Detrás del proyecto está James Watkins, director de Speak No Evil, quien llevará a la pantalla una historia basada en el guion de Mike Flanagan (La maldición de Hill House, Doctor Sueño). Flanagan no podrá dirigir debido a otros compromisos como la nueva adaptación de Carrie y The Exorcist, pero su sello en el guion promete una narrativa con un fuerte componente de horror corporal y decadencia psicológica.
Tom Blythe (Los juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes)
Jack O’Connell (Starred Up, SAS: Rogue Heroes)
Leo Woodall (One Day, The White Lotus) estaba también en la lista, pero se ha retirado recientemente del proceso, dejando la decisión final entre estos tres nombres. Todo apunta a que la elección será inminente, ya que el rodaje está previsto para comenzar pronto, con localizaciones en Vancouver, Toronto y posiblemente Nueva Jersey o Atlanta.
La película se inspira en el terror grotesco de David Cronenberg, especialmente en La mosca, y también en la reciente The Substance, un éxito del cine de horror corporal dirigido por Coralie Fargeat. La transformación física, el deterioro mental y la fama como veneno son temas que se entremezclan para ofrecer algo más que un típico blockbuster de superhéroes.
La fecha de estreno ya está marcada: 11 de septiembre de 2026. Una fecha que sugiere confianza por parte del estudio y un lanzamiento que podría destacar en la temporada otoñal, aprovechando el tirón del cine de terror.
En animación ha brillado, especialmente en Batman: The Animated Series, donde su arco narrativo dejó huella en toda una generación de fans. Llevar esta historia al cine con un tono de terror adulto puede ser una jugada arriesgada, pero necesaria para renovar la fórmula superheroica que parece estar agotándose en taquilla.
La clave está en Wyn, el Avatar de The-Powers-That-Be —sí, ese mismo que debutó en G.O.D.S., el título más místico y experimental de Marvel en 2023. Wyn explica que el número 616 no tiene un poder místico en sí mismo, pero se ha convertido en algo más gracias a lo que ocurrió dentro de ese universo concreto: sus historias, sus héroes, su legado. En otras palabras, el Multiverso considera a la Tierra-616 el centro porque nosotros la hicimos especial.
Y todo empezó con la creación del primer superhéroe Marvel: Jim Hammond, la Antorcha Humana original. Su debut en 1939 marcó el primer paso hacia la mitología que hoy veneramos. Esa chispa inicial —un androide envuelto en fuego creado por el Profesor Phineas Horton— se convirtió en la llama que ha guiado a generaciones enteras de fans.
Y es aquí donde Spider-Man, con su mezcla única de tragedia humana y heroicidad arácnida, se convierte en el intérprete perfecto de ese equilibrio. Él no es un dios ni un centurión cósmico. Es solo un tipo con poderes, una brújula moral y mucha responsabilidad a cuestas.
El héroe más humano frente al misterio más divino
Aunque su historia esté plagada de tragedias personales y enemigos imposibles, Peter Parker ha demostrado ser uno de los pilares narrativos del Universo Marvel. Su implicación en 616 Day no es casual, sino una declaración de intenciones: incluso cuando el destino del Multiverso está en juego, es un héroe con los pies en la tierra quien acaba encontrando el sentido más profundo del cosmos. Su humanidad es justo lo que convierte a la Tierra-616 en algo especial, lo que la eleva por encima del resto.
Porque si algo nos enseña este cómic es que la numeración del Multiverso no es impuesta, sino elegida. Y eso nos convierte a todos, lectores y creadores, en parte de esa elección.
Hulk no comenzó su andadura editorial con un inicio muy prometedor.
Es un dato conocido que los orígenes de Bruce Banner y su alter ego, creados por Stan Lee y Jack Kirby en la aventura The Hulk, publicada en el cómic The Incredible Hulk nº 1 (1962), cuya portada queda reproducida debajo de este párrafo, son de lo más accidentados, ya que el científico logró sus poderes al ser alcanzado de lleno por los efectos de la radiación de una bomba gamma. No obstante, también cabe reconocer que, en lo que se refiere al ámbito editorial, Hulk tampoco tuvo, en un principio, demasiada suerte, tal y como se puede demostrar si se continúa leyendo este artículo hasta el final.
Todo comenzó con una discusión entre Martin Goodman, el propietario de la editorial en los años sesenta, y Stan Lee. El primero defendía que los títulos eran lo importante, mientras que el segundo estaba convencido de que el éxito se debía al tratamiento de los personajes y de las historias que vivían. La única manera de demostrar quién tenía la razón y quién estaba equivocado era la de sacar a la luz una cabecera con un título que sonara algo tonto y comprobar la reacción de los lectores.
Así nació la colección Sgt. Fury and his Howling Commandos (1963 – 1974), de la que también se encargaron Stan Lee y Jack Kirby, dato que se comenta en la portada del primer número, como muestra la imagen inferior, justo debajo de Seven Against the Nazis!, el título de la aventura que, junto a Weapons of War, podía leerse dentro del ejemplar.
El problema era que el restrictivo contrato de distribución que tenía la editorial en aquella época obligaba a cerrar una de las colecciones que estuviera en circulación, de modo que, para darle una oportunidad a Nick Furia y sus muchachos, hubo que sacrificar la cabecera de Hulk, que solo había alcanzado los seis ejemplares.
Durante un tiempo, a Hulk no le quedó más remedio que conformarse con su aparición en otras cabeceras, bien como miembro de un equipo, puesto que no podemos olvidar que fue uno de los fundadores de Los Vengadores (pese a que duró muy poco tiempo en el grupo), bien como estrella invitada en otras cabeceras como la de Los Cuatro Fantásticos (lo que permitía que los lectores pudieran contemplarlo midiendo sus fuerzas con La Cosa).
Casualmente, tras su aparición en la aventura Enter Hulk, perteneciente a un serial protagonizado por el Hombre Hormiga y la Avispa, que vio la luz en Tales to Astonish nº 59 (1964), por obra de Stan Lee y Dick Ayers, el coloso esmeralda pasó a compartir dicha cabecera, desde el siguiente número, con los dos héroes que acabamos de mencionar (aunque con historietas separadas) en la aventura simplemente titulada The Incredible Hulk!, donde Jack Kirby volvía a su tándem creativo con Stan Lee.
Al igual que los guionistas y los dibujantes, que fueron variando a medida que la colección avanzaba, el Hombre Hormiga y la Avispa acabaron cediendo su puesto a Namor, que continuó compartiendo la cabecera con Hulk hasta que, en 1968, el ejemplar 102 se dividió en dos colecciones diferentes, aunque, en el caso del coloso esmeralda, manteniendo la numeración anterior, de modo que volvía a tener colección propia, estrenada con la aventura –This World Not His Own!, por obra de Gary Friedrich y Marie Severin. A continuación, puedes ver su portada.
Actualmente, Hulk es un personaje sólido dentro de La Casa de las Ideas, que hace poco que ha celebrado su ejemplar 800 de la numeración clásica. Y es que la importancia del alter ego de Bruce Banner para la editorial no se puede dudar, ya que, como comentamos en su momento, fue en la cabecera del coloso esmeralda donde vio la luz por primera vez un personaje tan icónico como Lobezno, por mostrar un ejemplo de su relevancia. De modo que no deja de ser curioso pensar lo diferente que podrían haber sido las aventuras de Marvel si Hulk hubiese sido abandonado después de su sexto número.
Aunque también se rumorea que Hulk se dejará ver el próximo año en Spider-Man: Brand New Day, a todos los seguidores del personaje nos gustaría volver a verle protagonizar un proyecto en solitario, pero aún no se sabe nada al respecto.
Durante una charla en el podcast Braving the Elements, presentado por Janet Varney (voz de Korra) y Dante Basco (Zuko en Avatar), los creadores revelaron que su deseo de elevar el nivel visual de la animación chocaba frontalmente con las órdenes del estudio. Nickelodeon seguía anclado en el estándar de definición tradicional por cuestiones de distribución internacional. Pero entonces apareció un héroe inesperado: Mark Taylor, un ejecutivo que simplemente les dijo “hacedlo”, desobedeciendo también las directrices de la cadena.
El salto prohibido al HD
“No se suponía que hiciéramos eso”, confesó Konietzko, recordando que ya intentaron implementar la alta definición en el final de Avatar: La leyenda de Aang, sin éxito. Pero cuando llegó el momento de crear Korra, se lanzaron sin red.“Cuando volvimos para hacer Korra, Mark Taylor nos dijo simplemente que lo hiciéramos, aunque le decían que no debía”, añadió DiMartino.
La jugada les salió bien. Mientras Nickelodeon seguía en modo SD, La leyenda de Korra se convirtió en un producto visualmente impresionante, con planos envolventes y una estética mucho más cinematográfica. Tanto, que cuando el estudio quiso actualizar el resto de sus producciones, ya era demasiado tarde. “Teníamos escenas en las que parecías estar dentro de algo, con más sensación tridimensional”, comentó Varney sobre el resultado.
Influencias japonesas y tecnología punta
La apuesta no se quedó solo en la resolución. El equipo también buscó inspiración fuera de Estados Unidos, concretamente en Japón. Allí contactaron con Michael Arias, director de la aclamada película Tekkonkinkreet, para pulir el enfoque técnico. Fue Arias quien les enseñó a aplicar efectos digitales como After Effects para generar movimientos de cámara dinámicos y complejos, como ese plano secuencia del primer episodio en el que la cámara sobrevuela Ciudad República.
Ese trabajo técnico fue clave para que La leyenda de Korra tuviera una identidad visual completamente diferente a su antecesora. Mientras que Aang se inspiraba en la animación tradicional asiática, Korra abrazaba un lenguaje más moderno, atrevido y cinematográfico, que sigue sorprendiendo incluso hoy.
Leyenda de Korra y su innovación visual
A día de hoy, La leyenda de Korra está disponible en streaming a través de Paramount+, y sigue ganando reconocimiento no solo por su historia más madura y compleja, sino por su papel pionero en la animación televisiva occidental. Romper las normas no solo les permitió innovar, sino que obligó a Nickelodeon a ponerse al día con una industria que ya estaba cambiando.
La leyenda de Korra ha sido muchas veces comparada con otras secuelas de animación que intentan ir más allá del tono infantil original. Casos como She-Ra y las princesas del poder o Star Wars: Rebels también apostaron por historias más profundas y animación de mayor calidad, pero Korra fue una de las primeras en tomar ese camino sin permiso, literalmente. Esa valentía creativa no solo marcó un hito para sus creadores, sino que elevó el listón para toda la industria de la animación occidental.
Con cada segundo del tráiler, queda más claro que Gunn quiere dejar atrás el tono sombrío de anteriores versiones del kryptoniano para abrazar lo extraño, lo divertido y lo épico a partes iguales. Y lo hace con un Lex Luthor absolutamente desatado, criaturas nuevas como el enigmático Mr. Handsome, y hasta una Justice Gang en formación que huele a spin-off.
Superman en el DCU, más allá del bien, el mal… y la lógica
El primer gran impacto del tráiler llega de la mano de Nicholas Hoult como Lex Luthor. Este Luthor no se presenta como el empresario elegante y frío que ya conocemos, sino como un auténtico sociópata armado hasta los dientes. Hay una escena especialmente inquietante donde amenaza con matar a los padres adoptivos de Superman. Así, sin rodeos. Gunn lo ha descrito como una mezcla de “tech titan” y megalómano sin filtros, y por lo que se ve… no mentía.
Pero eso no es todo. En una escena que parece sacada de un sueño (o una pesadilla intergaláctica), vemos a Superman flotando junto a Metamorpho, Krypto el superperro… ¡y un bebé! Ese bebé no es otro que Joey, el hijo de Metamorpho y Sapphire Stagg en los cómics. ¿Qué hace aquí? Parece que tiene un papel mucho más importante del que pensábamos, y si hereda los poderes de su padre, puede que estemos ante una de las claves para enfrentarse a lo que viene.
Pocket dimensions y otras locuras multiversales
Una de las escenas más espectaculares del tráiler nos muestra a Superman atravesando lo que parece una dimensión fragmentada, con portales flotando y escombros girando a su alrededor. Gunn ya había confirmado que el filme exploraría las “dimensiones de bolsillo”, y aquí lo vemos en acción: Superman no solo las atraviesa, sino que llega a usar fragmentos del entorno como armas, lo que recuerda a momentos de Peacemaker o incluso al Doctor Strange más alucinado.
Y por si fuera poco, hay un detalle que podría pasar desapercibido: Jimmy Olsen trabajando con tecnología de “LordTech”, una empresa clave en los cómics de DC, propiedad de Maxwell Lord. Si sumamos eso a la aparición de Hawkgirl y Green Lantern como miembros de su equipo, queda claro que se está gestando algo más grande: la Justice Gang.
Nuevos villanos, nuevas amenazas
¿Quién es ese alien blanco con aspecto amenazante? Pues según James Gunn, se llama Mr. Handsome y es una creación directa de LexCorp. Aunque el nombre suene a broma, su aspecto no tiene nada de gracioso. Parece sacado de un cruce entre un marciano blanco y un monstruo mutante de laboratorio, y si viene de la mente de este nuevo Luthor, seguro que trae problemas.
Y hablando de amenazas raras… en una escena fugaz, vemos a un enemigo completamente acorazado que se quita el casco para revelar una especie de simio humanoide. ¿Ultraman? ¿Ultra-Humanite? Las teorías vuelan, pero los juguetes filtrados apuntan a un tal “Hammer of Boravia”, lo que podría ser una reinterpretación de Ultra-Humanite, uno de los villanos más antiguos de Superman, conocido por su capacidad de intercambiar cuerpos.
La fuerza de siempre, el estilo de ahora
Por supuesto, no faltan los clásicos poderes kryptonianos, y el tráiler nos regala varios momentos de Superman usando su visión calorífica con un nivel de detalle brutal. Se nota que aquí no se han guardado nada en el departamento de efectos especiales. Las escenas de vuelo también están cuidadísimas, con un enfoque mucho más dinámico y cinematográfico.
Además, la presencia de los “raptors”, una unidad de soldados de élite armados por LexCorp, añade ese toque de acción militarizada que siempre funciona cuando hay un alienígena superpoderoso de por medio. Verlos en acción, enfrentándose a Superman y a Metamorpho, augura escenas espectaculares.
Una película que parece serie, y una serie que parece universo
Todo esto en apenas un tráiler. Si algo está claro, es que Superman no será una peli más de superhéroes. James Gunn ha diseñado este proyecto como la piedra angular del nuevo DCU, sembrando semillas para futuras películas, series y equipos. La mezcla de personajes secundarios importantes, tecnología sospechosa y dimensiones alternativas apunta a un universo compartido que no se anda con medias tintas.
El reboot del universo DC prescinde de la icónica heroína de Snyder y ya trabaja en una nueva versión
En el torbellino de reinicios que James Gunn y Peter Safran están orquestando en DC Studios, hay una certeza que acaba de tomar fuerza: Gal Gadot no volverá a interpretar a Wonder Woman. Así lo ha asegurado el periodista Jeff Sneider durante una reciente entrega del podcast The Hot Mic, donde zanjó con un rotundo “No, absolutamente no va a pasar” los rumores que aún flotaban en el aire sobre el posible regreso de la actriz israelí.
Aunque para muchos fans esta noticia no sea una gran sorpresa, duele igual. Gadot no solo fue una de las pocas cosas que el público aplaudió unánimemente del universo de Zack Snyder, sino que su Wonder Woman (2017), dirigida por Patty Jenkins, se convirtió en un fenómeno mundial que inspiró a toda una generación. Pero ahora que el DCU arranca de cero, ni Gadot ni Jenkins estarán involucradas.
Wonder Woman en el nuevo DCU
La confirmación llega justo cuando James Gunn ha revelado que ya hay una nueva película de Wonder Woman en desarrollo, aunque sin aportar muchos detalles. Lo que sí aclaró es que esta cinta será completamente independiente de la serie de HBO Paradise Lost, ambientada en la isla de Themyscira y anunciada como una especie de Juego de Tronos amazónico. “Estamos trabajando en Wonder Woman. Se está escribiendo ahora mismo”, dijo Gunn, sin dar pistas sobre quién será la actriz que tomará el testigo.
Con este cambio, DC Studios se distancia definitivamente del anterior DCEU, donde Wonder Woman era una pieza clave del trío formado junto a Batman (Ben Affleck) y Superman (Henry Cavill). Tras dos películas con Jenkins al mando y un cameo final en The Flash (2023), el futuro de Gadot como Diana Prince fue quedando cada vez más en el aire, hasta ahora.
Dos películas más se han confirmado dentro de este reinicio: Supergirl: Woman of Tomorrow, con Milly Alcock como protagonista (estreno en junio de 2026), y The Brave and the Bold, una nueva versión de Batman que también forma parte del plan… aunque sigue sin fecha ni casting confirmado.
Desde Batman hasta Green Lantern, pasando por los próximos proyectos de Booster Gold o Swamp Thing, el enfoque de Gunn busca devolver a los personajes su esencia clásica, pero con un enfoque moderno y narrativas mejor hiladas. En ese panorama, Wonder Woman será clave, no solo por su popularidad global, sino porque representa la conexión entre el mundo de los humanos y el misticismo ancestral del universo DC.
Y mientras la serie Paradise Lost servirá para explorar los orígenes de Themyscira, el largometraje se centrará —presumiblemente— en una nueva Diana Prince, con una historia fresca que podría reimaginar los elementos mitológicos clásicos.
¿Quién fue Gal Gadot para DC?
Aunque ya forma parte del pasado del estudio, es imposible hablar de Wonder Woman sin mencionar el impacto de Gal Gadot. Su interpretación fue emblemática, sobre todo en la primera entrega de 2017, una película que supo combinar acción, humor y corazón, convirtiéndose en la más aclamada del DCEU. Su regreso en la secuela, Wonder Woman 1984, no gozó del mismo éxito, pero aún así consolidó su papel como referente femenino en el cine de superhéroes.
En muchos sentidos, Gadot abrió camino para personajes como Capitana Marvel, Shuri o incluso la futura Supergirl. Aunque su etapa ha llegado a su fin, su legado como la amazona más famosa del cine seguirá latiendo fuerte en la memoria de los fans.
¿Quién será la próxima Wonder Woman? Por ahora es un misterio, pero algo está claro: la era Gadot ha terminado, y una nueva diosa está a punto de alzarse.
Pete Docter, director creativo de Pixar, levantó el telón de la película más esperada de la saga revelando detalles clave y enseñando un primer vistazo que dejó a todos con la boca abierta. Bonnie, la niña que heredó a Woody y Buzz, ya no es la misma. Con ocho años y obsesionada con su nueva tableta “Lily Pad”, los juguetes tradicionales quedan relegados a un segundo plano. Pero eso es solo el comienzo.
Toy Story 5, el impacto de la tecnología en el mundo de los juguetes
“Toy meets tech”. Así lo describió Docter. El corazón de la película gira en torno a esta dicotomía: la infancia como un tiempo de juego físico frente a un mundo cada vez más digital. Bonnie ahora prefiere su tableta a sus juguetes, y este dispositivo, que habla y opina, tiene claro su propósito: hacer que Bonnie supere su etapa de juegos con muñecos. Para ello, no dudará en enfrentarla con sus propios juguetes, creando un conflicto emocional y existencial.
La sala estalló de sorpresa cuando se proyectó la escena inicial de la película, aún en fase de producción. Allí vemos a un Buzz Lightyear abrir los ojos en una playa desierta, confundido. No está solo. Le rodean decenas de figuras idénticas, todas nuevas, aún en sus cajas, varadas junto a un contenedor abierto. Pronto forman una comunidad improvisada en la isla, con un aire entre lo épico y lo inquietante. Sin palabras, solo con miradas y sonidos, estas versiones de Buzz comienzan a recordar su programación original: Star Command. La escena culmina con ellos construyendo una balsa y lanzándose al mar, al grito unísono de “¡Star Command!”.
¿Es este el Buzz original? ¿O uno más entre la multitud? Eso es parte del misterio. Pero lo que está claro es que Pixar está apostando por una historia más profunda, con subtextos sobre identidad, pertenencia y obsolescencia. Mientras tanto, Woody, ahora fuera del cuarto de juegos desde Toy Story 4, recibirá una llamada inesperada que lo devolverá al centro del conflicto, tal y como anticipó Docter. La tensión entre Woody y Buzz promete regresar con fuerza.
“Es bonito verlos discutir otra vez”, bromea el Señor Patata en una de las escenas.
La animación mostrada en Annecy, pese a no estar finalizada, ha impresionado por su nivel de detalle y por su tono más maduro. La isla de los Buzz parece sacada de una mezcla entre Perdidos y Wall-E, y abre la puerta a múltiples teorías: ¿cuál es su origen?, ¿cómo llegaron ahí?, ¿qué papel jugarán en la historia central?
Una historia que crece con sus espectadores
El reto de Toy Story 5 es claro: hablar a nuevas generaciones sin traicionar el alma que enamoró a los fans hace casi 30 años. El guion, escrito por Andrew Stanton y McKenna Harris, parece querer explorar las consecuencias de una infancia marcada por lo digital. ¿Pueden los juguetes seguir siendo relevantes? ¿Tienen una segunda vida más allá del juego físico?
Con el regreso confirmado de Tom Hanks (Woody), Tim Allen (Buzz), Joan Cusack (Jessie) y hasta Ernie Hudson como Combat Carl, Pixar promete un reencuentro por todo lo alto. Y aunque queda un año para el estreno —19 de junio de 2026—, la expectación no hace más que crecer.
Una reflexión sobre Buzz Lightyear y su evolución en la saga
Buzz siempre ha sido el personaje que representa la lucha entre el deber y la identidad, entre lo que se le dice que es y lo que él mismo quiere ser. En Toy Story 1 se creía un héroe galáctico real, en Toy Story 2 asumía su papel en el grupo, y en Toy Story 3 y 4 exploró su individualidad. Ahora, con esta escena inicial en la isla, parece que veremos una versión más introspectiva y filosófica del personaje. ¿Qué pasa cuando te das cuenta de que no eres único? ¿Cómo se gestiona la identidad en un mundo de clones?
Toy Story 5 podría ser la entrega más existencial de toda la saga, y Buzz el personaje perfecto para encarnar ese conflicto.
Toy Story 5 se estrena el 19 de junio de 2026 en cines. Más detalles de la presentación de Pixar en Annecy llegarán muy pronto… y aquí estaremos para contártelos.
El gran acierto de Pak es humanizar al alienígena sin quitarle su rareza. El Silver Surfer sigue siendo un ser que habla con solemnidad y se desliza por el cosmos con una tabla plateada, pero también muestra empatía, culpa, y hasta ironía sutil. Esa mezcla de solemnidad y sencillez es lo que hace que esta historia conecte con el lector actual.
BAN y la cruzada empresarial contra los extraterrestres
Y es aquí donde entra en escena Kelly Koh, la mejor cazadora de alienígenas de la agencia. Armada hasta los dientes y con un diseño de armadura recargado (muy bien ejecutado por Kumar), es enviada para acabar con Silver Surfer. El enfrentamiento es brutal, pero el Surfer no actúa con venganza: tras derrotarla, la lleva a casa de su madre para que se recupere. Es un momento de contradicción, vulnerabilidad y compasión. Pura esencia del personaje.
Una crítica afilada al capitalismo disfrazada de epopeya galáctica
Greg Pak maneja esta crítica con sutileza. No cae en la caricatura, y logra que tanto el Surfer como sus antagonistas tengan motivos, contradicciones y capas. El personaje de Koh es especialmente interesante, y queda claro que jugará un papel importante a lo largo de la miniserie.
El cliffhanger del número —con Koh recibiendo la orden de ir tras Skaar, el hijo de Hulk— promete que lo que viene será aún más intenso. Estamos ante una miniserie que no teme meter el dedo en la llaga de los conflictos sociales actuales, pero sin perder de vista la maravilla y la tristeza de lo cósmico.
En esa historia alternativa, Beerus era el responsable de haber corrompido a los Saiyans, convirtiéndolos en la raza violenta que conocemos. En lugar de ser una amenaza para el universo por su poder, su villanía era moral: manipulaba y destruía desde dentro. La idea original era que incluso los amigos y la familia de Goku serían corrompidos, forzando al héroe a enfrentarse a los suyos en un contexto mucho más dramático.
Y si te preguntas cómo encajaba ahí el Super Saiyan God… pues tampoco tenía nada que ver con lo que vimos. En ese primer borrador, Goku adoptaba una forma más “heroica” en el sentido clásico: con capa, pelo gigante al estilo SSJ3 o 4, y una musculatura más exagerada. Vamos, algo más cercano a un Superman que al diseño minimalista que finalmente vimos.
Así fue como nació el Beerus que conocemos hoy: excéntrico, poderoso, pero también adorable y hasta divertido. La narrativa se transformó en una aventura ligera con humor, acción y toques entrañables, mucho más cercana al Dragon Ball clásico de Goku niño que al dramatismo de Z.
Fue una elección con corazón… y también con visión. Gracias a este cambio, Battle of Godsse convirtió en el primer paso de un resurgimiento global que no ha parado desde entonces. Y es que si algo aprendimos de esa decisión, es que Dragon Ball siempre ha brillado más cuando abraza su lado más lúdico.
¿Y si hubiéramos tenido la versión oscura?
Aunque la historia final fue un éxito, no deja de ser interesante imaginar lo que habría sido Battle of Gods si Toriyama no hubiera intervenido. Una versión más adulta, dramática y centrada en la lucha contra el mal interior, al estilo de otras obras como Evangelion o Berserk. Quizá esa otra película habría gustado a los fans más veteranos… pero también habría cerrado la puerta a una nueva generación de seguidores.
Aunque muchos fans sueñan con historias más maduras y violentas, como las que vimos en algunos momentos de DBZ, lo cierto es que Battle of Godsredefinió el tono de la franquicia en el siglo XXI. Y todo gracias a que Toriyama decidió que era mejor reír, compartir y disfrutar, que recrearse en la tragedia.
Tras arrasar en taquilla, la adaptación con Jack Black se estrena en Max este 20 de junio
Después de convertirse en un fenómeno global en cines, Minecraft: La Película se prepara para su siguiente conquista: nuestros sofás. Y es que, tras embolsarse más de 951 millones de dólares en taquilla —con un brutal arranque de 313 millones solo en su primer fin de semana—, la cinta basada en el videojuego más vendido de la historia llega al streaming. El próximo 20 de junio, los suscriptores de Max podrán volver al pixelado Overworld y acompañar al excéntrico Steve, interpretado por Jack Black, en su surrealista aventura llena de cubos, creepers y… sí, también gallinas.
A pesar de lo que puedas pensar, esta adaptación dirigida por Jared Hess (Napoleon Dynamite) no fue precisamente mimada por la crítica. Con un 48% en Rotten Tomatoes, quedó bastante por debajo de otras adaptaciones como Sonic the Hedgehog, que no bajó del 64%. Pero como ya sabemos, los fans mandan, y ellos llenaron las salas para ver a Black gritar “¡chicken jockey!” y marcharse con toda la dignidad del mundo.
Estreno en Max de Minecraft: la película
La trama de la película no se anda con rodeos: un grupo de humanos es transportado mágicamente al mundo de Minecraft, donde deben colaborar con un minero muy entusiasta (Steve) para sobrevivir al caos de un universo generado por bloques. Con momentos tan absurdos como encantadores, y referencias que hacen las delicias de los jugadores más veteranos, la película no solo fue un éxito económico, sino también un imán de nostalgia y humor.
A pesar del amor del público y el hachazo de los críticos, Warner Bros. ya ha confirmado que una secuela está en marcha. Los responsables del estudio, Mike De Luca y Pam Abdy, han dejado claro que tienen planes para expandir este curioso universo cinematográfico. Y no es para menos: el final de la película dejaba caer pistas más que evidentes de que esto era solo el comienzo.
La idea de adaptar Minecraft al cine parecía un reto imposible. ¿Cómo transformar un juego sin historia definida en una narrativa cinematográfica con alma? Pues bien, los guionistas optaron por un enfoque autoconsciente, repleto de humor absurdo y acción ligera, que recuerda por momentos a Jumanji: Bienvenidos a la jungla. La clave está en no tomarse demasiado en serio: los personajes se ríen de lo que les pasa, y los espectadores también.
Aunque algunos fans esperaban algo más fiel al tono aventurero del videojuego, lo cierto es que esta versión tiene su propio estilo. Y Jack Black, como siempre, aporta su carisma caótico al personaje de Steve, combinando locura y ternura en una mezcla explosiva.
Con películas como The Legend of Zelda, Five Nights at Freddy’s 2 y Gears of War en camino, la fiebre de los videojuegos en cine está lejos de apagarse. Minecraft: La Película no solo ha demostrado que se puede hacer, sino que se puede hacer muy bien si se entiende al público objetivo.
