Los X-Men cuentan con algunos de los personajes más poderosos jamás creados, y parece que Bishop, uno de sus miembros más veteranos podría tener habilidades que lo sitúen al nivel Omega
Bishop tiene la habilidad de absorber y redirigir energía, convirtiéndolo en uno de los miembros más destacados dentro de la Patrulla X. Esta habilidad no solo le permite contrarrestar medidas de seguridad avanzadas, aumentando drásticamente su valor para el equipo, sino que su naturaleza adaptable e inventiva sugiere que podría calificar como un Mutante Omega.
La patrulla X cuenta con personajes de poderes descomunales, capaces de destruir o recrear planetas enteros en cuestión de horas. Los Mutantes Omega se consideran los mutantes más poderosos. Aunque Bishop actualmente no es contado entre ellos, su potencial, como se muestra en Children of the Vault #2 (de Deniz Camp, Luca Maresca, Carlos Lopez y VC’s Cory Petit), destaca por qué podría ser tan adaptable y poderoso.
Omega, una breve explicación
Es la clasificación para los mutantes más poderosos dentro de la casa de las ideas. Son individuos que teóricamente no tienen límites en sus habilidades. Sin embargo, hay mutantes que no obtuvieron esa designación, pero que podrían decirse que califican como tal. Bishop podría ser uno de ellos, dada la magnitud de sus habilidades.
Después de un masivo asalto de Orchis en la Hellfire Gala, Bishop es uno de los pocos héroes mutantes que aún permanecen en la Tierra. Mientras otros héroes se centran en combatir a Orchis o proteger al mundo, Bishop ha unido fuerzas con su antiguo enemigo Cable para enfrentarse a los Children of the Vault. Aunque Cable interroga psíquicamente a uno de ellos, Bishop se dirige a las ruinas del Instituto Xavier para recuperar un arsenal que Cable dejó atrás. Es aquí donde Lucas muestra como de adaptables son realmente sus habilidades.
Un potencial sigiloso
En Children of the Vault #2, el mutante absorbe toda la energía para volverse sigiloso. Sus habilidades le permiten absorber cualquier fuente de energía y reorientarla. Puede almacenarla en sí mismo para mejorar atributos físicos o redirigirla, normalmente en forma de explosiones de fuerza. Pero en Children of the Vault #2, el personaje demuestra cómo estas habilidades pueden utilizarse de formas más expansivas. Al llegar al Instituto, Bishop se enfrenta a diversos sistemas de seguridad de Orchis. Sin embargo, dado que puede absorber toda forma de energía, es capaz de neutralizar todos estos sistemas avanzados.
¿Mutante de Nivel Omega?
A lo largo de los años, se ha mostrado que Lucas puede absorber todas las formas de energía. El hecho de que absorba toda energía como concepto puro significa que teóricamente no hay límite para lo que puede absorber. Esto podría hacer que se le considere un Mutante del máximo nivel, ya que su verdadero potencial es ilimitado.
Aunque ha mostrado tener un límite en cuánta energía puede almacenar, la verdadera magnitud de sus poderes podría hacerlo mucho más fuerte de lo que cualquiera, incluso él mismo, se da cuenta.
Así que, fan de los X-Men, la próxima vez que pienses en los mutantes más poderosos, recuerda considerar a Lucas Bishop entre ellos. Su potencial es impresionante y aún queda mucho por descubrir sobre él viajero en el tiempo.
The Spectacular Spider-Man: la segunda serie animada sobre el personaje en el siglo XXI
Antes de que el estreno cinematográfico de la película Spider-Man 4, bajo la dirección de Sam Raimi y con Tobey Maguire en el papel protagonista, fuera cancelado, la pequeña pantalla tuvo mayor éxito con la séptima versión animada de las aventuras del alter ego de Peter Parker, llamada The Spectacular Spider-Man (traducida en nuestro país como El espectacular Spiderman), en una clara referencia a la cabecera editorial homónima, que se mantuvo en antena entre 2008 y 2009, con un total de 26 episodios repartidos en dos temporadas.
Uno de los aspectos más notables de la serie The Spectacular Spider-Man es que destacaba por mostrar, por primera vez, al personaje como un auténtico adolescente que acababa de sufrir el accidente que le había concedido sus poderes y comenzaba un nuevo curso. Greg Weisman, desarrollador de la serie junto a Victor Cook, en un claro intento de que el nuevo show cautivara a la audiencia infantil, decidió encargar al diseñador Sean Galloway que diese a los personajes un aspecto atractivo para los niños de la época, tal y como se muestra en la imagen de Peter Parker que se encuentra bajo este párrafo.
Pese a que el estilo cartoon no acabó de convencer a los seguidores veteranos de las andanzas del superhéroe, tanto los adolescentes como los adultos quedaron cautivados tanto por las tramas como por los secundarios y las vivencias de Spiderman, cuya serie se convirtió en una inagotable fuente de merchandising.
Aunque los argumentos principales de cada episodio funcionan de manera autoconclusiva, las subtramas servían de conexión entre ellos. La mayoría de las aventuras estaban basadas en los cómics que hiciera Stan Lee con Steve Ditko y John Romita, como se puede comprobar en la imagen que acompaña a este párrafo, aunque, en ciertos casos, eran actualizadas por algunos detalles sacados de las películas o de la versión Ultimate del personaje.
Entre el rico elenco de secundarios del héroe arácnido, The Spectacular Spider-Man mostró a diversos conocidos como Gwen Stacy, Liz Allan, Sally Avril, Harry Osborn, Mary Jane Watson, May Parker, J. Jonah Jameson o Eddie Brock, mientras que, en las filas de los villanos, militaban personajes tan peligrosos como Los Forzadores, Buitre, Electro, Lagarto, Hombre de Arena, Rino, Duende Verde, Lápida, Doctor Octopus, Cabeza de Martillo, Conmocionador, Mysterio, Camaleón o Veneno.
Greg Weisman lo tenía muy claro:
Peter Parker es el perdedor enamorado que no siempre pierde. Es el chaval de dieciséis años con responsabilidades de, al menos, dos adultos. Un chico que tiene mucho que aprender, en clase, en casa y en el trabajo de superhéroe. Nuestro tema es “La educación de Peter Parker“. Además, queremos recuperar al Spidey del que todos nos enamoramos en los días de Stan Lee, Steve Ditko y John Romita.
Queremos llegar al núcleo de cada personaje y la dinámica que establecen en relación a Spidey, Peter o ambos. Si somos auténticos con eso, el resto no es tan importante. Queremos versiones de personajes que ofrezcan lo que nosotros llamamos las Cino Ces: contemporáneos y, al mismo tiempo, clásicos, cohesionados, coherentes e icónicos. Vale, hemos hecho trampa con la quinta, pero ya pillas la idea.
La serie resultó un éxito rotundo, por lo que se esperaba que la serie se mantuviera en antena durante, al menos, cinco temporadas más, en las que se vería a Peter pasar del instituto a la universidad, lo que conllevaría un traslado al formato de TV movies.
De hecho, el último capítulo de la segunda temporada, en la que el Duende Verde era desenmascarado, dejando claro que se trataba de Norman Osborn, abría la serie a otras tramas, como Harry tomando el relevo de su padre o la aparición de nuevos villanos, de la talla del Duende (de hecho, Roderick Kingsley ya se había dejado ver), Hydro-Man o Matanza. Y, por supuesto, el regreso de Norman Osborn, que debía producirse tarde o temprano.
Sin embargo, pese a contar con tan altas expectativas, nada de eso sucedió, ya que, The Spectacular Spider-Man desapareció de la programación cuando Sony y Marvel llegaron a un acuerdo mediante el cual los derechos televisivos del superhéroe regresaban a La Casa de las Ideas. Para no tener que pagar licencias por seguir adelante con la serie animada, se decidió cortar por lo sano y empezar de cero con Ultimate Spider-Man, la cual tenía una mayor calidad visual, aunque no sucedía lo mismo con la argumental. No obstante, logró mantenerse a flote durante 104 episodios repartidos en cuatro temporadas.
Sin embargo, The Spectacular Spider-Man, a pesar de su peculiar estilo de animación, siempre será recordada como una de las mejores series de dibujos del personaje, además de contar con una canción de lo más pegadiza, cuya versión española reproducimos a continuación.
No obstante, últimamente se han oído rumores sobre la posibilidad de que The Spectacular Spider-Man regrese con nuevos episodios, lo que sería una gran noticia para todos los seguidores del personaje, aunque aún es pronto para lanzar las campanas al vuelo.
¿Cuáles son los personajes más agradables de One Piece? Algunos puestos los tenemos muy claros, pero otros han generado mucho debate entre la comunidad
Desde las páginas del manga, hasta la pantalla de Netflix, el universo de ‘One Piece’ finalmente se ha expandido al reino del live-action. Eiichiro Oda, el creador del famoso manga y anime, probablemente nunca imaginó ver a sus personajes en carne y hueso. Pero aquí estamos, y ahora, la pregunta que todos los seguidores se hacen es: ¿Qué tan agradables son estos personajes en esta nueva versión?
Clasificación de personajes de One Piece
10. Helmeppo (Aidan Scott) El hijo del corrupto Capitán Morgan, Helmeppo, explota la fama de su padre. A pesar de su origen poderoso, este joven destaca por su ineptitud. Inicia como un desagradable y arrogante personaje, pero evoluciona gracias a su entrenamiento como cadete y la amistad con Koby. Al final, incluso se enfrenta al Vicealmirante Garp para proteger a los Sombrero de Paja. ¡Eso es evolución de personaje!
helmeppo a la derecha junto a koby y garp
9. Vicealmirante Garp (Vincent Regan) El principal antagonista de la temporada, Garp, persigue a Luffy, quien resulta ser su nieto. Si bien sus acciones son obstinadas, no es realmente un villano. A pesar de sus desacuerdos, Garp finalmente acepta el destino pirata del pirata de goma y acaba dejando que siga su sueño en busca de la libertad.
8. Buggy el Payaso (Jeff Ward) Un favorito entre los seguidores, Buggy sorprendió en la adaptación de Netflix. Aunque es un villano, su presencia es más entretenida que amenazante, en gran parte gracias a la actuación de Ward.
7. Usopp (Jacob Romero Gibson) El siempre sonriente Usopp sueña con ser un gran guerrero del mar. A pesar de ser un poco frustrante, cuando se une a la tripulación de los Sombrero de Paja, su carisma e inventos increíbles se hacen esenciales.
6. Chef Zeff (Craig Fairbrass) El chef Zeff, anteriormente conocido como “Pierna Roja”, es el dueño del Baratie, el lujoso restaurante flotante. Es una figura paternal para Sanji, y su relación con él es uno de los puntos más emotivos de la serie. Aunque gracias a él obtienen el barco para poder continuar con la travesía hacía el grand line.
5. Zoro (Mackenyu) Conocido como el “Cazador de Piratas”, Zoro es leal, valiente y algo impulsivo. Su sueño es convertirse en el mejor espadachín, y su compromiso con este sueño es palpable en cada escena.
4. Nami (Emily Rudd) El único personaje femenino principal, Nami, es una ladrona con un pasado doloroso. Aunque al principio es reservada, se convierte en una figura crucial en la tripulación del pirata de goma, demostrando su valía en múltiples ocasiones.
nami en el centro acompañada de zoro y sanji
3. Koby (Morgan Davies) El primer amigo que Luffy hace en su aventura, Koby, muestra un crecimiento espectacular. De ser un mero chico prisionero, se convierte en un valiente marine, dispuesto a enfrentarse a Garp por su amigo.
Koby junto a Luffy
2. Sanji (Taz Skylar) Sanji, el carismático cocinero, se convierte rápidamente en uno de los favoritos de la serie. Su estilo de lucha y su relación con los demás miembros de la tripulación son simplemente inolvidables.
1. Luffy (Iñaki Godoy) El protagonista, interpretado por Iñaki Godoy, captura a la perfección el espíritu del personaje original. Con su ambición de convertirse en el Rey de los Piratas, él es la personificación de la alegría, la valentía y el espíritu aventurero.
La adaptación live-action de ‘One Piece’ en Netflix ha dado vida a estos icónicos personajes de formas que los seguidores solo podrían haber soñado. Aunque es un desafío adaptar una obra tan querida, Netflix ha demostrado que con el casting y enfoque correctos, es posible capturar la esencia del mundo de ‘One Piece’ para una nueva generación. Con la promesa de más temporadas en el horizonte, los seguidores pueden esperar aún más aventuras y personajes carismáticos en el futuro.
Han logrado un hito al adaptar con éxito “One Piece” a live-action. Respetando la esencia del manga original de Eiichiro Oda, la serie ha fascinado a seguidores de la saga, presentando a los queridos personajes con un toque fresco y cautivador. Un triunfo para la cultura geek.
Las prisiones del Universo DC son las instalaciones donde los supervillanos, que son puestos a disposición de las autoridades, son internados para cumplir la condena y rehabilitarse o incapacitarse
El Universo DC tiene como epicentro la Tierra 0, desde que se unificó tras el evento Crisis en Tierras Infinitas, que sería el equivalente a nuestra realidad tangible. Del mismo modo que en la realidad, este universo cuenta con prisiones para que los condenados por delitos cumplan sus condenas, y al igual que las prisiones del Universo Marvel con la peculiaridad de que algunos de ellos tienen super poderes y han de estar confinados en lugares específicos para ellos.
Incluso en la última gran crisis del Universo DC, como es Crisis Oscura en Tierras Infinitas, Paria y su Ejército Oscuro crean una prisión perfecta, donde los encerrados viven en su propio mundo, que es perfecto para ellos, por lo que en ese estado inconsciente y feliz, no tratarán de escapar. Este es un ejemplo de una buena prisión, pero el Universo DC cuenta con varias, como son las siguientes:
Asilo Arkham, una prisión peculiar
Esta institución, seguramente, sea la prisión más famosa de todo el Universo DC, en principio ideada para aquellos delincuentes que sean mentalmente inestables, pero a lo largo de las páginas de multitud de cómics se ha constatado que es un proyecto utópico e idealista, porque tras sus muros acaban encerrados delincuentes de todo tipo quienes, perfectamente, podrían estar cumpliendo condena en Blackgate.
La primera vez que apareció Arkham fue en Batman #258 EE. UU., publicado en el año 1974, localizada en el extrarradio de Gotham, donde eran encarcelados los delincuentes más peligrosos que el Caballero Oscuro detenía y ponía a disposición de las autoridades y la Justicia, para su prisión preventiva o cumplimiento de la condena, una vez dictada la sentencia correspondiente.
Su fama de inefectividad, constatado con las numerosas fugas y falta de rehabilitación de los internos, es legendaria para los personajes de DC, a la vez que su atmósfera lóbrega y pegajosa, dejan en sus visitantes una sensación de opresión, ahogo y escalofríos, como Grant Morrison y Dave McKean reflejaron en su obra homónima: Arkham Asylum, ya clásica de Batman, disponible en varias ediciones diferentes de ECC, publicada con gran éxito como sucedió con Zinco y Planeta previamente.
Los profesionales sanitarios de Arkham suelen ser grandes psiquiatras, psicólogos o doctores en otras disciplinas de ciencias de la salud, pero que su presencia en la institución los absorbe y, en varias ocasiones, acaban formando parte del plantel de condenados en el propio Arkham, tal y como le sucede al protagonista en Joker: sonrisa asesina, de Jeff Lemire y Andrea Sorrentino, en su tratamiento del Príncipe Payaso.
Incluso, una excelsa doctora egresada de la Universidad de Gotham, como era Harleen Quinzel, acabó uniéndose a los villanos pintorescos de Gotham bajo el nombre de Harley Quinn, creada para la serie animada de Batman, y como se constató en las páginas de Amor loco, de Paul Dini y Bruce Timm, así como más recientemente en la más oscura y realista historia narrada por Stephan Šejić en Harleen, publicada en ECC.
Al hilo de la obra de Šejić, es preciso comentar que Kami García y Edward Kurz en Joker/Harley: cordura criminal, muestran el camino de la doctora Quinzel al lado de los agentes de la ley, si no hubiese sucumbido bajo el influjo de Cupido por el Joker. Sam Kieth, también ha narrado otras historias de la institución gothamita como Asilo Arkham Locura, o a Batman junto con The Maxx como protagonistas en Arkham Dreams.
La prisión originaria de Gotham fue Blackgate, que comenzó a construirse en la década de los años ochenta del siglo XIX, en la isla que lleva su nombre. Las quejas de las organizaciones no gubernamentales hicieron que se clausurase la prisión un siglo más tarde y, tras readaptarla, se volviese a poner en funcionamiento como Prisión de Blackgate -Blackgate Penitentiary-.
Esta cárcel es la utilizada para los presos comunes sin afecciones en su salud mental, como los pertenecientes a la criminalidad organizada de Gotham, los de delitos menores o algunos de los villanos clásicos de Batman como Catwoman, quien de todos modos tiene numerosos contactos con los mafiosos, como se ha visto en las aventuras del Caballero Oscuro o en las protagonizadas por la propia Selina Kyle, tal y como Jeph Loeb y Tim Sale mostraron en Catwoman: Si vas a Roma.
En Batman: Un Caballero Oscuro, Jock desarrolla una trepidante historia en la que el Hombre Murciélago ha de apoyar a la Policía para el traslado deE.M.P. hasta Blackgate, pero al igual que le sucedió a en S.W.A.T. a Samuel L. Jackson o a Bruce Willis en Muerte Súbita –16 Blocks–, unas pocas manzanas pueden resultar mortales cuando todos los delincuentes de Gotham quieren quedarse con el prisionero.
Durante los acontecimientos de Batman: Tierra de nadie, se mostró que, pese a la insularidad de la prisión, los hados se mostraron propicios para los internos y el derrumbe de uno de los muros de la prisión, junto con la aparición de una lengua de tierra, permitió a los internos escapar hacia la ciudad, hasta que Batman pudo detenerlos de nuevo.
Por último, el Batman más oscuro existente, al ser el Caballero Oscuro un vampiro en Lluvia Roja, tras matar a los esbirros de la banda de Máscara Negra, dejó sus cabezas empaladas en la valla externa de la prisión mirando hacia las celdas, como advertencia a los internos que quisieran escapar. Posteriormente, Batman afirma que se está quedando sin’ víctimas necesarias’ para satisfacer su sed de sangre, porque la mayoría de los internos lo son por delitos menores y no merecen su castigo escarlata como los grandes criminales.
Belle Reve, donde los chicos malos trabajan para el Gobierno Federal
Tras el éxito de público que supuso El Escuadrón Suicida (2016) de David Ayer, la prisión de Belle Reve se hizo más famosa que en las páginas del noveno arte. Dicha institución ya surgió en el primer número americano de Suicide Squad (1987), con John Ostrander mostrando la cárcel en el exterior de St. Rochs (Luisiana), recogido en el volumen de ECC Prueba de fuego.
La directora Amanda Waller, una funcionaria federal de máximo nivel, eligió dicha prisión como lugar para asentar su operación Task Force X -Fuerza de Choque X-. Una vez reformadas las instalaciones precedentes para alojar a metahumanos, el Escuadrón Suicida estaba listo para llevar a cabo operaciones encubiertas del Gobierno de los Estados Unidos, utilizando a los peores criminales, puesto que, si morían, el Gobierno se lavaría las manos y nadie les echaría en falta.
La sofisticada y alta tecnología que se dispone en Belle Reve, hace que esta sea una de las prisiones más seguras del Universo DC, demostrado incluso por la dificultad de la Liga de la Justicia en acceder a ella, tal y como se recoge en las páginas de Liga de la Justicia contra el Escuadrón Suicida. Escapar de allí no es fácil, porque con el explosivo implantando dentro de la cabeza de los internos, la huida puede implicar que Waller dé al botón y la cabeza sea lo único que salga del recinto… sin la posibilidad de ser una de Un cesto lleno de cabezas…
Slabside o The Slab
El nombre de Slabside Penitentiary o The Slab, creada por Ron Marz, en jerga tiene el significado de losa o lápida, no es algo que suene idílico para la rehabilitación o un tercer grado para el interno, que solo desee pernoctar en prisión tras haber cumplido una gran parte de su condena… Es así porque de esta cárcel solamente se sale muerto, he ahí lo de lápida, porque en esta institución se cumplen las cadenas perpetuas.
En un primer momento, esta prisión estaba situada en Nueva Jersey (¿Cómo Gotham?), Green Lantern #51, vol. 3, EE. UU. (1994), pero posteriormente se trasladó al punto más meridional o austral de la Tierra: la Antártida. Además, cuenta con un guardián especialista en evitar las fugas, al ser experto en ellas: Shilo Norman, quien fue también Míster Milagro, antes de ser contratado en Slabside.
En esta prisión se interna a metahumanos delincuentes, siendo una de las más eficaces del noveno arte. Solamente el Joker, en Last Laugh –Joker: Quien ríe el último–, hizo peligrar su estatus de prisión inexpugnable cuando expuso a los internos a una toxina que degeneró en un motín, que a punto estuvo con dar al traste con la fama de seguridad de la cárcel.
La Zona Fantasma de Krypton
Jor-El, padre de Superman, fue uno de los científicos más prominentes de Krypton descubrió una dimensión paralela que utilizó como cárcel para los pocos delincuentes kriptonianos que actuaban en su época. Esta prisión es un universo de bolsillo eterno, donde los ahí internados son como fantasmas, siendo muy pocos los que han logrado escapar de ella.
En la Zona Fantasma el interno sigue consciente, pero al no existir la muerte ni el tiempo, el dolor psicológico persiste, porque el cuerpo es etéreo y no necesita alimentos o descanso; es un lugar sumamente desagradable, por lo que los internos, pese a ser incorpóreos, sufren constantemente en ella.
Superman posee un proyector a esa Zona Fantasma, aunque no sea la opción preferida de este para los supervillanos, y la utilizó para internar a Doomsday, quien fue su ejecutor en La muerte de Superman o al General Zod. Algunos de los kriptonianos que cumplen su condena, son liberados en la ciudad de Kandor, que fue reducida, robada y guardada en una botella antes de la destrucción del planeta.
Otras prisiones del Universo DC
Otras prisiones existentes en el Universo DC son la Isla de la Transformación -Transformation Island-, una pequeña porción de tierra cercana a Themyscira, donde se encierra a las amazonas que cometen delitos. En la isla de Santa Prisca, Bane creció en la prisión de Peña Duro, donde forjó su carácter, puesto que debía cumplir por ley la condena que su padre no terminó al morir.
En la época futura de la Legión de Superhéroes, existe una prisión en el planeta Trakron-Galtos (Adventure Comics #359), aunque sea una de las prisiones más seguras, la Legión tuvo que emplearse a fondo para evitar varias fugas. Posteriormente, Brainiac 5, creó un escudo de fuerza impenetrable alrededor del planeta, reforzando exponencialmente la seguridad de la prisión.
En el Río Oeste, cerca de Metrópolis, está la prisión de la isla Stryker, que también recibe el nombre de Gran DuBarry. Esta es una prisión Federal de máxima seguridad, donde se interna a delincuentes con poderes especiales. Cerca de Keystone City, está la prisión de Iron Heights, donde existen módulos según la peligrosidad de los internos.
Seis de Cuervos: el inicio de una espectacular saga fantástica concebida por la aclamada autora superventas Leigh Bardugo
El éxito logrado por la novela de fantasía Seis de Cuervos ha sido tanto que, desde que Leigh Bardugo lo escribió en 2015, ya ha contado con, al menos, diecisiete ediciones, motivo por el que merece ser reseñado en nuestra web para que los lectores de dicho género que no conozcan este libro puedan adentrarse en el mágico mundo creado por su autora. además de su salto a la pequeña pantalla del que ya hablamos en su momento. A continuación, se muestra su portada completa.
Presentación y argumento de Seis de Cuervos
Seis de Cuervos está divida en seis partes, respectivamente tituladas Asuntos sombríos, Servidora y palanca, Dolor en el corazón, El truco al caer, El hielo no perdona y Auténticos ladrones, que a su vez están subdividas en un total de 46 capítulos, cada uno de ellos titulado con el nombre del personaje más importante de dicho apartado, principalmente Kaz, Inej, Nina, Matthias y Jesper, que, junto a Wylan, son los protagonistas de esta aventura.
Todo comienza cuando el genio criminal Kaz Brekker es contratado para llevar a cabo un peligroso trabajo de rescate, a cambio de una suculenta recompensa. Sin embargo, ni siquiera todos sus años de experiencia podrían lograr que llevase la misión a buen puerto él solo. Por tanto, su única opción es juntar a un grupo de personas que reúnan las habilidades necesarias para completar el trabajo, a pesar de que ninguno sea capaz de confiar plenamente en el resto del grupo.
Aunque la trama principal narrada en Seis de Cuervos llega a su conclusión, la novela deja algunos frentes abiertos para la segunda parte de esta bilogía, titulada Reino de ladrones (2021).
Particularidades de Seis de Cuervos
Una peculiaridad a destacar de esta novela es cómo la palabra “cuervo” adquiere bastante relevancia en la forma en que el libro está presentado, ya que algunos capítulos se subdivididen en partes, mediante el dibujo de dicho animal, mientras que los bordes de las páginas están pintados de negro, de modo que, cuando se cierra, el volumen adquiere una tonalidad oscura que nos recuerda al de las plumas del pájaro que da título al tomo.
Valoración de Seis de Cuervos
Si prefieres los relatos apegados a la realidad en la que vivimos, está claro que este libro no está hecho para ti. Sin embargo, si te gustan las novelas de género fantástico, no cabe duda de que Seis de Cuervos es una más que correcta opción para pasar un buen rato con las interesantes aventuras de Kaz y sus compañeros de viaje.
Si, finalmente, decides darle una oportunidad a esta novela y sales satisfecho pero con ganas de más, no debes olvidar tener en cuenta que Seis de Cuervos cuenta con una secuela y que Leigh Bardugo ha escrito una trilogía entera basada en el mismo universo en el que suceden las aventuras de este libro, además de las adaptaciones audiovisuales de las historias de esta escritora, por lo que aún te queda bastante material entre el que elegir.
Seis de Cuervos se completa con un mapa de la tierra donde transcurre parte de la novela (del que reproducimos un fragmento bajo este párrafo), otro de la Corte de Hielo, una dedicatoria, una página que aclara los diferentes tipos de Grisha (Soldados del Segundo Ejército y Maestros de la Pequeña Ciencia) que nos encontramos a lo largo del libro, la sección de agradecimientos, la biografía de la autora y el resumen de la novela (estas dos últimas en la solapa). Además, contiene un marcapáginas personalizado de la obra.
Seis de Cuervos esta correctamente publicado por la Editorial Hidra, en formato de tapa dura con solapas. Sus medidas son de 15 x 22, consta de 544 páginas y tiene un precio de 18,05 euros.
La escritora de Seis de Cuervos
La autora superventas del New York Times Leigh Bardugo, creadora de la Trilogía Grisha (2012 – 2014), nació en Jerusalem, vivió en Los Ángeles y, tras graduarse en la Universidad de Yale, ha trabajado en sectores como la publicidad, el periodismo y el maquillaje y efectos especiales. En su vivienda actual, en Hollywood, escribe y canta con su banda.
Kaz Brekker, un genio del crimen que regenta un antro de juegos de azar y apuestas conocido como el Club Cuervo, debe reunir a un grupo de seis personas con las habilidades necesarias para entrar (y salir) de la Corte de Hielo, una fortaleza inexpugnable que mantiene bajo llave un secreto que podría dinamitar el equilibrio de poder en el mundo.
Es probable que nadie sobreviva a esta misión, pero si quiere hacerse rico más allá de lo que alcanza su imaginación, Kaz va a tener que jugárselo todo a una sola carta. Y esa carta es un Seis de Cuervos.
LOS ANGELES, CA – JUNE 16: Author Leigh Bardugo attends the “Ruin and Rising” book launch party on June 16, 2014 in Los Angeles, California. (Photo by Chelsea Lauren/WireImage)
¿Recuerdas la popular serie de los ’90, “Salvados por la Campana”? Su estrella principal arroja luz sobre sus episodios más controvertidos
Cada vez más, las series de décadas anteriores se analizan bajo el escrutinio de las sensibilidades actuales. Mark-Paul Gosselaar, el carismático protagonista Zack Morris de “Salvados por la Campana”, comparte su perspectiva sobre ciertos episodios que, para los estándares de hoy, son decididamente “problemáticos”.
Durante una aparición promocional de su podcast temático sobre “Salvados por la Campana”, Gosselaar se unió al podcast Pod Meets World, conducido por los actores de la serie “Boy Meets World”: Danielle Fishel, Rider Strong y Will Friedle. Allí, Gosselaar recordó su época dorada, frente a millones de jóvenes espectadores todos los sábados por la mañana en NBC, y reflexionó sobre ciertos argumentos de la serie que pueden parecer ofensivos a los ojos contemporáneos. “Hubo un par de argumentos que podrían considerarse cuestionables hoy en día“, comentó. “Uno de ellos mostraba cómo yo me lucraba con Lisa Turtle, cobrando a la gente por besarla sin su consentimiento. Fue un episodio duro“.
Pero ese no fue el único momento incómodo del show que Gosselaar resaltó. Recordó un episodio particular de la segunda temporada, titulado “Running Zack”. En él, Zack tiene que aprobar una tarea sobre el patrimonio familiar para mantenerse en el equipo de atletismo. Es emparejado con un jefe nativo americano que le enseña sobre sus ancestros. Al final del episodio, Zack aparece vestido con atuendos nativos delante de sus compañeros de clase, una escena que Gosselaar considera incómoda hoy en día. “Fue delicado tratar ese episodio donde Zack afirmaba ser nativo americano. Verlo con un tocado completo… son cosas que simplemente no se filmarían hoy“, reflexionó.
Un viaje por la historia de “Salvados por la Campana”
Antes de ser la serie que todos conocemos, “Salvados por la campana”tuvo sus inicios en 1988 como un programa del Disney Channel titulado “Good Morning, Miss Bliss”. Esta producción original contaba con Gosselaar junto a Lark Voorhees, interpretando a Lisa, y el recordado Dustin Diamond, en el papel de Screech. Posteriormente, fueron integrados a la trama de Bayside Highen “Salvados por la campana”, después de que el presidente de NBC, Brandon Tartakoff, decidiera reajustar el programa para su programación matutina.
Desde 1989 hasta 1993, la serie tuvo dos películas para televisión y dos spin-offs. A pesar de la naturaleza ligera del programa, ocasionalmente abordaba temas serios que, mirados con ojos actuales, podrían considerarse problemáticos, como la conocida trama de las pastillas de cafeína con Jesse (Elizabeth Berkley).
En 2020, Peacock intentó revivir la magia con una generación más diversa de estudiantes de Bayside High. Gosselaar retomó su icónico papel, pero esta vez como gobernador de California. A pesar de contar con participaciones regulares de Berkley y Mario Lopez, la serie fue cancelada después de dos temporadas en 2021.
El legado y la evolución de las series de los años 90
Las series de los años 90, como “Salvados por la Campana”, no solo nos ofrecen una ventana al pasado, sino también un reflejo de cómo la sociedad ha evolucionado en términos de representación y sensibilidad. Durante esa década, las tramas y personajes reflejaban las normas y valores de la época, muchas de las cuales chocan con las actuales. No obstante, estos programas también sientan las bases para debates y discusiones en el presente.
Revisitarlos nos permite aprender y crecer, alentando a creadores y audiencias a ser más conscientes y respetuosos. El hecho de que actores como Mark-Paul Gosselaar reconozcan y reflexionen sobre estos temas demuestra una madurez y una voluntad de avanzar hacia una representación más auténtica en la pantalla. Las series no son solo entretenimiento; son un espejo de la sociedad y, a veces, un recordatorio de cuánto hemos cambiado.
El legendario cineasta Tim Burton se ha mostrado reticente ante la presencia de ambos personajes en la reciente película The Flash
La relación de Burton con los héroes de DC
Burton, quien llevó al Caballero Oscuro a la gran pantalla en 1989 con la película Batman y posteriormente presentó su brillante secuela Batman Returns, tenía en sus planes hacer lo mismo con el Hombre de Acero. Llegó a elegir a Nicolas Cage para ser el hijo de Krypton, pero el proyecto lamentablemente nunca vio la luz.
Tras este proyecto truncado, el hombre de acero quedó en el olvido hasta que Superman Returns trató de revivir la magia del clásico Superman: la película. Sin éxito en esta tentativa, Zack Snyder tomó la batuta y reinventó al héroe en Man of Steel en 2013.
En palabras del propio Burton a la British Film Institute, “Cuando trabajas tanto tiempo en un proyecto y no se materializa, te afecta el resto de tu vida. Te apasionas por las cosas y cada proyecto es un viaje incierto. Superman Lives no llegó a ser una realidad, pero es una de esas experiencias que nunca te abandonan”.
Continuó con una crítica velada hacia los grandes estudios: “Pueden tomar lo que hiciste, como Batman, y apropiárselo culturalmente. Aunque seas un siervo de Disney o Warner Brothers, ellos pueden hacer lo que quieran. Así que en mis últimos años, estoy en una especie de revuelta silenciosa contra todo eso”.
Aunque no mencionó directamente la película del velocista escarlata, es probable que la insinuación sobre Warner apropiándose de su trabajo nos dé una idea clara de lo que siente al ver a su Superman convertido en una figura generada por computadora. Y seguramente, tampoco está contento con la continuación de la historia de su Caballero oscuro.
En cuanto a Burton, es probable que sus días relacionados con películas de superhéroes hayan quedado atrás, y se rumorea que no le preocupa demasiado. Siempre nos quedará la incógnita de qué hubiera pasado con Superman Lives, pero al menos The Flash nos dio una pequeña idea.
Visionario del cine gótico y fantástico
No es casualidad que, al mencionar el nombre de Tim Burton, de inmediato nuestra mente evoque escenarios oscuros, personajes estrafalarios y mundos que oscilan entre lo gótico y lo fantásticamente bizarro. Burton, con su estilo inconfundible, ha sabido conquistar a generaciones con narrativas que combinan el horror, la fantasía y una profunda sensibilidad emocional.
Desde sus comienzos en cortometrajes como Vincent, Burton mostró un profundo interés por lo macabro, siendo este una clara influencia de autores como Edgar Allan Poe. Poco tiempo después, conquistó al público joven y adulto por igual con películas como Beetlejuice y Eduardo Manostijeras, en las cuales presentó una amalgama perfecta entre lo oscuro y lo humorístico.
A lo largo de los años, el director se ha rodeado de un elenco recurrente, destacando su relación profesional con el actor Johnny Depp y la compositora Danny Elfman. Juntos han creado piezas icónicas que resonarán por generaciones.
Burton también ha mostrado su habilidad para adaptar historias clásicas con su sello personal, como en “Charlie y la fábrica de chocolate” o “Alicia en el país de las maravillas”. Sin duda, su legado en el cine es inmenso, y su capacidad para transformar lo cotidiano en maravillosamente extraño sigue siendo una fuente de inspiración para cineastas y seguidores de todo el mundo.
Peacock anticipa una de las escenas más intensas de The Continental, donde expande el universo de John Wick, transportando a los espectadores a la década de los 70
Antes de sumergirnos en la tensa atmósfera del universo John Wick, Peacock nos regala un adelanto del primer episodio de The Continental.
El enfrentamiento nos ofrece una lluvia de balas y técnicas de artes marciales que recuerdan fielmente a las películas de John Wick. Vemos a Frankie luchando hábilmente contra un grupo de matones mientras intenta ascender por la escalera del hotel, después de robar un enigmático MacGuffin. Aprovechando un momento de distracción, Frankie se lanza por una ventana de un piso superior, resultando herido al aterrizar. Durante esta secuencia, se opta por largas tomas, acompañadas de comentarios de un operador de radio que relata los acontecimientos, probablemente debido a una recompensa puesta a la cabeza de Frankie.
Reviviendo los 70
Ubicada en el áspero contexto del Nueva York de los años 70, la serie nos cuenta la historia de un joven Winston, interpretado por Colin Woodell, y el conserje del hotel, Charon, encarnado por Ayomide Adegun. Ambos personajes emprenden una misión para arrebatar el control del Continental al mafioso Cormac, a quien da vida Mel Gibson. En su aventura, se cruzarán con distintos asesinos a sueldo del universo de Lionsgate, con el objetivo de hacerse con el poder que les está destinado en el futuro. A través del emblemático hotel, esta saga nos transporta cuatro décadas atrás, mucho antes de que John Wick hiciera su aparición en 2014.
La vibrante escena de apertura fue magistralmente coreografiada por el especialista y director de acción Larnell Stovall, que sentó las bases de lo que promete ser un viaje electrizante. El director Albert Hughes también insinuó la presencia de diversos personajes, cada uno con un papel fundamental en la historia.
Un elenco estelar
Junto a Woodell, Adegun y Robson, el reparto de la serie cuenta con las actuaciones deMishel Prada, Peter Greene, Jessica Allain, Nhung Kate, Marina Mazepa, Ray McKinnon, Jeremy Bobb, Katie McGrath, Mark Musashi y Adam Shapiro. La franquicia de John Wick se expandirá aún más en 2024 con la película Ballerina, mientras que se está considerando una quinta entrega con Keanu Reeves, aunque todavía no hay confirmaciones al respecto.
John Wick ha demostrado ser un terreno fértil para la expansión narrativa. Desde su inicio en 2014 con la película homónima, ha cautivado a millones de fans alrededor del mundo, no solo por sus impresionantes secuencias de acción, sino también por la complejidad de su mundo subterráneo. Las reglas, los códigos y la lealtad son fundamentos esenciales en este submundo de asesinos a sueldo.
Esta nueva serie se perfila como una adición fundamental a esta saga, proporcionando una nueva perspectiva sobre los acontecimientos que tuvieron lugar antes de la llegada de Wick al escenario. La serie promete ofrecer una inmersión profunda en el pasado, revelando los orígenes y las motivaciones de personajes ya conocidos y nuevos rostros que seguro serán esenciales en futuras entregas.
Un aspecto destacable es cómo se está gestionando la expansión de este universo. Al optar por formatos seriados, se permite un desarrollo más extenso y detallado de los personajes y las tramas. Esta decisión también se alinea con la tendencia actual en el mundo del entretenimiento, donde las series ofrecen a los creadores un lienzo más amplio para su narrativa, y a los seguidores una experiencia más enriquecida y prolongada.
Descubre las joyas literarias de Brandon Sanderson que no son “Nacidos de la Bruma” ni “El Archivo de las Tormentas” pero que tienen un potencial cinematográfico y televisivo indiscutible
Si hablamos de literatura de fantasía contemporánea, es casi imposible no pensar en Sanderson. La mayoría de los fans asocian al autor con sagas icónicas como “Nacidos de la Bruma“ o “El Archivo de las Tormentas”. Sin embargo, si te quedas sólo en esas obras, te estás perdiendo de un universo literario repleto de potencial para saltar a la gran pantalla.
El desafío de adaptar el Universo Cosmere de Brandon Sanderson
El panorama de Hollywood está pasando por tiempos convulsos. Brandon Sanderson, la mente brillante detrás de sagas literarias épicas como Stormlight y Mistborn, se encuentra en medio de este torbellino. A pesar de la vastedad y riqueza del Universo Cosmere, Hollywood parece dudar. Entre paros laborales y bajos rendimientos de taquilla, la adaptación cinematográfica de estas obras maestras enfrenta obstáculos.
El mundo del cine y la televisión está en constante evolución, y actualmente se halla en una fase de ajuste. Incluso grandes franquicias, respaldadas económicamente y por audiencias masivas, enfrentan retos. Sanderson, aunque ofrece un rayo de esperanza, advierte que los fans podrían necesitar armarse de paciencia.
Para aquellos no versados en el tema, el Universo Cosmere representa un vasto cosmos ficticio que alberga varias series del talentoso escritor americano. Su distintivo reside en su complejidad y profundidad narrativa, atributos que lo convierten en el candidato perfecto para las adaptaciones a la gran y pequeña pantalla. Sin embargo, el reto monumental es cómo destilar tal magnitud de detalles y tramas en algo que el público general pueda consumir y apreciar.
La industria del entretenimiento está en un punto de inflexión. Y aunque franquicias con amplio respaldo están sintiendo el impacto, palabras como las de Sanderson ofrecen un atisbo de optimismo. Hay oportunidades en el horizonte, y aunque la espera podría prolongarse, la visión de personajes del Universo Cosmere en nuestras pantallas aún es una posibilidad real.
Finalmente, en tiempos de cambios y adaptaciones, es crucial recordar que las grandes películas suelen ser el resultado de un proceso extenso y meticuloso. Así que, aunque la espera se extienda, el sueño de una adaptación fidedigna sigue más vivo que nunca. En última instancia, para los fieles fans del Universo Cosmere, la paciencia es la clave mientras aguardamos emocionantes actualizaciones que pueden cambiar completamente el escenario actual.
El universo de Sanderson: un cosmos más amplio de lo que imaginas
El Cosmere, ese vasto entramado literario de Sanderson, es mucho más que sus obras más populares. Dentro de este universo encontramos historias que, aunque no han alcanzado la misma fama, están cargadas de magia, intriga y aventura como los proyectos secretos que están saliendo este año como “Yumi y el Pintor de Pesadillas“ o “Trenza del Mar Esmeralda”, que al ser historias cortas podrían ser más fáciles de desarrollar y de que el público conecte más rápido con el mundo de Sanderson. Pero las dos novelas que creemos que podrían tener un mayor impacto serían las siguientes:
“Elantris” fue la obra debut deBrandon Sanderson y, sin duda, estableció su reputación como un maestro del género de fantasía. La historia se centra en la ciudad de Elantris, antiguamente un lugar de luz y magia, pero que se transformó en una prisión oscura y maldita tras un cataclismo. A través de los ojos de tres personajes principales – Raoden, Sarene y Hrathen – exploramos temas de decadencia, esperanza y redención. Su rica trama política y sus personajes carismáticos ofrecen un profundo abismo de posibilidades para adaptaciones cinematográficas.
Por otro lado, “El aliento de los dioses” (también conocido como “Warbreaker”) nos sumerge en un mundo donde el color y el ‘aliento’ tienen poder. Las hermanas Vivenna y Siri son enviadas a una ciudad gobernada por dioses resucitados, y enfrentan intrigas políticas y misterios místicos. La peculiar magia basada en la voz y los vivos colores se traduciría en una estética visual impresionante para la gran pantalla. La historia, cargada de giros inesperados y personajes memorables como Lightsong y Nightblood, captura la esencia del talento narrativo de Sanderson.
Más allá del Cosmere: un universo por descubrir
Pero Sanderson no se limita al Cosmere. Fuera de este universo, el escritor nos ofrece historias igualmente fascinantes que claman por una adaptación. Entre las que destacan estos tres títulos:
“Skyward” es una de esas historias. Nos lleva a un mundo en constante guerra con alienígenas, donde la joven Spensa aspira a convertirse en piloto y descubrir los secretos de su familia. La combinación de ciencia ficción, combates aéreos y drama personal tiene todo lo necesario para una gran saga cinematográfica.
“Reckoners” es otro ejemplo. En un mundo gobernado por supervillanos con increíbles poderes, un grupo de rebeldes busca la forma de derrocarlos. Esta trama llena de acción, traición y superpoderes sería el punto de partida perfecto para una serie de televisión adictiva.
Y no podemos olvidarnos de “El rithmatista”, una historia donde la magia se traza con tiza y los duelos se deciden en el aula. Una propuesta fresca que sería un éxito entre el público más joven.
El mundo de la tecnología no deja de sorprendernos. Y si hay un sector que ha experimentado una revolución constante en la última década, ese es sin duda el audiovisual.
Hace unos días nos enteramos de la aparición de una inteligencia artificial llamada HeyGen capaz de doblar las voces de los vídeos a otros idiomas, manteniendo el tono original del personaje e, increíblemente, ajustando los labios a la nueva voz. Un avance asombroso, sin duda. Pero ¿qué significa esto para nuestros queridos actores de doblaje, esos talentos que nos han brindado horas y horas de emociones?
El simbolismo detrás de la voz: la escena de Terminator 2
En el cine, la voz tiene el poder de transportarnos a mundos diferentes, de hacernos sentir emociones y de dar vida a personajes que, de otra manera, permanecerían en la sombra.
Un ejemplo perfecto de esto es la icónica escena de Terminator 2 en la que el T800 cambia su voz por la de John Connor. Esta secuencia nos demostró cómo un simple cambio de tono puede modificar completamente la percepción que tenemos de un personaje.
HeyGen: un avance tecnológico que despierta preguntas
Este tipo de actores no son simplemente personas que prestan su voz. Son artistas que interpretan, que estudian cada personaje, que sienten y transmiten emociones. Detrás de cada línea hay ensayos, hay pasión, hay una historia. Las voces de Homer Simpson, de Jack Sparrow o de Goku, por nombrar solo algunos ejemplos, se han convertido en parte de la cultura popular gracias al increíble trabajo de estos profesionales.
Los matices de la voz humana
La tecnología puede replicar tonos, timbres e incluso emociones hasta cierto punto, pero hay matices en la voz humana que son inimitables. Esas pequeñas inflexiones, esos tonos cargados de historia personal y de experiencia, hacen que la interpretación de un actor de doblaje sea única.
Para la comunidad geek, los actores de doblaje son más que simples voces. Son aliados que nos han acompañado en aventuras épicas, en historias de amor, en batallas galácticas. Son el nexo entre la obra original y nuestra cultura, y a menudo son los responsables de que una serie, película o videojuego conecte con el público hispanohablante.
La importancia de la adaptación cultural
Una de las mayores fortalezas de nuestros actores es su capacidad para adaptar culturalmente el contenido original. Si bien una inteligencia artificial como HeyGen puede traducir y sincronizar voces, aún está por ver si puede comprender y transmitir las sutilezas culturales que a menudo se entretejen en el diálogo.
Cuando vemos una serie o una película, no solo queremos entender las palabras. Queremos sentir que la historia se cuenta pensando en nosotros, en nuestro contexto, en nuestras vivencias. Los actores de doblaje, con su conocimiento intrínseco de nuestra cultura, logran hacer esto a la perfección.
Las máquinas pueden aprender muchos patrones y emular muchos procesos, pero el entendimiento cultural y la pasión son, al menos por ahora, irremplazables. Estos profesionales nos ofrecen una visión localizada de historias globales, un puente entre mundos que solo ellos pueden construir. No es solo sobre la voz; es sobre el alma detrás de ella.
