Sí, has leído bien: Goku en pantalón corto compitiendo contra Pikachu, Link o Ryu, todo en un mismo videojuego oficial. El objetivo era llevar Mario & Sonic al siguiente nivel, acercándose a la escala de Super Smash Bros., pero con el enfoque deportivo y olímpico como excusa narrativa.
Sin embargo, la única franquicia anime que llegó a considerarse seriamente fue Dragon Ball. Y aunque la imagen de Goku haciendo salto de longitud con su clásico “¡Kamehameha!” suena ridícula y gloriosa a partes iguales, el sueño se esfumó más rápido que un ultra instinto.
El crossover que se derrumbó por culpa de los derechos
A diferencia de Smash Bros., donde Nintendo tiene control sobre la mayoría de sus personajes, este ambicioso crossover olímpico dependía de acuerdos con empresas externas como Bandai Namco (Dragon Ball), Capcom (Street Fighter) o Konami (Metal Gear). Al final, el proyecto fue “demasiado grande para funcionar”, y se decidió recortar contenido antes de que todo el desarrollo se desmoronara.
Dragon Ball y los videojuegos
Lo irónico de todo esto es que Sonic en sí mismo ya tiene ADN Dragon Ball. Super Sonic es un homenaje evidente al Super Saiyan, y no son pocos los fans que llevan años imaginando un combate entre ambos. Un título como Mario & Sonic at the Olympics podría haber ofrecido un encuentro simbólico entre esos dos universos, cerrando un ciclo cultural entre videojuegos y anime que empezó hace décadas.
Y no olvidemos que Dragon Ball sigue tan vigente como siempre, con juegos como Dragon Ball: Sparking! ZERO o colaboraciones en títulos móviles como Fortnite o PUBG. Lo que parecía imposible hace una década, hoy es solo cuestión de tiempo (y licencias).
En nuestro podcast LCDE 256 os ofrecemos algunas recomendaciones como el tomo de Los Hijos de la Tormenta, perteneciente a la saga de la Alta República de Star Wars
Desde ya mismo podéis escuchar el ducentésimo quincuagésimo sexto programa de La Casa de EL. Una vez más nos hemos juntado para recomendaros algunas obras actuales con las que podéis disfrutar de vuestro tiempo de ocio.
Recomendaciones de festivales: –Celsius 232 –Metropoli Comic Con
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El creador de Our Flag Means Death toma las riendas del piloto de Booster Gold para DC Studios y promete una versión divertida y entrañable del superhéroe
La serie, centrada en el excéntrico superhéroe Mike Carter (Booster Gold), está siendo desarrollada por James Gunn y Peter Safran. Jenkins podría convertirse en showrunner si el proyecto se convierte en serie completa. “Es un honor trabajar para James Gunn y estoy muy feliz de heredar este proyecto de Danny McBride, dos de mis héroes creativos”, añadió.
James Gunn, en declaraciones previas, había explicado que el desarrollo del show seguía en pausa mientras afinaban los guiones: “Todavía no estamos listos para Booster Gold. Los guiones no están exactamente donde quiero”, asegurando que no se dará luz verde hasta estar completamente satisfechos.
Peter Safran también explicó que estuvieron esperando a un creador ideal: “Había un showrunner/creador en particular al que esperábamos… se desencantó. Cambiamos de rumbo. Sigue siendo importante para nosotros”.
Con Jenkins a bordo y un tono que promete mezclar humor y corazón, Booster Gold podría convertirse en uno de los proyectos más carismáticos del nuevo universo DC.
“Este viaje comenzó el 10 de abril de 2023 y ahora ha llegado a su fin”, expresó Daul en la web oficial de KakaoPage, agradeciendo a los lectores por su apoyo incondicional. Su carta, recogida por fans en redes sociales, rebosa respeto: “No fui tanto un creador como un humilde guardián. Solo quería estar a la altura del mundo perfecto que Chugong había creado”.
Solo Leveling Ragnarok final
Pese al cariño invertido, Ragnarok no ha tenido un camino fácil. Aunque logró superar a la serie original en número de capítulos, su ritmo fue muy irregular.Los retrasos se volvieron recurrentes, y uno de los más serios fue consecuencia de un accidente que sufrió Daul a finales de 2024, lo que provocó una pausa de un mes. En ese tiempo, muchos fans se preguntaron si el autor se recuperaría y si la historia seguiría su curso.
Al final, la decisión de terminar el proyecto parece haber sido personal y meditada. “A quienes se sintieron decepcionados por las pausas, les pido disculpas. A quienes esperaron, gracias desde lo más profundo de mi corazón”, escribió Daul.
Pero que nadie guarde el luto aún. El autor asegura que esto no es un adiós definitivo al universo de Solo Leveling. La franquicia sigue viva y más activa que nunca: se prepara una adaptación en live action para Netflix con el actor surcoreano Byeon Woo-seok, hay dos videojuegos en desarrollo (Solo Leveling: Arise Overdrive y Solo Leveling: Karma) y la esperada temporada 3 del anime, aunque sin fecha oficial, ya ha sido confirmada por el equipo de producción.
El heredero de las sombras, Sung Suho
En esta secuela, el protagonismo recayó sobre Sung Suho, hijo de Jinwoo y Cha Haein. Con solo unos años de vida adulta, el joven Suho tuvo que despertar sus poderes y asumir el peso del legado de su padre para enfrentar una nueva amenaza que ponía en jaque la paz mundial. A pesar de las críticas al ritmo y desarrollo, la figura de Suho logró calar entre parte del fandom como una evolución natural del linaje de cazadores.
Con el cierre de Ragnarok, la pregunta que flota en el aire es si alguna vez volveremos a ver a Jinwoo o a Suho en una nueva historia original. La propia despedida de Daul deja entrever la posibilidad: “Tal vez, algún día, regrese en otra forma”. Y con tantos proyectos en marcha, no suena tan descabellado.
Lo que está claro es que Solo Leveling ha traspasado las fronteras del manhwa para convertirse en una franquicia multimedia global. Desde sus humildes comienzos como novela ligera hasta convertirse en un fenómeno con millones de fans, Jinwoo y compañía ya no solo pertenecen a las páginas dibujadas: son parte de la cultura pop contemporánea del entretenimiento fantástico.
¿Quién nos iba a decir que veríamos el fin tan pronto? Pero como en toda buena historia de cazadores y sombras, el último capítulo nunca es realmente el último.
En Superman #28, Joshua Williamson y Dan Mora nos traen una historia cargada de acción, giros de guion y un reencuentro inesperado. Clark Kent se ve acorralado por una versión corrupta de Saturn Girl, ahora al servicio del mismísimo Darkseid, y no tarda en caer en sus garras mentales. La salvación llega en forma del Time Trapper, que saca a Superman de ese infierno psicológico y lo lleva a un universo de bolsillo… donde le espera una vieja cara conocida.
Superboy-prime en Superman #28, el regreso más inesperado
Allí está Superboy-Prime, con su eterno gesto entre chulesco y nostálgico, consciente de que su vuelta no es cualquier cosa. Recordemos que este personaje viene de Tierra Prima, un universo que, en los cómics, representaba nuestro propio mundo. Era literalmente un fan de Superman que acabó convirtiéndose en una pesadilla para sus héroes. Pero después de años de exilio y de obtener una redención parcial en Dark Nights: Death Metal, parece que está listo para ponerse del lado del bien… aunque no sin cierto sarcasmo y actitud.
Esta versión más madura, pero igual de poderosa, promete ser la pieza clave para enfrentar lo que se avecina. Porque si hay alguien capaz de hacer frente a un Darkseid con poder absoluto —alimentado por el mismísimo Universo Absoluto—, ese es Superboy-Prime.
No es un aliado cómodo, ni mucho menos confiable del todo. Pero es fuerte. Muy fuerte.
Hoy, en cambio, parece haber aprendido la lección… aunque siga soltando pullas y comportándose como un tipo difícil.
Lo interesante aquí no es solo su brutal poder físico, sino el peso emocional que aporta a la historia. No hablamos de un Superman alternativo cualquiera. Superboy-Prime es el reflejo de lo que podría pasar si Clark perdiera el rumbo. Y ahora, el mismo universo que lo temía, lo necesita desesperadamente.
¿Qué significa esto para el futuro de DC?
Este nuevo arco parece estar colocando las piezas para un conflicto multiversal de escala colosal. Darkseid no solo está reuniendo a una Legión de versiones corruptas de los héroes del futuro, sino que también está reescribiendo las reglas del juego a través de Saturn Girl y otros antiguos aliados de Superman. Por eso, contar con Superboy-Prime no es solo una ventaja táctica, sino una jugada arriesgada con el potencial de cambiarlo todo.
¿Volverá a traicionar a todos? ¿O esta vez su redención será definitiva? Esa tensión constante es lo que convierte este número en un imprescindible.
En resumen, el regreso de Superboy-Prime no es un simple guiño nostálgico. Es una apuesta narrativa que puede enriquecer el lore actual de DC, recuperar lectores desencantados y ofrecer un personaje complejo, imprevisible y, sí, con mucho que decir aún. Superman #28 no solo recupera a un titán olvidado: lo convierte en el corazón de la lucha por el futuro del multiverso.
Y si eso no te da ganas de correr a por el cómic, quizá nada lo haga.
Los fans tendrán que esperar otros dos años, y esta vez no hay huelgas como excusa
Cuando The Last of Us llegó a HBO en 2023, no solo convenció a los gamers, sino que también atrapó a quienes no habían tocado un mando en su vida. La serie, adaptación del mítico videojuego de Naughty Dog, se convirtió rápidamente en un fenómeno televisivo. Sin embargo, la espera entre temporadas está poniendo a prueba incluso la paciencia del fan más entregado. Y ojo, porque la tercera entrega no llegará hasta 2027, algo que ha levantado más de una ceja.
La temporada 2, que finalmente verá la luz en 2025, tuvo una excusa de peso para el retraso: las huelgas de guionistas y actores (WGA y SAG-AFTRA) que paralizaron la industria. Pero ahora que esos obstáculos se han superado, muchos se preguntan: ¿qué está pasando con la temporada 3?
La razón oficial del nuevo retraso
Neil Druckmann, cocreador del juego y de la serie, ha dejado su papel como showrunner para centrarse de lleno en su trabajo en Naughty Dog, el estudio responsable del videojuego original. Esto deja el proyecto completamente en manos de Craig Mazin, guionista de Chernobyl, quien ahora pilota en solitario una serie que ha vivido hasta ahora de la sinergia creativa entre ambos.
Aunque Casey Bloys, CEO de HBO, asegura que “no está preocupado en absoluto” por esta transición, el cambio ha generado inquietud. Sin Druckmann ni la coguionista Halley Gross (también fuera del proyecto), la narrativa queda ahora en manos de un solo autor. ¿Podrá mantener el listón narrativo?
Abby tomará el protagonismo… ¿y la polémica?
La tercera temporada dará el salto más arriesgado hasta la fecha: convertir a Abby en la nueva protagonista. Si seguiste el videojuego The Last of Us: Parte II, ya sabrás que este giro no es nuevo, pero para quienes solo siguen la serie, el cambio puede ser brutal. Especialmente después de la escena más impactante de la segunda parte, en la que Abby asesina a Joel.
La actriz Kaitlyn Dever encarnará a una Abby que promete ser más humana, compleja y empática de lo que muchos creen. El reto está en lograr que el público conecte con ella después de lo ocurrido, y eso, con un fandom tan emocional como el de esta franquicia, no va a ser tarea fácil.
¿Un formato insostenible para la televisión?
La fórmula HBO de producir calidad a fuego lento tiene sus ventajas, sí, pero también riesgos. The Last of Us tendrá solo siete episodios en su segunda temporada, frente a los nueve de la primera, y el salto entre temporadas es casi tan largo como entre entregas de videojuegos. En tiempos donde otras series como Juego de Tronos o Stranger Things lograron mantener el ritmo (hasta cierto punto), ¿es lógico hacer esperar a los fans cuatro años por dos temporadas?
Aunque queda mucho camino por recorrer hasta la tercera entrega, sí sabemos que volverán Bella Ramsey como Ellie, Isabela Merced como Dina, Gabriel Luna como Tommy y Jeffrey Wright como Isaac, entre otros. Pero la gran apuesta será, sin duda, el desarrollo del personaje de Abby y su historia de redención.
Si lo hacen bien, puede convertirse en uno de los mejores giros de la serie. Si no, el backlash será épico.
Además, el tratamiento audiovisual de la serie hasta ahora ha sido fiel al juego, pero también ha aportado nuevas perspectivas. Sería interesante que la temporada 3 explore momentos inéditos de la vida de Abby antes del asesinato de Joel, aportando así un contexto más amplio para entender sus motivaciones. Con tantos meses por delante, los fans tienen tiempo para debatir, teorizar… y cruzar los dedos.
En Wolverine #11, con guion de Saladin Ahmed y dibujo de Martín Cóccolo, la emoción se convierte en tragedia en cuestión de viñetas. Tras un combate brutal contra Sabretooth, Logan cree haber salvado a su madre. Entre lágrimas, se abraza a ella… solo para descubrir que ha sido víctima de una ilusión provocada por uno de los villanos más sádicos y manipuladores: Mastermind.
Wolverine y su madre, una ilusión que se convierte en pesadilla
Esto último es especialmente significativo, ya que en el número anterior (Wolverine #10), Logan confesaba que el olor de su madre lo debilitaba emocionalmente y lo hacía sentir como un niño asustado. Esa fragilidad, completamente fuera de lo habitual en él, ha sido usada en su contra de forma magistral.
Cada viñeta del número 11 está impregnada de un dramatismo raro en los cómics de acción. Ver a un Wolverine tan emocionalmente expuesto no es común, y eso hace que el golpe duela más. No estamos ante una batalla física, sino ante una guerra emocional que Logan no ha podido ganar.
Mastermind se eleva así al nivel de los grandes villanos del universo mutante. No por su poder destructivo, sino por su capacidad para destrozar psicológicamente a sus enemigos. El hecho de que haya usado una figura tan sensible para Logan como su madre, y además aprovechando el trauma de Wolverine: The Origin, es de una crueldad refinada.
Y lo peor de todo es que ahora Logan es más manipulable que nunca. Si Mastermind ha podido hacerle creer algo tan profundo, ¿qué impide que otros enemigos lo hagan caer en nuevas trampas? Sabretooth ya ha demostrado saber jugar con la mente de su enemigo, y ahora tiene una nueva arma para seguir hiriendo donde más duele.
El rugido de un animal herido
En palabras de su propia madre —en la versión real de su infancia—, Logan fue llamado “animal” cuando ella descubrió que había matado al jardinero, que además era su verdadero padre. Ese insulto y el rechazo materno provocaron un antes y un después en su vida, llevándole a un camino de violencia y autodestrucción.
La falsa redención que ofrecía este cómic era, en realidad, una repetición perversa de su trauma original. Una promesa rota que deja a Wolverine más solo que nunca. Y esta vez, ni sus garras ni su factor curativo parecen suficientes para salvarlo de la caída emocional.
Este número, más que un cómic de superhéroes, se siente como un golpe de teatro trágico, una tragedia griega con garras de adamantium. Los lectores que esperaban redención han recibido desesperación, y eso —aunque nos duela— es narrativamente brillante.
El legado de Logan, entre la pérdida y la sucesión
Mientras Logan sufre una de sus mayores derrotas internas, otro personaje comienza a ocupar su lugar en el universo mutante. Hablamos de su hija, Laura Kinney, quien está abrazando una nueva identidad con un traje completamente renovado y una actitud más decidida que nunca. Esta evolución de Laura llega en el momento perfecto: justo cuando Logan se encuentra emocionalmente roto, su sucesora se fortalece como símbolo del futuro de los X-Men.
Esto genera un paralelismo interesante: el padre cae en el engaño y se quiebra emocionalmente, mientras la hija se levanta y redefine lo que significa ser Wolverine hoy en día. Un relevo que no se produce por edad o poder, sino por resiliencia emocional y claridad de propósito.
¿Será este el principio del fin para el viejo Logan? ¿O estamos presenciando la forja de una nueva leyenda bajo su nombre? Lo que está claro es que Marvel ha jugado fuerte, y los fans aún estamos recuperándonos del golpe.
Aunque tengan dibujitos, estas joyas del cine animado son puro fuego… para adultos
La animación no es solo cosa de niños. De hecho, si rascas un poco bajo la superficie de Mickey Mouse y compañía, encontrarás un mundo oscuro, erótico, surrealista y profundamente emocional. Un terreno donde el dibujo no adorna cuentos de hadas, sino que explora lo más crudo del alma humana, la historia, el sexo, la guerra… y hasta a los Predators.
Porque sí, hay películas animadas que jamás deberías ponerle a tu primo pequeño. Pero que tú, como buen friki cinéfilo, tienes que ver al menos una vez en la vida.
1. La tumba de las luciérnagas (1988), cuando Ghibli te destroza el alma
El contraste entre la estética Ghibli y la crudeza del argumento te deja emocionalmente noqueado. Es la prueba definitiva de que el anime no solo puede hacerte reír o emocionarte, también puede hundirte el pecho.
2. Predator: Killer of Killers (2025), sangre y cazadores en formato animado
Tres historias, tres épocas y un solo depredador que no perdona. Esta entrega animada nos muestra a los Predators en diferentes momentos históricos, usando la animación como excusa perfecta para subir el nivel de violencia al 200%. Dan Trachtenberg (el de Prey) dirige esta brutal antología que huele más a cómic que a película tradicional.
No reinventa la rueda, pero sí demuestra que el universo Predator tiene mucha más vida fuera del cine de acción tradicional, y la animación es el lienzo ideal para explorarla sin restricciones.
3. Perfect Blue (1997), el origen del terror psicológico animado
Es tan buena que cuesta creer que no sea más conocida. Eso sí: no es apta para gente con ansiedad. Te va a dejar mal.
Películas animadas para adultos que no son para todos
4. El planeta salvaje (1973), lisérgico, extraño… y brillante
Cine francés + animación + ciencia ficción + política = una experiencia psicodélica que nadie esperaba pero que todos deberían ver. Esta película mezcla metáforas sobre el racismo y la opresión con un diseño visual que parece salido de una pesadilla de Dalí. No es fácil de digerir, pero eso la hace aún más especial.
5. Mad God (2021), el infierno según Phil Tippett
30 años tardó Tippett en terminar esta monstruosidad. Y lo decimos como piropo. Mad God es una odisea stop-motion en la que un mensajero atraviesa paisajes infernales llenos de criaturas biomecánicas y suciedad industrial. Es cine experimental en su máxima expresión.
No hay una historia clara, pero la experiencia visual es tan intensa que no necesitas un guion. Es como estar dentro de un mal viaje… pero sin moverte del sofá.
6. Belladonna of Sadness (1973), sexo, venganza y arte
7. American Pop (1981), la música como motor vital
Ralph Bakshi se marcó aquí un viaje musical y generacional a través del siglo XX estadounidense, usando la animación rotoscópica como si fuera una canción visual. Drogas, guerras, amores y guitarras suenan de fondo mientras la historia de una familia fluye entre estilos musicales.
No es perfecta, pero sí arriesgada y auténtica, algo que en los 80 era impensable en animación made in USA.
8. Fritz the Cat (1972), el gato más pasado de rosca del cine
R. Crumb nunca estuvo muy cómodo con esta adaptación, pero eso no impidió que la película rompiera todos los esquemas de lo que se podía hacer con animación en el cine occidental. Sexo, drogas, política, racismo… todo pasado por el filtro de un gato libertino con complejo de filósofo universitario.
La película está totalmente desfasada hoy, pero fue pionera. Sin Fritz, probablemente no existirían muchas de las pelis de esta lista.
9. Heavy Metal (1981), música, violencia y ciencia ficción sin filtros
Si te molan los metalheads, los bárbaros y las naves espaciales… esta película es para ti.
10. Anomalisa (2015), el alma de Charlie Kaufman en plastilina
Stop-motion y existencialismo no suelen ir juntos, pero Charlie Kaufman siempre va a su bola. Esta joya intimista nos mete en la mente de un tipo atrapado en la rutina, incapaz de conectar con nadie… hasta que aparece ella. Con un realismo emocional que desarma, Anomalisa demuestra que la animación puede ser tan madura como cualquier drama de Oscar.
No hay anuncio oficial, ni teaser escondido ni spoiler filtrado… pero los fans no necesitan más que una foto para dejar volar la imaginación. Brooks publicó en sus stories de Instagram una imagen junto a Corenswet, acompañada de un mensaje de apoyo: “Muy orgullosa de ti”. Y aunque eso, de por sí, no diría demasiado, lo jugoso del asunto es que él lleva puesto su traje de Superman con marcadores VFX, esos puntitos que se usan para aplicar efectos digitales en postproducción.
La cuenta The Hollywood Handle fue la primera en recoger la imagen, y desde entonces, X (antes Twitter) se llenó de conjeturas. Porque aunque no hay confirmación por parte de Warner Bros. ni de James Gunn, el contexto sí invita a soñar.
“Lo veréis antes de lo que pensáis”
En una entrevista reciente para el Phase Hero Podcast, James Gunn dejó caer una frase que ha servido de combustible para este fuego fan:
“Un par de años… Bueno, no, lo veréis antes de eso. Sí, veréis al personaje antes de entonces”.
Y ojo, que hay más contexto interesante: el propio Corenswet expresó en su día interés en que su Superman participara en un proyecto con calificación R. ¿Y qué mejor que Peacemaker, que no se corta ni un pelo en violencia, lenguaje o incorrección política?
“Me encantaría verle en algo como Lanterns, con ese rollo True Detective. Creo que es posible, incluso con lo brillante y alegre que es esta versión del personaje”.
Es decir, aunque Superman mantenga ese aire optimista, no le vendría mal un baño de realidad sucia junto a personajes como Vigilante, Adebayo o el propio Peacemaker.
El regreso de Peacemaker y el papel de Superman
A pesar de los rumores, nada está confirmado sobre una aparición oficial de Superman en Peacemaker, pero lo cierto es que la serie de John Cena se ha ganado el derecho a recibir visitas estelares del nuevo universo DC.
Con su humor gamberro, acción sin filtro y corazón escondido entre explosiones y balas, la serie es uno de los pilares más sólidos del nuevo DCU de Gunn. Y si algo ha demostrado el director, es que le encanta entrelazar personajes, cameos y construir un universo coherente desde los pequeños detalles.
La segunda temporada de Peacemaker se estrena el 21 de agosto en HBO Max, con 8 episodios en los que veremos de nuevo a Cena, Brooks, Jennifer Holland, Freddie Stroma y Frank Grillo, entre otros.
¿Un cameo o algo más?
El detalle de los marcadores VFX en el rostro de Corenswet en la foto es lo que más ha encendido las alarmas. ¿Por qué estaría maquillado para CGI si no es para una aparición en pantalla?. Podría ser un flashback, una secuencia onírica o incluso una escena post-créditos. Pero también podría no ser nada: una visita al set, una sesión de pruebas o incluso algo de trolleo interno del equipo.
Sabemos que el traje de Superman se emplea con frecuencia para efectos digitales complejos, como el vuelo o el uso de visión láser, así que ese traje con puntos no es solo un disfraz… es una pista visual que muchos no han querido dejar pasar por alto.
El hype está servido
Aunque James Gunn aún no ha querido soltar prenda, su estilo juguetón con los fans y los guiños constantes que deja en redes dan pie a pensar que algo se está cocinando.
Sea un cameo, una misión compartida o solo un guiño, la aparición de Superman en la serie sería un bombazo para conectar más piezas del nuevo universo DC. Y conociendo a Gunn… no es tan loco pensarlo.
¿Tú qué crees? ¿Está James Gunn jugando con nosotros o estamos a punto de ver una dupla Cena-Corenswet que podría marcar época?
El último título de Ubisoft cumple las expectativas y promete más contenido antes de Navidad
Parece que la jugada le ha salido bien a Ubisoft:Assassin’s Creed Shadows ha superado ya los 5 millones de jugadores únicos desde su lanzamiento, consolidándose como uno de los lanzamientos más potentes del estudio en los últimos tiempos. La información la ha confirmado el propio CEO de Ubisoft, Yves Guillemot, en el último informe financiero, donde asegura que el título ha “cumplido con las expectativas”, algo que no es poca cosa tras varios años de retrasos, problemas técnicos y lanzamientos con luces y sombras.
Y es que no solo ha funcionado en ventas: según los datos oficiales compartidos por Ubisoft, los jugadores han acumulado ya más de 2.000 millones de asesinatos sigilosos, han recorrido 1.000 millones de kilómetros y, en lo que se ha convertido en un auténtico sello de identidad para la comunidad gamer, han acariciado a más de 38 millones de animales. Porque sí, si algo hemos aprendido en esta generación, es que la posibilidad de mimar a un animal en plena aventura puede ser más relevante que el sistema de combate.
Assassin’s Creed Shadows y su recibimiento entre los fans
Además, Ubisoft ya tiene preparado el siguiente paso: Claws of Awaji, una expansión prevista para el segundo trimestre, que añadirá más de 10 horas de contenido adicional, incluyendo una nueva arma, habilidades y más misiones. Esto apunta a una estrategia de largo recorrido para mantener viva la experiencia durante los próximos meses, especialmente con vistas a la temporada navideña.
A nivel comercial, Guillemot ha reconocido también que el juego responde bien a las bajadas de precio, por lo que no sería raro verlo con descuentos agresivos pronto. Aunque el desarrollo costó más de 100 millones de dólares, parece que la apuesta ha valido la pena.
Un nuevo aire para la franquicia
Después de unos años de incertidumbre y cierta fatiga entre los fans, Assassin’s Creed Shadows parece haber dado con la fórmula adecuada: un contexto histórico atractivo (Japón feudal), personajes interesantes, una historia envolvente y un gameplay que mezcla sigilo, combate y exploración con bastante acierto.
Naoe, la kunoichi protagonista, ha ganado rápidamente popularidad por su enfoque más clásico del sigilo, mientras que Yasuke, el samurái de origen africano inspirado en hechos reales, aporta un enfoque más directo y brutal al combate. Esta dualidad jugable le da variedad a la experiencia y ha sido uno de los aspectos mejor valorados por la crítica y la comunidad.
Uno de los detalles que más ha llamado la atención del informe de Ubisoft no ha sido el número de ventas ni las horas jugadas, sino ese peculiar dato de los 38 millones de animales acariciados. Ya pasó algo similar con Ghost of Tsushima en 2020, cuando sus jugadores mimaron zorros casi 10 millones de veces.
Y es que en pleno 2025, incluir animales acariciables se ha convertido casi en un requisito no escrito para cualquier mundo abierto que aspire a convertirse en viral. Las redes lo saben, los jugadores lo agradecen, y las empresas… lo monetizan.
