraría en una trama más amplia en la que Thawne sería el titiritero detrás de escena.
Posibles incongruencias al incluirlo en el universo
El desafío de incorporar a este personaje en el DCEU es multifacético. Por un lado, habría corrido el riesgo de eclipsar otros personajes y tramas. Además, dado que ya ha aparecido en diversas adaptaciones, podría haber parecido repetitivo. Además, teniendo en cuenta la recepción mixta de otras entregas del DCEU, como Batman v Superman: Dawn of Justice, la presencia de Thawne podría haber sido vista como una especie de salvavidas desesperado, algo que podría no haber sido bien recibido por los fans.
¿El personaje correcto para el rol de villano supremo?
Aunque Thawne es un enemigo formidable para Barry Allen, su papel podría no haber encajado como el antagonista principal del DCEU, un papel más adecuado para personajes como Darkseid. La enemistad de Thawne se limita principalmente a Barry y sus seres queridos, y su influencia no se extiende mucho más allá de los límites de Central City.
Entendiendo la complejidad de Eobard Thawne
Para quienes no están tan familiarizados con la mitología de Flash, Eobard Thawne es una figura profundamente compleja. Proveniente del siglo XXV, Thawne era originalmente un gran admirador del velocista. Sin embargo, un viaje al pasado cambia su percepción y lo convierte en el archienemigo de Barry. Lo que lo hace especialmente fascinante es su conexión personal con Barry, siendo incluso el instigador del evento que lleva a Barry a convertirse en Flash.
Más que un simple villano
Quizá sea necesario ahondar un poco más en la figura del villano para comprender la envergadura de lo que significa no incluirlo en el universo cinematográfico de DC. En las páginas de los cómics, ha demostrado ser uno de los personajes más intrigantes y multidimensionales. No es simplemente un villano que quiere hacerle la vida imposible a nuestro velocista favorito; es un personaje que realmente reta las convicciones morales de nuestro héroe, Barry Allen.
Eobard Thawne, es un genio científico con una mentalidad torturada. Sus metas van más allá del simple deseo de derrotar al velocista escarlata; quiere desmantelar todo lo que Barry representa. Ha tenido arcos argumentales que lo sitúan en una posición más compleja que la de un mero antagonista, como en Flashpointy The Return of Barry Allen. Estos arcos no solo son batallas de velocidad, sino también duelos filosóficos que hacen cuestionar los principios de Barry.
Al considerar la posible inclusión de Eobard Thawne en el DCEU, los creadores tendrían el reto de plasmar esta complejidad de manera adecuada. Pero mientras ese día no llegue, tal vez sea prudente que este personaje siga siendo una sombra en el universo del velocista escarlata, un ente que añade capas de complejidad desde un segundo plano.
¿Menos realmente es más?
Por lo tanto, la exclusión de Thawne podría haber evitado más problemas de los que habría resuelto. Aunque la idea de ver a Thawne en acción era intrigante, su inclusión podría haber complicado un universo ya en sí mismo enmarañado. Mantenerlo fuera del foco podría haber sido una decisión acertada, permitiendo a The Flash y al DCEU buscar direcciones más coherentes y sostenibles.
The Flash ya está disponible en HBO Max y nos deja preguntándonos qué futuros cambios veremos en el DCEU.
Un vistazo al arte conceptual muestra las versiones descartadas del traje final de Spider-Man, y todo lo que podríamos haber visto en Spider-Man: No Way Home
Según The Direct, el libro Spider-Man: No Way Home – The Art of the Movie desvela hasta cuatro diseños originales que no llegaron a la versión final de la película. Ryan Meinerding, Jefe de Desarrollo Visual en Marvel Studios, explicó que la intención era que el traje final incorporase elementos de los trajes de Andrew Garfield y Tobey Maguire, mezclados con el estilo único de Holland. “La idea detrás de [estos trajes] es que ha visto a otros Spider-Man y los abraza completamente. Es suficientemente genio como para hacerlo realidad”, dijo Meinerding.
Aunque los trajes son estéticamente similares, había cambios prominentes en los diseños descartados. Uno de ellos incluía un ajuste más holgado y ojos más redondos, mientras que otro lucía un emblema de araña más similar al de Maguire, y las ya famosas telarañas bajo los brazos siempre prominentes, a diferencia de la versión retráctil que se vio en Spider-Man: Homecoming.
La filosofía detrás del traje
Meinerding también habló sobre la filosofía estética que alimentó la creación del traje. El diseño buscaba reflejar el viaje personal de Peter, afectado por las pérdidas sufridas en las películas anteriores. “Es un traje clásico en rojo y azul con una araña que se siente más madura, un poco influenciada por las arañas que vio en los trajes de Tobey y Andrew”, explicó.
La película concluye con una nueva etapa para Peter Parker. Despojado de su vida anterior y de la tecnología proporcionada por Tony Stark, el nuevo diseño del traje se acerca más al aspecto original del superhéroe en los cómics creados por Steve Ditko. Para algunos, esto marca un regreso a las raíces del personaje tras un trayecto cinematográfico que se desvió en ciertos aspectos.
Un viaje a través de los trajes de Spider-Man en la gran pantalla
Los trajes de Spider-Man han experimentado una evolución fascinante a lo largo de su historia en el cine, y la más reciente entrega, Spider-Man: No Way Home, se suma a este legado visual. La saga cinematográfica del arácnido comenzó con Tobey Maguire en 2002, donde el diseño del traje se mantuvo relativamente fiel al material original creado por Stan Lee y Steve Ditko. Texturas realistas, colores brillantes y el clásico emblema de la araña definían este look.
Luego vino la versión de Andrew Garfield en The Amazing Spider-Man (2012). Este traje se diferenciaba en varios aspectos, incluyendo un diseño más oscuro y texturizado, y ojos considerablemente más pequeños. La secuela, The Amazing Spider-Man 2, sorprendió con un traje que rendía homenaje a los cómics de forma más literal, con ojos más grandes y un diseño más cercano al dibujo clásico.
Tom Holland irrumpió en la escena con Capitán América: Civil War en 2016, llevando un traje tecnológico creado por Tony Stark. Este diseño se mantuvo en Spider-Man: Homecoming, pero con el agregado de diversas funcionalidades tecnológicas. Spider-Man: Far From Home introdujo el traje Stealth, una variante en negro y verde que ofrecía nuevas posibilidades narrativas y visuales.
Con el despliegue de múltiples diseños en No Way Home, queda claro que cada traje no solo refleja la identidad y la evolución del personaje, sino también la visión única de los creadores y diseñadores detrás de cada película. Ahora, al sumar los trajes desechados revelados en el libro de arte de la película, tenemos un abanico aún más amplio para apreciar la creatividad y el arte que conforman la identidad visual de uno de los superhéroes más icónicos del cine.
Rumores y conjeturas
Jon Watts, el director de la trilogía, siempre vio las tres películas como una única historia de origen para Peter Parker. Aunque se rumorea que Holland podría regresar para una cuarta película, aún no hay nada confirmado. Lo que es seguro es que Spider-Man: No Way Home está disponible en streaming en RTVE a la carta.
Si te has quedado con ganas de más, no dejes de echar un vistazo al libro de arte para descubrir todos los secretos que se quedaron en el tintero. Ahora, más que nunca, es un gran momento para ser fan de Spider-Man.
La actriz Leonor Watling narrará en Audible las aventuras mágicas del trío más famoso de Hogwarts, justo para celebrar el regreso a clases del mundo mágico
La plataforma de audiolibros ha decidido hacer más mágico el regreso a la rutina. Justo cuando las vacaciones llegan a su fin y el ánimo necesita un pequeño empujón, la plataforma lanza la colección completa de la saga Harry Potter, disponible a partir del 1 de septiembre. ¿El objetivo? Alegrar el inicio de mes con las voces y aventuras de los personajes que todos conocemos y amamos.
Este lanzamiento no podría estar mejor sincronizado. El 1 de septiembre es el día que todos los jóvenes magos y brujas marcan en sus calendarios: el comienzo del nuevo curso escolar en Hogwarts.
Un regreso mágico a Hogwarts
En este contexto, los fans de la saga podrán regresar a Hogwarts en formato de audio, narrada por la reconocida actriz Leonor Watling. Durante 5 meses de intenso trabajo de estudio —coincidiendo con el periodo de confinamiento—, Watling dio vida a aproximadamente 420 personajes del universo creado por la escritora británica .
La narración es un formato que, según Watling, otorga un alto nivel de intimidad a la experiencia. “Es tu cerebro el que te está dando esa situación que sabe que te da miedo”, comentó la actriz sobre el poder inmersivo del audiolibro.
Impacto en la plataforma
El hecho de que la colección completa se encuentre en Audible no es algo menor. La saga ya ha demostrado ser un gigante en la plataforma, representando el 58% de todas las horas escuchadas en la categoría de Jóvenes Adultos. Cuatro de los siete libros incluso se han ganado un lugar en el top 10 de audiolibros más escuchados, siendo Harry Potter y el Cáliz de Fuego el título más popular.
Más que una saga, una cultura
El vínculo entre la saga de Harry Potter y sus fans va más allá de los libros o películas. Cada año, en la estación de King’s Cross de Londres, se celebra el regreso a Hogwarts con actos en todo el mundo. Además, el 31 de octubre, Halloween, es una fecha de gran relevancia dentro de la historia, marcando aventuras y sorpresas para los estudiantes de la escuela de magia y hechicería.
A la luz de los 25 años de magia
Para los curiosos, la autora J.K. Rowling se ha inspirado en el libro Culpeper’s Complete Herbal para nombrar algunas de las plantas mágicas que aparecen en la saga. Y en caso de que los Muggles descubrieran la ubicación de Hogwarts, encontrarían un edificio en ruinas con un letrero que dice: Manténgase alejado: peligro.
Con esta colección completa, los fans tienen una nueva manera de disfrutar del mundo mágico de Harry Potter. Ya sea que lo escuchen mientras viajan en el metro o quizás, en un expreso de Hogwarts imaginario, la magia nunca ha estado tan al alcance de la mano.
La saga Harry Potter: más que una colección de libros
Si hay algo que todos debemos reconocer es el impacto transformador que ha tenido la saga de Harry Potter en múltiples esferas de la cultura pop. Estos libros no solo han cautivado a generaciones de lectores sino que también han permeado distintas formas de entretenimiento y medios.
Desde su adaptación al cine hasta la creación de parques temáticos, el mundo de Harry Potter se ha vuelto una experiencia integral. Las películas, que comenzaron su estreno en el año 2001 con Harry Potter y la piedra filosofal, han recaudado miles de millones en taquillas a nivel mundial. Además, la saga ha dado lugar a una obra de teatro aclamada, Harry Potter y el legado maldito, que ha llenado teatros en ciudades como Londres y Nueva York.
La magia también se extiende al mundo del merchandising. Desde varitas mágicas hasta réplicas exactas de los atuendos de los personajes, el mundo imaginado por la escritora se ha convertido en un universo material que fans de todas las edades pueden poseer. Y cómo no mencionar el videojuego Harry Potter: Wizards Unite, que lleva la experiencia de ser un mago al mundo real mediante la realidad aumentada.
Y ahora, en formato de audiolibro, la saga abre una nueva puerta: una que permite una conexión más íntima y personal con la historia. Gracias a las voces y la narrativa, los personajes y los escenarios cobran una vida nueva, llena de matices y emociones que tal vez se pierden en otros formatos.
Los audiolibros ofrecen una oportunidad única de sumergirse en la saga de una manera nueva y emocionante. A medida que Harry, Ron y Hermione avanzan en sus aventuras, las nuevas generaciones encontrarán formas cada vez más diversas para conectarse con este universo mágico. Y para los fans de toda la vida, es una ocasión más para volver a vivir la magia, demostrando que el mundo de Hogwarts es realmente eterno.
¿Podrá la secuela mantener el espíritu salvajemente divertido del original? Haris Zambarloukos nos da algunas pistas
Si eres fan de los mundos estrafalarios y los personajes descabellados, Bitelchús 2 viene a satisfacer tu sed de caos creativo. No temas, la secuela promete capturar la esencia del original y llevarla a nuevos extremos.
Haris Zambarloukos, el director de fotografía de la película, ha hablado recientemente sobre su participación en este proyecto tan esperado, dando pistas sobre lo que podemos esperar.
Aunque no hemos recibido muchos detalles sobre la trama, Zambarloukos enfatiza que la película irá más allá de simples trucos visuales y mantendrá una conexión emocional. “Bitelchús 2 es en su esencia una historia sobre una familia”, explicó en una entrevista con The Wrap. Pero no te preocupes, esa humanidad vendrá envuelta en un escenario completamente descabellado.
Un elenco para animar a los fans más nostálgicos
Si estás preguntándote quién volverá para este viaje surrealista, tenemos confirmaciones que te alegrarán. Tim Burton, el maestro del cine gótico y peculiar, toma las riendas de nuevo, y los actores originales Michael Keaton y Winona Ryder también están a bordo. Rumores apuntan al regreso de Catherine O’Hara, y los nuevos rostros incluirán a Jenna Ortega, Monica Bellucci y Willem Dafoe.
Michael Keaton expresó su entusiasmo sobre la secuela con palabras muy directas. Según él, trabajar en Bitelchús es “el máximo jodido divertimento que puedes tener, lo estamos haciendo exactamente como la primera película”. Keaton incluso dejó escapar que los fans del original encontrarán muchos elementos familiares.
Bitelchús y la estética burtoniana: un vistazo al pasado
Si te preguntas cómo la secuela podría sorprendernos después de tantos años, echemos un vistazo al impacto que el original tuvo en el cine y en la carrera de Tim Burton. Bitelchús no fue solo una película, sino un fenómeno cultural que estableció muchas de las marcas estilísticas y temáticas que Tim Burton desarrollaría en su trayectoria cinematográfica. Con su paleta de colores característica, que mezclaba lo grotesco con lo encantador, y personajes tan inolvidables como el propio Bitelchús, interpretado por Michael Keaton, la película se convirtió en un hit instantáneo.
El mundo que Burton creó en Bitelchús se expandió en su obra posterior. Los paisajes surrealistas, la yuxtaposición de lo macabro y lo cómico, y una narrativa profundamente centrada en los marginados y los inadaptados son elementos que podemos encontrar en muchas de sus películas posteriores. Esta esencia “Burtoniana” ha dejado una huella indeleble en la cultura pop, influyendo en una generación de cineastas y artistas que han adoptado una estética similar.
La espera ha valido la pena
Ha pasado mucho tiempo desde que la primera entrega irrumpió en nuestras vidas. El viaje desde aquel entonces hasta ahora ha estado lleno de rumores, retrasos y expectativas crecientes. La secuela se ha mantenido en el “infierno del desarrollo” durante años, lo que hace que la espera por la secuela sea aún más emocionante. Los fans han estado deseando volver a este mundo, y parece que finalmente, su paciencia se verá recompensada.
El largo período de desarrollo también ofrece una oportunidad única para que la película aborde temas más maduros. Como Zambarloukos apuntó, la película tratará sobre una familia y las complejidades de mantenerse unidos a lo largo del tiempo. Esto podría ofrecer una profundidad adicional que tal vez no se exploró completamente en la original. Después de todo, ¿quién no querría ver cómo ha cambiado la dinámica entre los personajes después de tres décadas?
Con todo esto en mente, las expectativas están altas, pero si alguien puede cumplir con ellas, es el equipo detrás de esta secuela tan esperada. Nos encontramos ante la posibilidad de una película que podría igualar a la original. La cuenta atrás ha comenzado.
¿Cómo influyó una película de culto en la génesis de Harley Quinn uno de los personajes más emblemáticos del cómic contemporáneo?
El universo del cómic es un caleidoscopio lleno de sorpresas. Una de esas curiosidades del destino ha puesto en el mismo saco a La princesa prometida y a Harley Quinn, un dúo aparentemente incompatible que comparte más de lo que te imaginas.
El enlace inesperado
El reciente fallecimiento de Arleen Sorkin, una figura crucial en la creación de Harley Quinn, nos lleva a explorar este vínculo desconcertante. La clave reside en el mundo de las telenovelas, especialmente en Days of Our Lives, serie en la que Sorkin participó y que sacó ideas directamente de la película.
El mundo de los cómics y la cultura popular
En la industria del entretenimiento, cuando algo funciona, los demás quieren imitarlo. Es un fenómeno conocido en los cómics, donde si una idea es exitosa, otras editoras intentan seguir el mismo camino. Pero esta tendencia no es exclusiva de las historietas, también ocurre en televisión y cine.
De la gran pantalla a la pequeña
John de Lancie, quien interpretó a Q en las series de Star Trek, formó parte del elenco de Days of Our Lives. Al unirse a Sorkin en la telenovela, la pareja se convirtió en un dúo popular, conocido por su dinámica cómica y extravagante. Una dinámica que, según De Lancie, estaba llena de diversión y risas inolvidables.
La conexión con La princesa prometida
Lo sorprendente llega cuando Sorkin propone una idea para la telenovela inspirada en La princesa prometida. El concepto se centraba en un personaje que le leía un cuento a su hijo antes de dormir, permitiendo a la serie introducir personajes exagerados y cómicos. La actriz, fascinada con esta idea, compiló sus mejores momentos en cintas VHS, que eventualmente llegaron a manos de su viejo amigo universitario, Paul Dini.
Harley Quinn toma forma
Dini, por entonces ya un guionista de televisión animada reconocido, estaba trabajando en un episodio del aún no estrenado Batman: The Animated Series. Se encontraba en la búsqueda de una ayudante femenina para el Joker cuando vio la cinta de Sorkin. Inspirado por su actuación, decidió crear un personaje femenino que fuera una especie de payaso. Así nació el personaje, que finalmente fue interpretada por la misma Sorkin. Bruce Timm hizo el rediseño final del personaje, y el resto es historia.
Un legado construido por Sorkin
La actriz no solo fue la voz original del personaje sino que, gracias a su creatividad y talento, contribuyó en gran medida a moldear el personaje que hoy en día todos los fans conocen y adoran.
Así que, la próxima vez que veas al “arlequín” en acción, recuerda que su existencia es fruto de un mosaico cultural que une de manera inesperada el mundo de los cómics con el cine y la televisión. Un mosaico en el que La princesa prometida tiene un rincón muy especial.
Más allá de la risueña compañera del Joker
La inolvidable villana y antiheroína, ha evolucionado considerablemente desde su debut en 1992 en Batman: La Serie Animada. Originalmente concebida como una compañera cómica para el Joker, hoy en día es mucho más que eso: es un icono feminista, una compleja representación de la toxicidad en las relaciones y un pilar en la cultura pop.
Paul Dini y Bruce Timm son los nombres detrás de la creación de Harley, y su inspiración vino de una amistad y una cinta VHS, como muchos fans ya saben.
La Evolución del personaje
Desde su debut ha experimentado cambios significativos tanto en diseño como en personalidad. Su vestuario ha evolucionado desde el traje de arlequín original hasta atuendos más modernos y estilizados. Pero lo más importante es su emancipación como personaje independiente del Joker, explorando su psicología y empoderamiento en series como Harley Quinn y en películas como Birds of Prey.
El legado en los cómics y otros medios
La ayudante del Joker es un personaje que ha traspasado las fronteras del cómic para integrarse en diversos medios, desde videojuegos hasta merchandising. En el mundo del cómic, su impacto es palpable, con títulos que exploran diversas facetas de su vida, como Harley Quinn: Rebirth y Harley Quinn and Poison Ivy. Su popularidad también se ha trasladado al cine, donde actrices como Margot Robbie la han encarnado, dándole una nueva dimensión y relevancia.
Representación en la Cultura Pop
La representación de Harley Quinn también se ha vuelto un tema de discusión en el ámbito de la cultura pop. Su relación con Poison Ivy ha abierto puertas para hablar sobre diversidad sexual en el universo de DC Comics, algo que era menos común hace unas décadas.
Comparaciones y rivalidades
Comparada con otras villanas y antiheroínas como Catwoman o Mystique, Harley Quinn destaca por su evolución y adaptabilidad. Mientras que personajes como Catwoman han mantenido un tono y personalidad más o menos constantes, Harley ha demostrado ser un lienzo en blanco para escritores y artistas, lo que ha contribuido a su longevidad y relevancia.
Harley Quinn es más que una simple figura en el universo del múrcielago; se ha convertido en un símbolo de resistencia, complejidad y evolución en la cultura pop. Su legado seguirá creciendo, y no cabe duda de que será fuente de inspiración para nuevas generaciones.
