Milly Alcock promete una Supergirl que brillará en cines y Nathan Fillion presume corte tazón

Por
Miguel Á. Fernández
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Supergirl: Woman of Tomorrow

La nueva era del DCU calienta motores con declaraciones jugosas sobre Superman y Supergirl

Desde el rodaje hasta las entrevistas, los actores que darán vida a los nuevos héroes del universo DC empiezan a soltar pequeñas bombas que ilusionan a los fans. Nathan Fillion, que se pondrá en la piel del peculiar Green Lantern Guy Gardner, no oculta su entusiasmo por un detalle muy concreto: el infame corte de pelo tazón. Sí, has leído bien. Y mientras tanto, Milly Alcock, la joven promesa salida de House of the Dragon, no solo confirma que Supergirl: Woman of Tomorrow ya está rodada, sino que promete que su debut cinematográfico será todo un viaje intergaláctico con sabor a western galáctico.

La nueva Supergirl y un linterna verde con nostalgia noventera

“Llevo años queriendo un corte tazón. ¡Y ahora lo tengo!”, confesaba Fillion con una sonrisa en plena promoción de la nueva temporada de The Rookie. Más allá del peinado, el actor destaca lo alucinante que es compartir escena con Superman, Hawkgirl y Mr. Terrific, como si cada día en el set fuera una fantasía hecha realidad para su yo adolescente lector de cómics.

Supergirl

Y es que Guy Gardner no es un Green Lantern cualquiera, sino uno de los más polémicos y extravagantes. Chulo, provocador y con una actitud que va a generar tanto amor como hate entre el público, su estética noventera con el peinado más memeable del DCU promete dar mucho que hablar.

Por su parte, Milly Alcock ya terminó el rodaje de Supergirl: Woman of Tomorrow y se ha lanzado a la promoción de su serie Sirens en Netflix, pero es inevitable que le pregunten por su salto al cine como la prima de Superman. “Estoy muy emocionada. Creo sinceramente que será una gran película. Es mi primera película y eso lo hace aún más especial”, compartía con medios.

La herencia kryptoniana sigue creciendo en el nuevo dcu

Superman, dirigida por James Gunn y con estreno previsto para el 11 de julio de 2025, será la puerta de entrada al capítulo uno del nuevo DCU: Dioses y Monstruos. La historia mostrará a Clark Kent intentando encontrar el equilibrio entre su origen kryptoniano y su crianza humana. En este film veremos por primera vez a Fillion como Guy Gardner, un Linterna Verde que también tendrá protagonismo en la futura serie de HBO, Lanterns.

nathan fillion linterna verde superman

Pero Alcock se robará el foco un año después, cuando Supergirl: Woman of Tomorrow llegue a los cines el 26 de junio de 2026. Esta adaptación del aclamado cómic de Tom King y Bilquis Evely nos mostrará una Kara Zor-El más dura, solitaria y curtida que la que muchos recuerdan. Acompañada por su fiel perro Krypto y una joven llamada Ruthye Marye Knoll, Kara se verá envuelta en una misión de venganza en los confines del universo.

“Es una Supergirl que ha visto cosas, que ha vivido traumas y que no se fía de nadie”, adelantó Alcock en otra entrevista con DCFilmgirl. El cómic en el que se basa fue todo un éxito de crítica, precisamente por presentar una versión más compleja y madura del personaje, alejada del arquetipo inocente y siempre optimista.

La fórmula gunn-safran: arranque con sabor clásico y sangre nueva

Con James Gunn al timón y Peter Safran como socio estratégico, el nuevo universo DC apuesta por un equilibrio entre personajes clásicos y nuevas miradas. Aunque aún falta por ver cómo encajan todas las piezas, el tono que están marcando estos anuncios promete algo más fresco, arriesgado y, sobre todo, coherente. Algo que muchos fans han echado de menos en el ya extinto DCEU.

Milly Alcock promete una Supergirl que brillará en cines y Nathan Fillion presume corte tazón

En resumen, el hype empieza a carburar. Guy Gardner llegará con su chulería retro bajo el brazo, mientras que Supergirl romperá con los moldes del personaje que conocíamos hasta ahora. Si todo va como está previsto, DC puede estar a las puertas de una nueva etapa dorada, con un Superman renovado, una Supergirl estelar y un Linterna Verde dispuesto a encender el caos… o la esperanza.

Los Simpson cierran etapa con Rasca y Pica… ¿pero de verdad se van?

Por
Miguel Á. Fernández
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El final de la temporada 36 cambia el juego para Bart y Lisa, pero los guionistas tienen otros planes

Desde los inicios más salvajes de Springfield hasta las aventuras actuales más surrealistas, hay una dupla que ha sangrado (literalmente) cada rincón de la historia de Los Simpson: Rasca y Pica. Pero en el final de la temporada 36, algo cambió. Bart y Lisa, tras décadas de carcajadas gore frente al televisor, deciden que ya han tenido suficiente de ese humor ultraviolento… Y claro, eso ha dejado a más de un fan pensando: ¿es este el adiós definitivo del gato y el ratón más destructivos de la tele?

La respuesta es: no tan rápido. Aunque el episodio Estranger Things (sí, con ese juego de palabras) plantea una ruptura emocional entre los hermanos Simpson a raíz de su desinterés por El Show de Rasca y Pica, el guionista Tim Long ha dejado claro que esto no significa que desaparezcan para siempre.

La continuidad en los Simpson: un juego elástico

“Respeto a quienes se preocupan por la continuidad”, dice Tim Long en una entrevista con Cracked, “pero siempre he sentido que no sabes realmente en qué orden ocurren los eventos.” Y es que si algo ha caracterizado a Los Simpson durante sus 37 temporadas es esa capacidad para reírse incluso de su propia cronología. Aquí, los personajes no envejecen, los eventos se resetean y los cambios, cuando llegan, a veces duran solo un capítulo… o menos.

Long lo tiene claro: “Esto es una entidad que se auto-genera. Entiendo a quienes se molestan por los cambios, pero también les diría que hagan una serie que dure casi 40 años sin tener cierta flexibilidad.”

Los Simpson cierran etapa con Rasca y Pica… ¿pero de verdad se van?

En otras palabras, Los Simpson son tan longevos que las reglas no escritas de la televisión se han vuelto casi… opcionales.

¿Y entonces qué pasa con Rasca y Pica?


A pesar de que Bart y Lisa parecen pasar página en el último episodio, los guionistas no tienen ninguna intención de desterrar al dúo animado. Tim Long lo resume sin rodeos: “Por supuesto que volveremos a ver a Bart y Lisa viendo Rasca y Pica. Jamás los eliminaríamos.”

Esta afirmación tranquiliza a los fans más veteranos que han visto en este show dentro del show una sátira constante al consumo televisivo, la censura, y la evolución (o involución) del entretenimiento infantil.

La lógica de un cartoon eterno

Los Simpson nunca han sido una serie con una lógica férrea. Es una serie que juega, exagera, parodia y que se ha ganado su lugar como icono pop precisamente por su naturaleza mutante. Tim Long lo define con una frase sacada de una canción setentera: “Hold on loosely, but don’t let go.” Esa es, según él, la filosofía del equipo respecto a la continuidad.

Los Simpson

Y sí, eso explica por qué personajes como Roy aparecieron un día para “vivir con los Simpson”… y luego jamás se mencionaron. Porque no hace falta. Porque Los Simpson saben cuándo romper la cuarta pared y cuándo volver a construirla con ladrillos amarillos (o rosados, según el decorado).

El legado de Rasca y Pica

Aunque ahora Lisa prefiere leer y Bart tiene nuevos intereses, Rasca y Pica siguen siendo parte del ADN de Los Simpson. Son más que violencia absurda: son un espejo satírico que ha reflejado, desde los 90, temas como la hipocresía moral, la influencia de la televisión, la manipulación mediática o el sensacionalismo.

Y aunque en Estranger Things parece que sus días están contados, en el universo simpsoniano nada está realmente muerto (ni siquiera los personajes que explotan o son decapitados por enésima vez).

Los Simpson

Los Simpson siguen, y también Rasca y Pica

El showrunner Al Jean y el creador Matt Groening saben lo que hacen. Rasca y Pica volverán, aunque sea como un gag, un recuerdo o una nueva reinvención. Porque en Springfield, todo puede cambiar… pero también todo puede volver.

Y si no, como diría Homero: “¡D’oh!”.

Jurassic World Rebirth desata la locura con nuevos dinosaurios en su último spot televisivo

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Miguel Á. Fernández
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Jurassic World Rebirth

Titanosaurus, Quetzalcoatlus y Mosasaurus rugen con fuerza en el avance más salvaje hasta la fecha

Prepárate para sentir la vibración de la tierra bajo tus pies. Universal Pictures acaba de soltar una auténtica bomba en forma de nuevo spot televisivo de Jurassic World Rebirth, donde se presentan imágenes inéditas de tres criaturas gigantescas que prometen ponerlo todo patas arriba: Titanosaurus, Quetzalcoatlus y Mosasaurus. El tráiler completo se estrena mañana, pero este adelanto ya ha hecho temblar a medio internet.

Scarlett Johansson, que encabeza el reparto como la agente encubierta Zora Bennett, se adentra en terreno hostil en una misión que mezcla ciencia y supervivencia. ¿Su objetivo? Nada menos que extraer ADN de los tres titanes más grandes de tierra, mar y aire. ¿La razón? En sus genes podría esconderse la clave para un fármaco milagroso capaz de salvar millones de vidas.

Jurassic World Rebirth: una nueva era de dinosaurios

Este nuevo capítulo llega tres años después de que concluyera la trilogía Jurassic World, con cada película superando los mil millones de dólares en taquilla. Ahora, con Rebirth, la saga toma una dirección totalmente distinta, apostando por el suspense y la ciencia ficción, sin perder el toque espectacular que tanto nos gusta.

Jurassic World Rebirth

Y ojo, que no hablamos solo de acción y rugidos. El director Gareth Edwards (Rogue One, Godzilla) ha construido un mundo visualmente brutal, y cuenta con el guion de David Koepp, el mismo que nos dio el primer Jurassic Park. Vamos, que el legado está en buenas manos.

La historia arranca cinco años después de Jurassic World Dominion. El planeta ya no es un lugar seguro para los dinosaurios, y los pocos que quedan viven en zonas tropicales muy específicas. Es allí donde el equipo de Zora debe adentrarse, pero como era de esperar, las cosas no salen según lo planeado. Una familia atrapada tras un accidente marítimo y una isla olvidada llena de secretos de Jurassic Park complicarán (mucho) la operación.

“Una nueva era ha nacido”, reza el spot, y no es exageración. La producción apuesta fuerte por un tono más maduro, intenso y de supervivencia, recordando por momentos a clásicos del cine de aventuras con tintes de ciencia.

Jurassic World Rebirth desata la locura con nuevos dinosaurios en su último spot televisivo

Además de Johansson, el reparto cuenta con auténticos pesos pesados: Mahershala Ali, Jonathan Bailey, Rupert Friend, Manuel Garcia-Rulfo, Luna Blaise, David Iacono, Audrina Miranda, Philippine Velge, Bechir Sylvain y Ed Skrein. Un elenco diverso y cargado de talento que promete drama, emoción y algún que otro susto.

¿Cuándo se estrena?

Marca en rojo el 2 de julio, porque ese día Jurassic World Rebirth rugirá con fuerza en los cines. Y según los expertos en taquilla, podría arrasar en pleno verano, superando incluso a grandes títulos como Superman y The Fantastic Four: First Steps.

El tráiler completo, que se lanza mañana, podría verse junto a los estrenos de Mission: Impossible – The Final Reckoning y el live-action de Lilo & Stitch. Vamos, que Universal se está preparando para una campaña de promoción a lo grande.

jurassic world

Por si fuera poco, la peli ha sido votada como la más esperada del verano por los usuarios de Fandango. No es poca cosa teniendo en cuenta la competencia superheroica que se viene. Pero claro, los dinosaurios tienen ese no sé qué que sigue enganchando a generaciones enteras de fans.

Este nuevo enfoque parece mezclar lo mejor del cine de aventuras con una intriga casi de thriller biotecnológico, donde el verdadero enemigo puede no ser el diente afilado, sino el secreto que alguien lleva décadas ocultando en esa isla.

Habrá que ver si el film cumple con las expectativas. Pero si el spot ya nos ha dejado con la mandíbula desencajada, el tráiler promete un auténtico festín visual. ¿Volverá la franquicia a dominar la taquilla mundial? Todo apunta a que sí.

Un cráneo Gungan con el símbolo de Revan en Andor enciende las teorías más oscuras de Star Wars

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Miguel Á. Fernández
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Star Wars - The Mandalorian - Andor - Ahsoka - Disney

La temporada 2 de Andor incluye una referencia brutal a Knights of the Old Republic que podría cambiar el canon

Un detalle escondido en una estantería ha desatado una tormenta en la galaxia. En el episodio 10 de la segunda temporada de Andor, una simple escena en la tienda de Luthen ha provocado escalofríos entre los fans más veteranos de Star Wars. Allí, entre artefactos antiguos y reliquias galácticas, aparece un cráneo gungan con inscripciones doradas, y en él, nada más y nada menos que el símbolo del Imperio Sith de Darth Revan.

Sí, ese Revan, el que los jugadores conocieron en Knights of the Old Republic, el RPG de culto de BioWare lanzado en 2003. Aunque ya se le había mencionado de forma indirecta en el canon oficial gracias a The Rise of Skywalker, Andor da un paso más y recanoniza una parte clave de su legado en el universo oficial.

El símbolo de Revan y lo que podría significar

Durante el tenso cara a cara entre Luthen Rael y la Supervisora Dedra Meero, la cámara muestra el susodicho cráneo gungan con unas marcas que los más observadores han identificado como el emblema del Imperio Sith de Revan. Aunque es fácil pasarlo por alto, algunos fans como @TodayInTor lo han confirmado comparando las imágenes con los diseños de KOTOR.

Andor - Star Wars -

Esto es importante porque no solo recupera la simbología del Sith más legendario del universo Legends, sino que insinúa que su Imperio —y por tanto su historia— están empezando a formar parte del canon oficial de Disney. Si a eso le sumamos que ya se ha hablado de los Rakatans y la Star Forge en Andor, todo encaja.

La Star Forge, para quien no lo recuerde, era una megaestructura construida por la Antigua Raza Rakata que Revan y su aprendiz Malak utilizaron para fabricar una flota Sith casi imparable. Que se mencione esta tecnología y que ahora su emblema esté grabado sobre restos encontrados en el Borde Medio… da para pensar.

Naboo, más oscuro de lo que parece

La elección de un cráneo gungan como soporte para el símbolo no parece aleatoria. Recordemos que Naboo es el planeta natal del mismísimo Palpatine, el mayor villano de la saga. En el nuevo canon, se sugiere que el Emperador tenía allí un observatorio Sith, situado en zonas donde la energía del Lado Oscuro es particularmente intensa.

¿Podría esto significar que Naboo fue en el pasado un punto clave para el Imperio de Revan? Tal vez. Las piezas empiezan a encajar: Sith antiguos, tecnología ancestral, y un planeta que siempre ha tenido una relación subterránea con el mal.

Un cráneo Gungan con el símbolo de Revan en Andor enciende las teorías más oscuras de Star Wars

Este pequeño detalle en Andor no solo amplía el lore de Revan, sino que vincula su legado a una de las localizaciones más importantes de toda la saga.

El guiño a la teoría de Darth Jar Jar

No podemos pasar por alto el detalle más curioso de todo esto: muchos fans no han tardado en conectar este cráneo con la mítica teoría fan de Darth Jar Jar, esa locura que defendía que el torpe gungan era en realidad un maestro Sith encubierto.

Aunque Andor no lo confirma —ni falta que hace—, la inclusión de un cráneo gungan con simbología Sith parece un homenaje descarado a esa broma convertida en leyenda urbana. De hecho, según un post de Reddit de alguien que trabajó en la serie, el guiño fue totalmente intencionado.

Revan, cada vez más canon

La presencia del emblema Sith de Revan en Andor suma un nuevo elemento a la lenta canonización del personaje. Su nombre ya había sido utilizado para designar una de las legiones de los Sith Eternal en The Rise of Skywalker, pero nunca se había profundizado en su historia.

Un cráneo Gungan con el símbolo de Revan en Andor enciende las teorías más oscuras de Star Wars

Con esta aparición, Andor ofrece la posibilidad de reintroducir a Revan de forma más directa. Ya sea en una futura serie, videojuego o incluso en una de las próximas películas, lo cierto es que el terreno está más que abonado para su regreso. Y con el remake de KOTOR aún en desarrollo (aunque con retrasos interminables), el hype por este personaje no hace más que crecer.

Una tienda que esconde toda la historia galáctica

Luthen Rael se ha convertido en una mina de referencias para los fans más atentos. Su tienda de artefactos raros en Coruscant ya nos había dejado easter eggs jugosísimos como las piedras Sankara de Indiana Jones. Pero este cráneo gungan con el símbolo de Revan puede que sea el más importante hasta ahora, por lo que implica a nivel narrativo y de construcción de mundo.

Andor ha sido celebrada precisamente por evitar el fan service fácil. Sin embargo, cuando decide dejar pistas, lo hace con una elegancia y una intención narrativa que elevan aún más su ya altísimo nivel.

AnimeHeaven desaparece entre sombras, la caza de piratería anime no da tregua

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Miguel Á. Fernández
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Anime

Los fans se quedan sin acceso tras una ofensiva masiva de DMCA que ha borrado miles de episodios del popular sitio

Durante años, AnimeHeaven fue el refugio digital de millones de fans del anime, un lugar donde One Piece, My Hero Academia, Fire Force y otros títulos se veían sin complicaciones. Pero esa etapa ha llegado abruptamente a su fin: todos los episodios de la web han sido desactivados tras un aluvión de reclamaciones por derechos de autor.

Con más de 11,6 millones de visitas mensuales, AnimeHeaven se había convertido en uno de los grandes titanes de la distribución no oficial de anime. Su tráfico venía principalmente de Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Filipinas y Japón. Hoy, su contenido ha desaparecido por completo.

Caída de animeheaven por acción de DMCA

Entrar ahora en la página solo te devuelve un mensaje escueto pero contundente: “El episodio ya no está disponible porque los trolls del DMCA eliminaron el servidor de vídeo”. Así, sin aviso ni despedida, se apaga otra estrella en el universo gris de la piratería anime.

AnimeHeaven

Este caso no es aislado. Forma parte de una ola creciente de acciones legales contra webs de anime y manga pirata. A lo largo de los últimos años, nombres como Gogoanime (antes Anitaku), Aniwatch (ahora HiAnime) o la mítica KissAnime han sido objeto de persecución judicial. El objetivo está claro: desmantelar los grandes portales de acceso gratuito a contenido protegido por copyright.

Y la ofensiva no se limita al anime. En el ámbito del manga, MangaDex sufrió recientemente una purga masiva: más de 7.000 títulos eliminados tras otra ronda de avisos DMCA. La propia web se vio obligada a emitir un comunicado negando su supuesta transformación en una plataforma legal como Crunchyroll, cuya historia curiosamente empezó también en la frontera de lo ilegal antes de volverse legítima.

“No nos estamos convirtiendo en Crunchyroll”, afirmaron desde MangaDex, tras ver eliminado casi el 25% de sus capítulos.

Detrás del telón: ¿quién está moviendo los hilos?

Uno de los nombres que empieza a sonar con fuerza en estas acciones legales es Kakao Entertainment, conglomerado surcoreano responsable también de la caída de Tachiyomi, una popular app para leer manga, eliminada en 2024.

episodios de relleno en anime

Aunque AnimeHeaven todavía no ha hecho ningún comunicado oficial, su silencio dice mucho. La presión legal parece haber alcanzado un punto de no retorno, y ni siquiera los grandes nombres del sector parecen a salvo. La duda que queda en el aire es: ¿puede la industria ofrecer alternativas atractivas que realmente frenen el fenómeno de la piratería?

Porque una cosa está clara: los fans no piratean solo por costumbre. Muchas veces es por falta de acceso, precios abusivos o localizaciones limitadas. Cuando una serie tarda meses en llegar doblada o ni siquiera está disponible en ciertos países, ¿qué opciones reales le quedan al fan?

Una industria en transición (y en tensión)

Este caso vuelve a poner sobre la mesa el debate entre derechos de autor y accesibilidad cultural. Las empresas buscan proteger su contenido —con razón—, pero la represión sin ofrecer soluciones prácticas solo crea nuevos clones o rutas alternativas. Es como cortar la cabeza de una hidra.

crunchyroll NYCC

Y mientras tanto, el fandom pierde. AnimeHeaven era más que un sitio de enlaces. Para muchos, era el primer paso hacia el anime, una puerta de entrada al universo otaku que luego derivaba en suscripciones, merchandising y convenciones. Su desaparición deja un vacío que no será fácil de llenar.

En resumen, el mensaje es claro: la batalla legal contra la piratería sigue escalando, y los efectos empiezan a notarse. Pero si no se ofrece una experiencia legal tan buena o mejor que la alternativa pirata, la guerra está lejos de ganarse.

Predator viaja por la historia para cazar a los guerreros más letales en su primer salto a la animación

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Miguel Á. Fernández
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Una vikinga, un ninja y un piloto de la Segunda Guerra Mundial se enfrentan al cazador definitivo en la nueva película animada de la saga Predator

Cuando creíamos que lo habíamos visto todo en el universo Predator, llega una propuesta que cambia por completo las reglas del juego. El cazador alienígena más temido del cine da el salto a la animación con Predator: Killer of Killers, una película antológica que mezcla historia, ciencia ficción y acción brutal en un cóctel que promete dejar a los fans con la boca abierta. Pero no es solo el formato lo que llama la atención, sino el inesperado y potente reparto de voces que acompaña esta nueva entrega.

Predator: killer of killers llega para reinventar la franquicia

El tráiler oficial, ya disponible en Hulu, nos presenta una premisa tan loca como irresistible: tres guerreros legendarios de distintas épocas se convierten en presas del mismo depredador. Hablamos de una implacable saqueadora vikinga, un ninja del Japón feudal enfrentado a su propio hermano samurái, y un piloto aliado que surca los cielos durante la Segunda Guerra Mundial. Todos ellos con algo en común: son letales. Pero frente al Killer of Killers, eso no basta.

Predator

La sinopsis oficial no deja lugar a dudas: “Aunque todos estos guerreros son asesinos por derecho propio, no son más que presas para su nuevo oponente: el asesino de asesinos”. Sí, Predator regresa, pero esta vez como una sombra que acecha en distintas épocas, cazando a los mejores de los mejores.

Y como si esto no fuera ya bastante rompedor, el proyecto cuenta con un peso pesado tras la cámara: Dan Trachtenberg, el director que revitalizó la saga con Prey en 2022. Aquí repite en la dirección junto a Micho Robert Rutare, que también firma el guion.

Un reparto de voces que hará salivar a los fans del sci-fi

La animación permite llevar la violencia estilizada y el diseño de criaturas a otro nivel, pero el alma de toda historia está en sus personajes. Por eso destaca el casting de voces, que si bien es reducido, está lleno de guiños para los más frikis. Entre los actores confirmados están Lindsay LaVanchy, Louis Ozawa Changchien (que ya participó en Predators de 2010), Rick Gonzalez… y atención: Michael Biehn.

Predator viaja por la historia para cazar a los guerreros más letales en su primer salto a la animación

Sí, el mismo Biehn que fue Kyle Reese en Terminator y Hicks en Aliens. Con Predator: Killer of Killers, completa la sagrada trilogía de franquicias sci-fi más icónicas del cine. Solo un puñado de actores puede decir que ha estado en Alien, Terminator y Predator. Entre ellos, los míticos Lance Henriksen y Bill Paxton. Biehn se une ahora a ese exclusivo club.

Este tipo de detalles no son casuales. Son regalos para los fans, pistas que demuestran que los responsables de este proyecto aman el género tanto como quienes lo seguimos desde los ochenta.

Dos películas de predator en un solo año: animación y acción real

Pero la cosa no se queda ahí. Hulu ha confirmado que tan solo cinco meses después del estreno animado, llegará una nueva película live-action titulada Predator: Badlands, también dirigida por Trachtenberg. Esta vez nos lleva al futuro, en un planeta remoto donde un joven depredador repudiado se une a una humana (Elle Fanning) para buscar a su enemigo definitivo.

Predator viaja por la historia para cazar a los guerreros más letales en su primer salto a la animación

Este doblete convierte 2025 en un año histórico para la saga Predator, con dos propuestas que expanden el universo desde ángulos completamente diferentes: uno animado y épico; el otro más introspectivo y futurista.

Predator: Killer of Killers se estrena el 6 de junio de 2025 en Hulu, abriendo un nuevo capítulo que mezcla tradición, sangre y ciencia ficción en una misma pantalla.

Nathan Fillion cumple su sueño de la infancia de ser un Green Lantern en Superman

Por
Jesús Reche Alonso
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Nathan Fillion

El actor de The Rookie, Nathan Fillion, recuerda con emoción sus días como coleccionista de cómics… mientras se prepara para repartir luz esmeralda en el nuevo DCU

Nathan Fillion cumple su sueño de la infancia de ser un Green Lantern en Superman

Cuando eres crío y te devoras cómics como si fueran cereales, sueñas con cosas como volar, lanzar rayos o salvar el universo junto a tus héroes favoritos. Para Fillion, ese sueño no solo se mantuvo vivo… ¡ahora lo vive de verdad! Y es que el actor acaba de compartir lo que siente al convertirse en Guy Gardner, uno de los Green Lanterns más polémicos de DC, en la próxima película Superman de James Gunn.

Guy Gardner, el Green Lantern que nadie esperaba

“Ser parte de la nueva película de Superman es un sueño más allá de lo que jamás imaginé”, escribió el actor en Instagram. “De pequeño coleccionaba cómics. Imagínate decirle a ese niño que de adulto volaría junto a Superman, llevando el anillo de Green Lantern.”

No estamos hablando del clásico Hal Jordan ni del serio John Stewart. Fillion interpretará al bocazas por excelencia del cuerpo de Linternas Verdes: Guy Gardner, el mismo que suele caer mal a casi todos… excepto a James Gunn, al parecer.

“James Gunn me pone en todo lo que hace. Es leal a más no poder. Me toca ser Gardner, el Green Lantern que nadie quiere, pero aún así, uno de ellos”, bromeó Fillion con su habitual sentido del humor.

Y es que ese tono irreverente es precisamente lo que define al personaje. Guy Gardner no es el más querido del equipo, pero sí uno de los más auténticos. Tiene una arrogancia contagiosa y esa peligrosa (y a veces hilarante) capacidad de creer que puede enfrentarse incluso a Superman… aunque evidentemente no pueda.

“Si tiene un superpoder, probablemente sea su exceso de confianza. Cree que puede con Superman. No puede, ¡pero eso no le impide intentarlo!”, soltó el actor entre risas.

Guy Gardner, Hal Jordan y John Stewart juntos en HBO

Y esto no se queda solo en la gran pantalla. Fillion también aparecerá en la serie de HBO Lanterns, en la que su personaje compartirá escena con Hal Jordan (interpretado por Kyle Chandler) y John Stewart (Aaron Pierre). Tres Linternas Verdes con personalidades totalmente distintas. Si eso no es una receta para el drama (y la comedia), no sabemos qué lo es.

Nathan Fillion cumple su sueño de la infancia de ser un Green Lantern en Superman

Hal, el piloto valiente y carismático. John, el soldado serio y disciplinado. Y Guy, el tipo que se cree el mejor del universo aunque nadie más lo piense. Solo imaginar la tensión y los piques entre estos tres ya nos da ganas de preparar las palomitas.

Un regalo muy especial

Pero si algo demuestra que Fillion sigue siendo ese niño que adoraba los cómics, es su emoción al recibir un regalo muy particular de parte de un amigo cercano, Bill Roe: la primera aparición de Guy Gardner en un cómic de 1968, completamente intacto.

“Qué tesoro tan raro, tanto el cómic como tú, Bill Roe. Sabes cómo hacer que un tipo se sienta especial. Te quiero”, publicó conmovido Fillion.

Conocido por sus papeles en Firefly, Castle o The Rookie, Nathan Fillion siempre ha sido un actor querido por los fans, sobre todo por su autenticidad. Y ahora, al convertirse en un Linterna Verde en el nuevo universo cinematográfico de DC, lo único que ha hecho es ganarse todavía más cariño. Porque no solo interpreta a un héroe: él mismo es uno de nosotros.

El Green Lantern de Nathan Fillion

Fillion dará vida a Guy Gardner, un miembro de los Lanterns famoso por su temperamento, su arrogancia y su habilidad para meterse en líos. Aunque muchos lo consideran insoportable, James Gunn lo ha elegido como parte fundamental del nuevo DCU, y eso dice mucho del tono que quiere imprimirle a este universo.

Nathan Fillion cumple su sueño de la infancia de ser un Green Lantern en Superman

Además, con Superman (prevista para 2025) y Lanterns (en desarrollo con HBO), parece que tendremos Green Lantern para rato. Y si Gardner sobrevive a sus propias metidas de pata, seguro que lo veremos protagonizando más de un momento épico… o vergonzoso. ¡Quién sabe!

Hideo Kojima fichó a Margaret Qualley gracias a este anuncio alocado de Spike Jonze

Por
Jesús Reche Alonso
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Hideo Kojima

Un perfume, un baile surrealista y Hideo Kojima: así nació una de las colaboraciones más inesperadas del mundo del entretenimiento

Hideo Kojima fichó a Margaret Qualley gracias a este anuncio alocado de Spike Jonze

Pocas veces un anuncio de perfume se convierte en una carta de presentación artística, pero lo que hizo Spike Jonze con Kenzo World en 2016 fue mucho más que una campaña publicitaria: fue el trampolín para una actriz que, en aquel momento, aún era casi una desconocida. Margaret Qualley, hija de la mítica Andie MacDowell, desató en ese vídeo una energía tan impredecible y magnética que no solo hizo temblar los cimientos de la elegancia de la marca francesa… sino que también atrapó la atención de uno de los creadores más visionarios del mundo del videojuego: Hideo Kojima. El padre de Metal Gear Solid no dudó: la vio bailar, y supo que tenía que trabajar con ella.

La estrella que nació bailando para un perfume

El anuncio Kenzo World no era lo que uno espera de una fragancia de lujo. Ni flores, ni susurros sensuales, ni cuerpos envueltos en seda. No. Lo que hizo Spike Jonze fue encerrarnos en una elegante gala llena de caras aburridas, para luego dejar que Qualley estallase en una danza frenética por los pasillos de un edificio, lanzando patadas, haciendo muecas imposibles y desafiando la gravedad. Al ritmo de Mutant Brain, de Sam Spiegel y Ape Drums, lo que parecía una velada pomposa se transformó en una explosión de libertad salvaje.

Y ahí, entre giros imposibles y expresiones faciales casi de dibujo animado, Kojima encontró a su “Mama”.

Del cine a los videojuegos y a los anuncios también

El diseñador japonés, obsesionado confeso del cine y devorador de cultura pop, compartió en abril de 2025 un post donde contaba cómo descubrió a Margaret Qualley: “Vi esto y le ofrecí el papel de Mama (Lockne) en Death Stranding”, escribió, citando el mítico anuncio.

Y no es de extrañar. Kojima, conocido por rodearse de actores de la talla de Norman Reedus, Mads Mikkelsen o Léa Seydoux, lleva años borrando la línea entre cine y videojuego. Con Death Stranding, estrenado en 2019, llevó esa fusión a un nuevo nivel, ofreciendo un mundo abierto donde el peso emocional de la narrativa es tan importante como la acción. Qualley encajaba como un guante en esa visión.

Su papel fue doble: interpretó tanto a Mama, una ingeniera atrapada por el vínculo con su hija fallecida, como a Lockne, su hermana gemela. Una dualidad interpretativa que exigía una conexión emocional brutal y una expresividad física fuera de lo común. ¿Y qué mejor carta de presentación que ese videoclip con alma de performance contemporánea?

Hideo Kojima fichó a Margaret Qualley gracias a este anuncio alocado de Spike Jonze

Una carrera sin frenos

Aunque ya había aparecido en películas como Palo Alto o The Nice Guys, fue tras Kenzo World cuando Margaret Qualley empezó a despuntar en la industria con papeles más arriesgados y relevantes. Tarantino la fichó para Érase una vez en… Hollywood, donde interpretó a la seductora y extraña Pussycat. Desde entonces, ha preferido trabajar con directores de autor y mantenerse alejada de grandes franquicias, consolidando una carrera en la que prima la libertad creativa y la intensidad emocional.

En 2024 volvió a romper moldes con The Substance, una propuesta provocadora que confirmó lo que muchos ya intuían: Qualley no es solo talento, es una presencia. Y todo eso empezó, sí, con una patada al aire y una mirada desquiciada en un anuncio de perfume.

Un linaje que desafía las etiquetas

Que sea hija de una actriz conocida no ha sido impedimento para que la prensa más ácida le pusiera la etiqueta de “nepo baby”. Pero lo cierto es que Qualley ha demostrado tener una voz propia, una energía difícil de encasillar y una voluntad férrea de tomar decisiones artísticas únicas. En lugar de subirse al tren de las grandes IPs o sagas de moda, ha apostado por colaborar con cineastas como Yorgos Lanthimos, Ethan Coen y, por supuesto, Hideo Kojima.

Una trayectoria que, curiosamente, recuerda a otra pieza audiovisual de culto dirigida también por Spike Jonze: el videoclip de Weapon of Choice con Christopher Walken bailando por un hotel. Igual que aquel vídeo nos hizo mirar a Walken de otra forma, Kenzo World reveló al mundo una actriz con un aura hipnótica y un cuerpo capaz de contar historias sin necesidad de palabras.

Hideo Kojima fichó a Margaret Qualley gracias a este anuncio alocado de Spike Jonze

Margaret Qualley en Death Stranding

En Death Stranding, Kojima no solo aprovechó el físico de Qualley, sino también su expresividad gestual y facial para construir un personaje emocionalmente complejo. Su captura de movimiento y escaneado facial hacen que, al jugar, sintamos que estamos frente a una interpretación real, no una marioneta digital. Esto potencia la inmersión del juego y le da una identidad única dentro del catálogo de PlayStation.

Hoy, casi una década después de aquel anuncio que rompió esquemas, podemos decir sin dudarlo: una estrella nació bailando, y Kojima, el gran visionario, supo verlo antes que nadie.

Doctor Who prepara su final más épico con un nuevo villano que llegará desde hace 160 años

Por
Jesús Reche Alonso
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Doctor Who

Russell T Davies lanza una advertencia a los fans de Doctor Who : “¡Agarraos fuerte! Este es el grande”

Doctor Who prepara su final más épico con un nuevo villano que llegará desde hace 160 años

Si pensabas que Doctor Who ya había revelado todas sus cartas esta temporada… prepárate para que te exploten los circuitos temporales. El showrunner Russell T Davies ha soltado la bomba definitiva: el final de temporada no solo trae de vuelta a viejos enemigos, sino que también introducirá a un villano completamente nuevo. Uno que lleva esperando su momento desde hace exactamente 160 años. ¿Viaje en el tiempo? ¿Paradoja? ¿Referencia histórica? No lo sabemos… aún.

Doctor Who y la Trinidad Profana

En su ya habitual teaser en Instagram, Davies calentó motores para el episodio del 24 de mayo, titulado Wish World, diciendo: “Los enemigos antiguos y nuevos se unen mientras el Doctor se enfrenta a la Trinidad Profana. Esto es solo dos tercios de la Trinidad, las dos Ranis cuentan como una, porque yo lo digo.” Y ahí viene lo gordo: “El tercero está al acecho, exactamente a 160 años de distancia. Así que agarraos fuerte. ¡Este es el grande!”

Los seguidores de Doctor Who ya sabían que Mrs. Flood (interpretada por Anita Dobson) era, en realidad, Rani, una villana clásica de los años 80, originalmente encarnada por Kate O’Mara. Pero en esta nueva encarnación de Davies, la Rani se ha escindido en dos versiones de sí misma, con Archie Panjabi dando vida a su otra mitad. Eso ya de por sí fue una revelación brutal en el episodio 6, pero el guionista galés no se detiene ahí.

Algunos fans pensaban que la “Trinidad Profana” era la suma de las dos Ranis y Conrad, el personaje interpretado por Jonah Hauer-King. Pero Davies ha dejado claro que esa teoría ya no cuadra. Hay un tercer miembro de la Trinidad aún por descubrir, y está al acecho desde hace más de siglo y medio. ¿Tal vez un personaje ligado a los orígenes del Doctor? ¿Una entidad de la Pantheon? ¿Alguien que jugará con las reglas de la realidad misma?

La cuenta atrás ha comenzado

Con solo dos episodios restantes, el clímax está a la vuelta de la esquina. Wish World llega el 24 de mayo y, según Davies, marca el inicio de un final en dos partes. El segundo episodio, The Reality War, se emitirá el 31 de mayo, y promete hacer honor a su título. El showrunner nos advierte: “El Pantheon se agita. Los viejos amigos están indefensos. Y toda la realidad está en peligro.”

Se viene una movida de proporciones cósmicas. Si has estado siguiendo esta temporada, ya sabes que nada es lo que parece. Y si no… aún estás a tiempo de ponerte al día, porque esto pinta a convertirse en uno de los cierres de temporada más ambiciosos que ha tenido la serie desde su regreso en 2005.

Doctor Who prepara su final más épico con un nuevo villano que llegará desde hace 160 años

El nuevo villano de Doctor Who

Lo intrigante de esta amenaza venidera es su misteriosa localización temporal: “exactamente 160 años en el pasado”. Si tomamos 2024 como referencia, eso nos lleva a 1864, plena época victoriana. Una era repleta de potencial narrativo: ciencia prohibida, espiritismo, guerras coloniales, nacimientos de grandes pensadores… Todo encajaría con una villana como Rani, experta en biotecnología y nada ética. ¿Y si este nuevo enemigo fuera otro renegado del Consejo de Gallifrey? ¿O tal vez un ente que lleva observando el multiverso desde hace más de un siglo?

La mención del Pantheon, ese misterioso colectivo de entidades cósmicas que Russell T Davies ha ido tejiendo con sutileza, nos hace pensar en conflictos que van más allá del tiempo lineal. La amenaza, entonces, no sería solo física, sino existencial. Una guerra por las reglas de la realidad. Tal vez por la propia identidad del Doctor.

Un final acorde a la serie

Con una narrativa cada vez más ambiciosa y un tono que mezcla el legado clásico de la serie con apuestas modernas y audaces, Doctor Who bajo el mando de Davies está más vivo que nunca. Y si este villano sorpresa resulta tan potente como se anticipa, podríamos estar a punto de presenciar una redefinición total del lore de la serie.

Doctor Who prepara su final más épico con un nuevo villano que llegará desde hace 160 años

Así que ya lo sabes: marca el 24 y el 31 de mayo en tu calendario whovian, porque lo que se viene promete hacer temblar incluso a los mismísimos Seis Doctores.

El director de The Witcher 4 quiere que tomemos decisiones duras… aunque nos duelan

Por
Jesús Reche Alonso
-
The Witcher 4

CD Projekt Red apuesta por decisiones emocionales en The Witcher 4 que dejen huella en el jugador, incluso si acaban en consecuencias tristes

El director de The Witcher 4 quiere que tomemos decisiones duras... aunque nos duelan

Cuando The Witcher 3: Wild Hunt celebró su 10º aniversario en 2025, muchos fans aprovecharon para mirar atrás… y también hacia adelante. Porque sí, aunque llevamos tiempo sin nuevas aventuras de brujos, The Witcher 4 ya está en marcha, y sus responsables han empezado a soltar pistas que nos hacen soñar (y temer) a partes iguales. Uno de los aspectos más jugosos que ha revelado Sebastian Kalemba, director del juego, es el enfoque que adoptarán respecto a las decisiones dentro del RPG. Y si alguien esperaba una experiencia ligera o decisiones sin peso, más vale que se vaya haciendo a la idea: va a doler, pero con propósito.

Decisiones que te rompen pero te hacen sentir

Kalemba lo deja claro: “Queremos que los jugadores se sientan recompensados, incluso si la emoción final es tristeza”. Según él, lo importante es que cada consecuencia se sienta coherente con el viaje emocional que estás viviendo, y que como jugador puedas aceptar el resultado, por duro que sea.

Esto no es nuevo en CD Projekt Red. Ya en The Witcher 2 vimos cómo todo un capítulo del juego podía cambiar radicalmente dependiendo de tus elecciones. The Witcher 3 fue más allá, con pequeñas decisiones que acababan afectando el destino de personajes enteros, y en Cyberpunk 2077, aunque con un enfoque distinto, se siguió explorando el peso emocional de nuestras acciones.

Kalemba insiste en que la agencia del jugador será el centro de todo. “Queremos dar más herramientas y oportunidades para que el jugador sienta que es él quien define su experiencia”, explicó. Más libertad, más dilemas… y más emociones encontradas, por supuesto.

Más libertad, más grises, menos respuestas fáciles

Paweł Gąska, diseñador de misiones, también se ha sumado a la conversación, y sus palabras no se quedan cortas: “Queremos que el jugador vea que una buena elección puede tener malas consecuencias, y que una mala elección puede estar justificada por otra prioridad que haya tenido”.

Esto apunta a un diseño de misiones donde el bien y el mal no estarán tan claros, y donde probablemente no haya una elección correcta, solo caminos distintos que nos marcarán de formas distintas. Un enfoque maduro que siempre ha definido a The Witcher, y que promete seguir evolucionando en esta nueva entrega.

Gąska además quiso reconocer el papel clave del equipo narrativo, diciendo que aunque los diseñadores de misiones planteen dilemas interesantes, son los guionistas, animadores y el equipo de cinemáticas quienes consiguen que esos momentos “se sientan de verdad”.

El director de The Witcher 4 quiere que tomemos decisiones duras... aunque nos duelan

Y eso es justo lo que hace que este universo destaque sobre tantos otros: no se trata solo de lo que decides, sino de cómo te lo hacen sentir.

El inicio de una nueva era para la saga

Aunque todavía no tenemos muchos detalles oficiales sobre la historia de The Witcher 4, sabemos que iniciará una nueva saga, con nuevos personajes y tramas, y que no dependerá directamente de Geralt (aunque quién sabe si no aparecerá de alguna forma).

Kalemba se muestra optimista sobre este nuevo rumbo: “Estamos bastante seguros de cómo manejarlo, hicimos que esta saga se hiciera popular, y sabemos lo que funciona”. Una declaración de intenciones que transmite confianza en lo que viene.

Desde su anuncio en The Game Awards 2024, The Witcher 4 se ha convertido en uno de los títulos más esperados del panorama RPG. La expectación es enorme, y todo apunta a que CD Projekt Red está dispuesto a llevarnos por un viaje aún más emocional, más adulto y más inolvidable que los anteriores.

El director de The Witcher 4 quiere que tomemos decisiones duras... aunque nos duelan

Y sí, eso probablemente signifique llorar, dudar y sufrir, pero también sentir que cada elección cuenta de verdad. Justo lo que nos enamoró de esta saga desde el principio.

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